DISCOS INMORTALES

WWW.PROGJAZZ.CL - Progresivo en MP3 y Lossless

2009-10-17T02:07:00.007-03:00

Desde hace tiempo que no coloco ningún disco aquí, y éste es el motivo: la apertura - desde ya hace un tiempo - del foro ProgJazz en su ubicación definitiva.

A fines del año 2007 con unos amigos de la web iniciamos la idea de tener un espacio común para compartir la música que nos gusta. Y fue en febrero de 2008 que abrimos un primer foro ProgJazz, el que fue denunciado y eliminado. Abrimos otras versiones, en webs gratuitas, y corrimos el mismo destino.

Este año, entonces, decidimos independizarnos y arrendar nuestro propio host y comprar nuestro dominio. Así nace ProgJazz.cl sitio en el que con sólo registrarte podrás obtener acceso a varios cientos - o miles, no he sacado la cuenta - de discos de rock progresivo, jazz, vanguardia y rock, así como también algunos videos diversos de nuestros grupos favoritos.

Estos últimos meses nos hemos dedicado a subir material en formatos sin pérdida, para que puedas obtener las copias originales de los discos, con lo que podrás disfrutar de un sonido de altísima calidad. Obviamente, también tenemos mucho mp3, casi todo en 320 Kbps.

Tenemos un subforo de ROCK PROGRESIVO, con los espacios de:
Progresivo Clásico Fundamental: Donde encontrarás gran material de discos de los grupos más influyentes de los diversos estilos del progresivo surgido en los 60 y 70: King Crimson, Jethro Tull, Pink Floyd, Rush, Neu!, PFM, Camel y un largo etcétera.
Progresivo Clásico Underground: Lugar inevitable para el verdadero melómano para los más curiosos y de oídos inquietos, donde encuentras bandas que si bien no tuvieron el merecido reconocimiento en su época (también 60's y 70's) no se quedan atrás por su calidad musical.
Progresivo Contemporáneo: Aquí hallas todos los grupos cuyo sonido, surgido en los años 80, ha replanteado las formas de hacer progresivo. Bandas como Marillion, Arena, IQ, Cairo y muchas otras algo más desconocidas también estarán disponibles para ti.
Progresivo Latinoamericano: Quizá el rincón más interesante de todos, en el cual se pueden exponer todos los trabajos y bandas surgidas desde México hacia el sur relativas al progresivo, el avant y la psicodelia. Desde los trabajos más clásicos de La Máquina, Bubu o Los Jaivas hasta bandas actuales y emergentes de nuestras tierras.

Por otro lado, existe un subforo de JAZZ, dividido en dos espacios:
Jazz Mainstream: Con el sonido más clásico heredado de los grandes músicos de mediados del siglo XX hasta nuestros días, y que pretenden mostrar la faceta más tradicional del jazz.
Jazz Fusion: Que alberga tendencias más novedosas, propias de la mezcla del jazz con música contemporánea o folklórica. Lugar bastante recomendado.

Además, encuentras un subforo de R.I.O./Avant, donde habitan las tendencias más experimentales del rock. Aquí cabe cualquier sonido digno de llamarse una buena experimentación, desde los clásico como Henry Cow, Frank Zappa o John Zorn hasta los trabajos más actuales.

Finalmente, existe un subforo que alberga a rock clásico de los años 60&70, y a las buenas bandas surgidas en los 80&90. También se halla nuestro espacio de Música Docta, dirigido a los oídos más académicos y un rincón Audiovisual, donde encontrarás videos de tus artistas predilectos.

Para tener acceso a todo este material, solo basta con registrarte en el foro Progjazz.cl ¿Fácil, no? Y entonces, qué estás esperando? Regístrate en

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Te esperamos!

P.D.: Algunos discos subidos por mí en Progjazz:
Satellite - Nostalgia (2009: Lossless & mp3)
Pink Floyd - Singles y EP's (Lossless)
Pinguin - Der Grosse Rote Vogel (1972 - Lossless)
Jorge Lopez Ruiz - El Grito (1967 - Lossless)
The Watch - Discografía (Lossless)

... Y casi todos los discos de este blog en LOSSLESS :)

I Dik Dik - Suite per una Donna Assolutamente Relativa (1972) [Prog Related, Italia]

2009-09-19T23:47:00.003-04:00

I Dik Dik fue una banda que comenzó sus andanzas en la década de los '60 con sonidos provenientes principalmente del pop, como lo hicieran varios grupos italianos para poder "sobrevivir". En esta banda se mantuvo una composición simple y discreta, aunque fueron los arreglos musicales los que pusieron el mayor "peso". Para mi gusto, la "Suite per una Donna Assolutamente Relativa" es la única placa que concentra un sonido progresivo propiamente tal, pues en sus lanzamientos posteriores retomaron una senda más comercial, lamentablemente.
Este disco consta de 11 canciones, casi todas de alrededor de 4 minutos de extensión, tiempo suficiente sin embargo para alcanzar a apreciar sus obras sin aburrir.
La portada, cabe señalar, no tiene mucho que ver con la música. Pues yo en principio esperaba un disco con melodías que rayaran en lo absurdo, o lo irónico, pero no es así. (en las imágenes del archivo podrán encontrar esta portada desplegada, que es bastante entretenida).
El disco comienza con algo de debilidad, aunque ya se expresa con fuerza la altísima calidad de los teclados, sintetizadores, mellotrons, órganos, etc. El brillo que confiere este instrumento al sonido completo del disco es excepcional, sumándose a voces bastante loables. El resto de la instrumentación resulta decente, aunque no brillante.
Como decía, el disco comienza con ciertas debilidades melódicas, pero poco a poco uno va tomándole el pulso a cada uno de los temas, donde ya las melodías se sueltan con "Le Gambe", volviendo a tomar un aire más íntimo con la Suite Relativa.
"Suite per una Donna..." se convierte así no en un trabajo precisamente imprescindible, pero sí cobra un valor doble, en mi gusto: primero, debido a las ya mencionadas interpretaciones vocales y sobretodo de los teclados, que construyen pasajes realmente intensos; y segundo, el valor que adquiere un disco realizado por una banda esencialmente comercial y, si se quiere, "simplona", realizando un esfuerzo muy interesante dentro del ámbito progresivo. Creo que pocas veces se puede hablar de bandas "pop" que hayan realizado un trabajo serio acercándose al prog, y éste es uno de esos casos.
Grandes arreglos, melodías directas y sonido limpio. Eso es lo que nos ofrecen los de I Dik Dik, en un disco que, pretendiendo ser simplemente un "paso" de sobrevivencia en el ámbito artístico de la época, terminó convirtiéndose en el que quizá sea musicalmente el mejor trabajo realizado por la banda. Muy interesante de escuchar.

LINE-UP
Since 1965:
- Erminio "Pepe" Salvaderi / guitar and vocals
- Pietruccio Montalbetti / guitar, bass and vocals
- Giancarlo "Lallo" Sbriziolo / guitar and vocals
- Mario Totaro / keyboards
- Sergio Panno / drums

Mid 70's:
- Erminio Salvaderi / guitar and vocals
- Roberto Facini / guitar
- Joe Vescovi / keyboards
- Pietruccio Montalbetti / bass
- Nunzio "Cucciolo" Favia / drums

TRACKLIST
1. Donna paesagio
2. Il Viso
3. Il Cuore
4. Intermezzo
5. La Cathedral Dell' Amore
6. Le Gambe
7. Suite Relativa
8. Monti y Valli
9. I Sogni
10. La Notte
11. Sintesi

PARTE 1
PARTE 2
FLAC + Cov

Premio a la Calidad, 2009

2009-09-16T20:22:00.005-04:00

Hace un tiempo recibí un premio de manos de mi colega Nath, del blog MenteProg, lo cual me causó sorpresa y agradecimiento al principio, y luego algo de sensación de no merecerlo, dado que este último tiempo no he estado demasiado dedicado a compartir música. Como sea, ha sido un gesto muy noble de parte del amigo Nath.

Este proyecto partió el 19 de diciembre de 2007, cuando se me ocurrió juntar los discos que había subido en un foro de mala muerte y colocarlos en un espacio personal, donde me sintiera libre para hacer y deshacer a mi antojo. Recuerdo que junté todo el material de Pink Floyd que había subido (que ahora reposa en paz gracias a las infracciones de copyright) y coloqué, como primer aporte "exclusivo" el The Snow Goose de Camel. Luego de casi un año, tuve que cambiarme de hogar, desde el antiguo "weondemierda" hacia acá, donde ya he tenido bastantes menos problemas, aunque el precio ha sido una escasa difusión del blog. Aquí, en general, llegan amigos y verdaderos amantes de la música, pues nunca he pretendido tener "el blog más popular". No me interesa. Prefiero dejar los discos que subo a 10 personas que los valoren realmente, antes que dejarlos a disposición de un millón que los escuchen y los borren "por ser muy pesados, prefiero uno en wma a 128, que suenan igual no más" (Cita real).

Como sea, para seguir la iniciativa, dejo aquí algunos de los blogs que creo merecen un reconocimiento por parte de este humilde uploader. Aclaro que no me gustan los premios al esfuerzo, sino que prefiero premios de calidad. Y he querido dejar un "podio" de tres lugares para eso, destacando blogs que no son reconocidos como - a mi parecer - lo debieran ser:

StepenRocks: Stepenson, un gran amigo argentino, por problemas con blogger ha tenido que mudarse a Wordpress (AQUÍ). Desde hace ya un par de años (quizá más) que viene haciendo una selección de discos, no trabajando solamente en la línea del rock, sino además en la música académica, colocando sus discos usualmente en muy buena calidad (Lossless y/o mp3 @320). Sus comentarios no solo son propios, sino además muy acertados y con gran conocimiento tanto de la historia misma de las bandas como de la composición que encierran los trabajos posteados. Tiene música para hastiarse escuchando.

Arbol Progresivo: Es el blog de dos amigos chilenos, Usul y Ovejuno, quienes hacen un trabajo notable. Comenzaron a principios de este año, y si bien no están colocando miles de discos al día, hacen una labor increíble y muy prolija de recopilación de información y de posteos de gran calidad, comentarios propios, enlaces a videos, historia de los artistas, etc. Cabe señalar que tienen una inclinación amplia por difundir música de países latinoamericanos, y en calidad bastante buena (usualmente en mp3 @320). Excelente blog.

El Hombre Polilla: El otrora Sapopasuche, mi amigo baldo del Perú, viene hace dos años colocando discos de progresivo, garage y rock en general, haciendo gala de todos sus conocimientos de bandas, sobretodo del mundo underground del rock del 60 y del 70 principalmente, dándoles un merecido reconocimiento póstumo. La onda de los discos es similar a la que se encuentra aquí, aunque sin dudas la oferta es mayor.

Menciones honrosas a Nath (MenteProg), cuyo blog, relativamente nuevo aún, se está ganando un gran espacio dentro del mundo "bloggero", y a mi amigo Guillermo (VictoriaProg), quien lamentablemente ha tenido que hacer privado su espacio gracias a las molestias de blogger. Sin embargo, su trabajo de gran calidad, y sus conocimientos en progresivo, sobretodo en las corrientes más actuales, se demuestran constantemente.

Espero no haber aburrido jajaja. Saludos, ya vienen nuevos discos.

P.D.: Estoy colocando discos del 2009 (de Henry Cow, Satellite, Gong, etc.) en el foro ProgJazz, ya que si los posteo aquí me los van a denunciar, como ocurrió con mi blog (Novedades Progresivas) que fue cerrado en menos de dos meses.

Laser - Vita Sul Pianeta (1973) [Italian Prog]

2009-09-10T05:51:00.003-04:00

LASER fue un grupo formado en Roma a fines de los años '60, bajo el nombre de "Il laser da Elvezio Sbardella", nombre de quien entonces fuese el líder (cantante y compositor) de la banda, y quien fuera artífice del lanzamiento en 1972 de un disco de 45 r.p.m. (con el mismo nombre) que incluía los temas "Lacrime di Ragazzo" y "Dove Andremo?", cuyos originales hoy en día son una reliquia y pieza de alto valor para los coleccionistas. Así, en 1972 y bajo el contrato con "Car Juke Box" del ex Le Orme Carlo Alberto Rossi, lanzan la que sería su única pieza en su discografía oficial.
El presente álbum es un corto y preciso trabajo progresivo, con alta presencia de teclados y guitarras, y de muy baja producción y promoción. Los ocho temas que componen el disco transitan por un rock de ritmos pausados y en donde se nota que el teclado es el que mantiene el sonido de base del grupo, aunque muestre un sonido algo rústico. Lo más débil: las voces!! Lamentablemente, ante la ausencia de un heredero de Elvezio Sbardella, fueron Paolucci y D'Agostino quienes tuvieron que hacerse cargo de los coros, y en menor medida el guitarrista Cardinali, que juntos llegan a sonar, en algunos pasajes, horribles, por lo que muchas veces optaron por colocar partes recitadas en vez de canto.
La temática del álbum es de corte conceptual, rayando en el existencialismo, que narra de forma dramática la posición del hombre en la tierra, que en su momento sin dudas debió ser algo muy llamativo, no así en la actualidad. Sin embargo, a nivel musical destaca la conservación de un estilo rockero, sin abusar de los teclados (aunque sí abusarían de los compases, que terminan dando la impresión de melodías planas), y cuyas guitarras por momentos brillan con luces propias.
Laser finalmente se disuelve en el mismo año '73, poco después del lanzamiento de esta placa, fundamentalmente debido a la ausencia del tecladista D'Agostino, quien tuvo que cumplir con sus obligaciones militares, lo que si bien impidió que el grupo se siguiera desarrollando, pudo hacer que hoy en día el reconocimiento a nivel "under" resulte altísimo, más que por su calidad, por su rareza, constituyendo uno de los discos más extraños del progresivo itálico.

LINE-UP
- Riccardo Paolucci / vocals, guitars
- Valentino D'Agostino / vocals, keyboards
- Loris Cardinali / guitars, vocals
- Adalberto Sbardella / bass
- Antonello Musso / drums

TRACKLIST
01.- Vita Sul Pianeta
02.- Non Vede la Gente
03.- Sconosciuto Amico
04.- Dove Andremo
05.- L'ultimo Canto Del Killer
06.- Corri Uomo...
07.- Eri Importante
08.- Alla Fine Del Viaggio

FLAC + AW

Enjoy it!

Premiata Forneria Marconi - 35... E Un Minuto (2007) [Symphonic Prog, Italia]

2009-08-20T03:38:00.002-04:00

35 años del más bello rock progresivo en tres discos? Pues sí, claro.

PFM nos deleita con una compilación espectacular, de una selección de sus mejores temas, con los cuales nuestros oídos hacen un viaje desde 1972 con "La Carrozza di Hans" o "Impressioni di Settembre" hasta toques de lo más contemporáneo del grupo, con "Neverland 1903" de su cosecha 2006. Con esta selección, el grupo ofrece una enorme alegría a los oídos y al espíritu, y vaya que lo logran. Dos discos con temas de estudio y un tercero con presentaciones en vivo (donde resallta su cover de 21st Century Schizoid Man de King Crimson) mantienen al oyente sólo atento a lo que sus oídos puedan percibir. Supongo que entre los visitantes del blog hay varios fanáticos del grupo, y que esperaban algo más o menos novedoso. Espero cumplir con dichas expectativas.

LINE-UP
- Franz Di Cioccio
- Franco Mussida
- Mauro Pagani
- Giorgio Piazza
- Flavio premoli
- Patrick Djivas
- Bernardo Lanzetti
- Gregory Bloch
- Lucio "violino" Fabbri
- Cosma
- Walter Calloni
- Fabrizio de André
guest:
- Roberto Colombo
- Phil Drummy
- Stefano Tavernese
- Peter Hammill
- Piero Monterisi
- Roberto Gualdi

TRACKLIST
CD 1: Raccolta Studio
01. Impressioni Di Settembre
02. La Carrozza Di Hans
03. Dove... Quando
04. è festa
05. Appena Un Po'
06. Il Banchetto
07. Photos Of Ghosts
08. L'Isola Di Niente
09. La Luna Nuova
10. Dolcissima Maria
11. Harleqin
12. Choccolate Kings
13. Traveller
14. Passpartù

CD 2: Raccolta Studio
01. Suonare Suonare
02. Si può Fare
03. Come Ti Va
04. Quartiere Otto
05. Chi Ha Paura Della Notte
06. "46"
07. Un Amore Vero
08. Andare Per Andare
09. Il Cavallo Di Legno
10. La Rivoluzione
11. KNA
12. Sea Of Memory
13. La Terra Dell'Acqua
14. Cyber Alpha 3.1
15. Nederland 1903

CD 3: Raccolta Live
01. 21st Century Schizoid Man
02. Mr 9 Till 5
03. Altaloma 5 Till 9
04. Celebration
05. Il Pescatore
06. Out Of The Roundabout
07. Sei
08. Maestro della Voce
09. Promenade The puzzle
10. La Luna Nuova (Four Holes In The Ground)
11. La Carrozza di Hans

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Enjoy it!!

PINK FLOYD - Works (1983) [Psychedelic / Space Rock, U.K.]

2009-08-13T15:09:00.002-04:00

Lanzamiento de otra recopilación de temas importantes en la carrera de Pink Floyd, aunque un poco menos comercial que "A Collection of Great Dance Songs", ya que posee piezas incluso de la etapa psicodélica y experimental del grupo. Uno de los temas que llama la atención es "Embryo", composición de Roger Waters que iba a ser incluida en el Ummagumma de 1969 pero que, sin embargo, quedó fuera de éste por "no ser buena", relegándose solamente a conciertos en vivo. Aquí entonces se presenta oficialmente, bastante menos psicodélica que las versiones que la mostraron antes.

LINE-UP
- David Gilmour / guitars, vocals
- Nick Mason / drums, percussion
- Roger Waters / bass, vocals
- Richard Wright / keyboards, vocals
- Syd Barrett / guitar, vocals

TRACKLIST
01. One of These Days
02. Arnold Layne
03. Fearless
04. Brain Damage
05. Eclipse
06. Set the Controls for the Heart of the Sun
07. See Emily Play
08. Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict
09. Free Four
10. Embryo

FLAC Pt 1 + Cov
FLAC Pt 2 + Cov

320 + Cov

Enjoy it!

Aufklärung - De' La Tempesta... L'Oscuro Piacere (1995) [Neo Prog, Italia]

2009-06-03T01:11:00.004-04:00

Hace unos meses el lector "Aquiles" me preguntó por esta banda, que me costó escucharla. Luego le puse atención al disco, y me llegó a gustar a tal punto que lo he escuchado, con facilidad, unas 50 veces.
Aufklarung fue una banda italiana con nombre alemán y que componía en inglés. Su nombre apela a la época del Iluminismo y toda su corriente filosófica y estética basada en la razón. Formados en 1990, trabajaron largo tiempo en sus temas, y en 1994 recién tuvieron material listo para ser grabado. Así, en 1995 aparece "De' La Tempesta... L'Oscuro Piacere", disco de una mezcla notable entre la majestuosidad del progresivo sinfónico, la apacibilidad del prog folk y la potencia del heavy, aunque sin duda en su sonido predominan las cuerdas acústicas y flautas. El flautista, Edoardo Lecci, aparece como músico invitado, pero su influencia en el grupo era notoria, ya que fue de los hombres que fundaron el grupo y además era la voz "oficial", y al tener problemas con su situación militar solamente pudo participar como flautista externo, lo que para mi gusto pudo haber sido determinante en la calidad del disco, pues justamente su flanco más débil va en la voz de Chico Grosso. Por su parte, teclados de gran brillantez entregan un background rítmico potente, una cortina de sonidos que ayuda muchísimo al exquisito sonido que logran. De hecho, buena parte de ese sonido "neo" lo dan los teclados, pues la composición tiene claras influencias del progresivo setentero (por supuesto, Genesis, ELP y Marillion, además de algunas otras bandas italianas, como PFM). Sus cuatro temas son muestra de la calidad de sus composiciones, resultando una especie de catarsis en "Il Funerale della Luna", donde sus influencias clásicas se hacen más patentes que nunca, pasando desde algunos estados de "trance" hasta otros donde la fuerza de teclados y guitarras adquieren un brillo y una belleza bastante notables.
Definitivamente, cada vez me impresionan más bandas de progresivo ochentero y noventero, que han echado por tierra mi anterior prejuicio hacia el Neo Prog, y este disco sin duda ha sido uno de los que más ha influido en este cambio. Muy recomendado.

LINE-UP
- Fabio Guadalupi / acoustic, classic & electric guitar
- Marco Mancarella / keyboards
- Michele Martello / acoustic, classic & electric guitar
- Massimo Mignini / drums
- Luciano Rubini / bass
GUESTS:
- Chicco Grosso / vocals
- Edoardo Lecci / flute

TRACKLIST
1. Red Shift
2. Jetho Van Hall
3. Il Funeralle Della Luna
4. Eclipse / Echo´s Wave

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Lizard - W Galerii Czasu (1997) [Eclectic Prog, Polonia]

2009-05-24T17:32:00.003-04:00

Largo fue el tiempo que pasé buscando inútilmente discos de Lizard en la red, desde que escuché "Tales from the Artichoke Wood". Pude hallar "Psychopuls" del 2004, y "Spam" del 2006, pero éste disco, que fue el que inició la carrera de esta banda, fue paradójicamente el último que pude oír.
Aclaro de inmediato que en internet no está en ningún foro, ni blog, ni ftp que yo conozca; y de ser así, un gusto poder compartir esta "exclusividad" con ustedes, pues la acabo de terminar de ripear.
El debut de Lizard es en mi gusto brillante y magnífico. Mostrando un estilo propio casi en su totalidad, original y fresco, estos polacos llevan a cabo melodías que mezclan originalidad y complejidad en un punto bastante preciso, con un hálito lejano de King Crimson, quizá la única influencia directamente hallable en este disco.
El trabajo de teclados es altamente acojonante, y cuando se suma la guitarra simplemente hacen lo que quieren. La entrada cósmica de "Każdy dzień to więcej ran w twej głowie" ya da cuenta de esto, y en los momentos más enérgicos del tema lo hacen notar aún más. El bajo, por su parte, acompaña y arma muy bien a los instrumentos, sonando muy a la par con la guitarra y los teclados - muy fuertes, por lo demás. La batería? Fuerte y correcta en general, aunque en ciertos temas casi podría estar sola junto a las voces.
W galerii Czasu (En la Galería del Tiempo) resulta de este modo altamente recomendable no sólo para los fans del neo-progresivo, sino también para los más acérrimos seguidores del progresivo setentero (entre los que me cuento). Ojalá les guste a ustedes también. Esta versión del 2004 trae además algunos bonus, de presentaciones en vivo del grupo, sobresaliendo por la novedad el track "Bez Litosci II", de muy buena factura.

LINE-UP
- Damian Bydliñski / vocal
- Andrzej Jancza / keyboards & synthetizers
- Mariusz Szulakowski / drums & percussion
- Janusz Tanistra / bass
- Miros³aw Worek / guitars

TRACKLIST
01.- Każdy dzień to więcej ran w twej głowie
02.- Galeria iluzji
03.- Autoportret
04.- Strefa cienia
05.- Ogród przeznaczenia
06.- W krainie szmaragdowego jaszczura
07.- Galeria iluzji (live version)
08.- W krainie szmaragdowego jaszczura (live version)
09.- Bez litości II (live version)

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320 & AW 400 ppp

PARTE 1
PARTE 2
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Embryo - Rocksession (1973) [Kraut-Fusion, Alemania]

2009-03-19T17:40:00.000-04:00

Un notable disco que fusiona el jazz y el rock, y uno de los que más me ha gustado del estilo krautrock. "Rocksession" recoge cuatro temas grabados por la banda entre 1971 y 1972, donde sus tracks son densos pero con mucha energía, belleza y encanto, características que se conservan intactas a lo largo de todo el recorrido del disco.
"A Place To Go" es el tema que abre el disco, de buenas melodías, exóticas y orientales, que utilizan diversos instrumentos que le dan un particular sello, además de vocalizaciones muy bien mezcladas con las líneas instrumentales. "Entrances" es el track más extenso del disco, donde la guitarra (que logra un desempeño notable), el bajo y el Hammond destacan muchísimo, en secciones instrumentales enérgicas y elegantes, y uno de los temas más brillantes del grupo.
"Warm Canto" trae también una clara base jazzística, aunque de ritmo mucho más pausado que el tema que le antecede. Hay una menor presencia de las percusiones, y mayor notoriedad del los teclados. Las apariciones de violín resultan justas, sin saturar, y la guitarra manifiesta un sello alemán bien característico. Finalmente "Dirge" continúa con el ritmo tranquilo, donde encima de las líneas de bajo y batería se erige un violín que si bien en cierto momento suena algo desentonado, termina mezclándose muy bien cuando la base instrumental va tomando fuerza, donde tras un paréntesis de melodías de bajo pausadas, culmina con un teclado potente en una équeña aceleración.
El mejor trabajo de esta banda en mi gusto junto a "Steig Aus", que representan las dos joyas indudables de estos alemanes. Recomendado!

LINE-UP
- Christian Burchard / drums
- Jörg Evers / bass
- Edgar Hofmann / saxophone, violin
- Jimmy Jackson / organ
- Dave King / bass
- Siegfried Schwab / guitar
- Mal Waldron / electric piano

TRACKLIST
01.- A Place to Go
02.- Entrances
03.- Warm Canto
04.- Dirge

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2009-02-09T23:55:00.002-03:00

En el blog anterior (weondemierda) algún día quise hacer esto y finalmente pasó el tiempo y no lo hice, incluso con las más de 100 mil visitas que tuvo. Cuando cumplimos un año justo tuvimos el problema del cambio de blog, y también pasó inadvertido. Pero ahora no quiero que pase lo mismo.
Agradezco a la gente que hace posible que este blog siga existiendo: a los anónimos y a los muchos amigos que me han escrito con una cordial palabra.
Como es la única forma que tengo para agradecer, dejo ahora una docena de discos de diversos estilos del progresivo, así como de diferente calidad, tanto de bandas de alto éxito como algunas más underground. Espero los disfruten!

LARD FREE - Unnamed (1997)
L'UOVO DI COLOMBO - L'Uovo di Colombo (1973)
NEUSCHWANSTEIN - Battlement (1979)
DA CAPO - Da Capo (1972)
ARDO DOMBEC - Ardo Dombec (1971)
BACHDENKEL - Stalingrad (1977)
KEBNEKAISE - Kebnekaise III (1975)
RUPHUS - New Born Day (1973)
POPOL VUH - Popol Vuh (1972)
EGG - The Polite Force (1971)
THE WEB - Fully Interlocking (1968)
PENDRAGON - The World (1991)

Saludos, y muchas gracias!!

Lard Free - Unnamed (1997) [Krautrock, Francia]

2009-02-09T23:54:00.000-03:00

¿Krautrock en Francia? Pues sí, aunque cueste creerlo. El "sonido" krautrock no fue únicamente de Alemania, y de hecho, ya grupos como Brainticket, Moolah o Paternoster han dado la prueba largamente. Lard Free es uno de ellos, cuyo sonido es indesmentiblemente parte del rock chucrut. Sus altos niveles de improvisación y experimentación, de hecho, son capaces de asombrar a cualquiera, y dejar empequeñecidos a grupos tan intocables como Can (de quienes alguna influencia reciben, por cierto). Por ello, aclaro desde ya, este disco no es fácilmente asimilable, sobretodo el último track. No esperen encontrar un trabajo muy melódico. La experimentación aquí simplemente no tiene límites, resultando oscura y compleja.
Este disco reune en 1997 temas grabados en vivo en París entre los años 1971 y 1972, comezando con "La Chevauchée des Vaches Qui Rient", una mezcla entre oscuridad y desgarro, donde un saxo desesperado coloca verdaderos "gritos" sobre una cortina de tétricos sonidos, donde los efectos y ruiditos resultan incontables. En "Chochonailles" tenemos estructuras más jazzísticas, donde se comienza con una melodía que bien se puede llevar en la cabeza, aunque posteriormente entra a unos alocaods pasajes de bajo, guitarra y batería, con pulsos acelerados y dispares, dejando una pequeña sensación de tensión. Los quiebres en este tema son drásticos, y la entrada del vibráfono siempre nos dice que se viene algo bueno. Muy buen trabajo.
"Tobrouck 120 Kms" es otro engañoso track: si bien comienza con notas sostenidas de saxo, pronto comienzan a sumarse, como de ultratumba, los demás instrumentos: primero el bajo, luego la batería, el vibrafono, los teclados, hasta conseguir nuevamente un éxtasis, con toques de un jazz crudo y áspero, entrando en la segunda mitad un clarinete que sigue la línea expermental del resto de los instrumentos, aunque con una base rítmica marcada por la batería y los teclados. "Noisy Son Sec" toma en buena medida la locura sin límites del primer tema, aunque muestra una segunda mitad dominada por el saxo y que se presenta mucho más ordenada que la primera. Al menos uno puede constatar algún trabajo melódico y los instrumentos suenan más limpios, tomando la misma fuerza y desenfreno inicial en la parte final del tema.
"Choconailles" retoma la melodía trabajada en "Chochonailles", aunque con menos suciedad, salvo por la guitarra, que se suma de forma frenética en ela parte final. "Petit Tripou du Matin" abre con oscuras guitarras, colocando luego la batería, que me recuerda en algún modo a "A Saucerful of Secrets" de Floyd. El saxo y el bajo colocan el resto, en un tema de corte minimalista y tenebroso. El teclado toma luego el protagonismo, en una melodía totalmente diferente de la inicial, y cuando uno piensa que de nuevo tendremos el pademonium hacia el final, resulta que el tema cierra con el mismo toque de guitarra del comienzo del track, de manera bastante elegante.
El último tema es "A Chacun Son Boulez", y es aquí donde tenemos derechamente un "saco de gatos". Nuevamente persiste una cortina de tensos y oscuros sonidos como base, encima de la cual se desenvuelve con soltura y despilfarro el saxo tenor, evocando gritos. Pero esta vez el cuadro se agrava cuando este saxo queda como base de sonido, añadiéndose un montón de siniestros ruiditos que no cesan de golpear hasta las fibras más internas del oído. La experimentación aquí ve su mayor esplendor en el disco, y terminando de a poco, casi sin pena ni gloria, dejando al oyente en un estado de confusión al pretender establecer el fin de este track. Para mí, simplemente me encantó la manera creativa y sutil que tuvieron estos muchachotes para sostener un cuadro sin melodía alguna durante casi siete minutos, sin aburrir, y manteniendo la tensión en el oyente, que queda constantemente esperando el salto, la salida de madres de alguien. Pues esto no pasa, simplemente se valen de su capacidad innovadora, con una muy elogiable estructuración, pues si hay algo que se nota, es que la experimentación mostrada tiene horas de trabajo por detrás.
Disco que no pasará inadvertido: O te gusta a destajo y lo quieres volver a escuchar rápidamente, o te desagrada y lo botas. Por mi parte, no puedo sino recomendarlo completamente.

LINE-UP
- Gilbert Artman / drums
- Robert Wood / vibraphone
- François Mativet / guitar
- Philippe Bolliet / tenor saxophone, clarinette
- Dominique Triloff / organ
- Jean-Jacques Miette / bass, double bass

TRACKLIST
01.- La chevauchée des vaches qui rient
02.- Cochonailles
03.- Tobrouck 120 Kms
04.- Noisy Son Sec
05.- Choconailles
06.- Petit tripou du matin
07.- À chacun son boulez

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320 & AW

L'Uovo di Colombo - L'Uovo di Colombo (1973) [Symphonic Prog, Italia]

2009-02-09T23:53:00.000-03:00

L'Uovo di Colombo coloca una propuesta novedosa dentro del gran abanico que nos proporciona el progresivo italiano setentero. Si bien la esencia es la misma, sus influencias remarcan a ELP o Le Orme, y su sonido es pretendidamente bello con un gran uso de teclados (mucho Hammond, un deleite para mí), mantienen un sello único y atractivo. Con algunas líneas jazzísticas fundamentalmente proporcionadas por las líneas de bajo, demuestran que hacen lo que quieren a la hora de componer. Lástima que después de haber grabado este disco, el grupo se haya disuelto, dejando solamente este LP y un EP titulado "Indesizione / Tuba", también de 1973. El que mayor éxito tuvo más tarde fue el vocalista Toni Gionta, que luego se iría a Cherry Five, y el resto de los integrantes también se unirían a otras bandas menos reconocidas. El único que se perdió de la escena prog fue el tecladista Enzo Volpini, lo cual es una lástima, pues realmente tenía mucho que entregar al mundo del rock.
El disco abre con un tema pretendidamente complejo, como para demostrar el virtuosismo del grupo: "L'Indecisione" es un tremendo tema, gran pieza del disco y la mejor para mi gusto, donde el teclado y el bajo de los hermanos Volpini funcionan de maravillas, acoplándose magistralmente con contrapuntos muy bien marcados, dejando a la batería un rol secundario, llevado de forma muy correcta. También la voz de Gionta queda en un segundo plano, aunque se nota que esto era necesario para ayudar a la perfección del tema, que radicaba en el dúo Volpini.
"Io" es el segundo tema, que coloca a la aería en un lugar mucho más alto que el primer tema. El ritmo acelerado es llevado muy bien por la batería, en un estilo jazzístico bien notorio y particular dentro del progresivo itálico. La comunicación de la batería con el bajo, sumado a las apariciones tremendas y variadas del teclado, hacen otro tema de alta calidad, y novedoso para la fecha. "Anja" prosigue con un estilo más dramático, de un trabajo de Gionta algo más brillante, aunque manteniéndose en mi gusto dentro del ámbito de lo "correcto" nada más. Los instrumentistas, eso sí, siguen brillando, fundamentalmente el teclado.
Luego en "Vox Dei" tenemos un inicio algo oscuro y fuerte, pasando a continuación a una melodía acompasada en un estilo muy influido por el barroco. En la segunda mitad, luego de un cambio de ritmo vemos una aceleración del paso, que entrega una energía tremenda y apasionada, en una sección muy bien lograda. Le sigue "Turba", un instrumental que dan ganas de seguir oyendo por largo rato más. Aquí el bajo se manifiesta con elegancia, se suma una guitarra en algunos momentos, la batería suena con soltura y firmeza y los teclados arman las atmósferas maravillosamente. Un gran espectáculo este tema, con un final también influido por el barroco.
"Consiglio" es otro tema de gran dramatismo, donde la voz de Gionta suena mejor que en todo el resto del disco: la actitud apasionada se mezcla muy bien con las líneas de tenue bajo y de pomposo teclado, conteniendo también secciones jazzísticas (que se pudieron haber desarrollado más, creo) y apariciones de solos de guitarra eléctrica, que aunque resultan cortos dan otro colorido al disco.
"Visione della Morte" es un tema fundamentalmente acústico en su inicio, pasando a secciones más jazzy, incluso con algún solo de batería entre medio (que todavía me parece fuera de lugar) y terminando con un hermoso diálogo entre el piano y la flauta, en una sección estéticaente perfecta. Finalmente "Scherzo" es un tema experimental de poco más de veinte segundos, que retoma cortamente la melodía de "Turba", y que se va apagando hacia el final.
Disco que fácilmente alcanzaría el status de "obra maestra" si no fuese, en mi gusto, por el final del disco, al cual le faltó redondez y creatividad. Pero eso no logra apagar lo que se realiza en un 80% de él, con geniales interpretaciones, texturas musicales muy finas y un virtuosismo realmente elogiable. Recomendado!

LINE-UP
- Toni Gionta / vocals
- Enzo Volpini / keyboards, acoustic guitar, vocals
- Elio Volpini / bass, guitar, vocals
- Ruggero Stefani / drums, percussion, vocals

TRACKLIST
01.- L'Indecisione
02.- Io
03.- Anja
04.- Vox Dei
05.- Turba
06.- Consiglio
07.- Visione Della Morte
08.- Scherzo

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320 & AW

Neuschwanstein - Battlement (1979) [Symphonic Prog, Alemania]

2009-02-09T23:52:00.000-03:00

Neuschwanstein fue un grupo que alcanzó a vivir la hermosa etapa de los '70, y su estilo de componer y de arreglar no deja lugar a dudas: es un grupo bastante colorido, con harto uso de guitarras acústicas, un sinnúmero de teclados y flautas, con un vocalista que mantiene un estilo muy influido por Peter Gabriel, lo que hace sonar a Neuschwanstein muy similar a Genesis (también en los teclados suenan muy parecido), además de poseer semejanzas notorias con bandas como Camel, Novalis y Eloy.
Las texturas que presentan desde el primer corte resultan muy llamativas. Es así como "Loafer Jack" representa un gancho inmediato con el oyente: el pulso acelerado de la batería unido al tratamiento hermoso de los teclados y las guitarras acústicas marca en un tema muy simple lo que vendrá más adelante. Por su parte, la flauta coloca un aire muy medieval muy atractivo también.
Pero es a partir de "Ice with Dwale" que el grupo comienza a tocar el cielo con las manos. Los teclados iniciales nos llevan a un mundo etéreo y casi mágico, en una larga introducción antes de la aparición de la voz de Frédéric Joos. Luego junto a él se lucen todos los instrumentos, fundamentalmente la flauta, los teclados y la guitarra, en un tema mucho más pausado, aunque intenso en sus atmósferas. Encantador realmente!
"Intruders and the Punishment" destaca nuevamente una batería algo más fuerte, lo suficiente como para darle mayor energía al tema. Los teclados por veces se vuelven frenéticos, siendo los que sostienen casi por completo al tema. "Beyond the Bungle" por su parte, me parece un tema algo más débil, con notas demasiado extendidas que hacen al tema un poco largo y denso. A "Battlement", casi le pasa lo mismo, sobretodo porque al inicio uno piensa que se viene otra pieza densa que escuchar: pero finalmente agarra una amena melodía en la que las capas de teclados se van sobreponiendo entre sí formando un "todo" bastante gustoso. El colorido que estos teclados proporcionan al tema no permiten aburrirse.
Como bonus track viene el tema "Midsummer Day", preciosista y que retoma el atractivo de los primeros tracks, con alegres diálogos entre guitarra acústica, teclados y flauta. Sin embargo, este bonus no fue colocado al final, pues se mantuvo la grandilocuencia del instrumental "Zärtlicher Abschied" para cerrar el disco, de manera brillante, sin dudas.
Un disco que en mi opinión supera en muchos aspectos a muchas bandas coterráneas de mayor éxito y reconocimiento. Creo que solamente faltó un tema que fuera arrollador, que lo deje a uno boquiabierto, pero en vez de eso tenemos un sinnúmero de temas de gran calidad, entretenidos y amenos. Recomiendo este disco.

LINE-UP
- Frédéric Joos / vocals, Acoustic Guitars
- Thomas Neuroth / keyboards
- Klaus Mayer / flutes, synthesizers
- Roger Weiler / guitars
- Rainer Zimmer / bass, vocals on `Battlement´
- Hans-Peter Schwarz / drums (except on ´Loafer jack`)

TRACKLIST
01.- Loafer Jack
02.- Ice with Dwale
03.- Intruders and the Punishment
04.- Beyond the Bugle
05.- Battlement
06.- Midsummer day (bonus)
07.- Zärtlicher Abschied

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320 & Ful AW

Da Capo - Da Capo (1972) [Krautrock, Alemania]

2009-02-09T23:51:00.000-03:00

Da Capo fue una banda de corta duración, formada en el sur de Alemania (Fürth) el año 1971 y que por años fue un grupo muy difícil de hallar por los coleccionistas. De hecho, sus vinilos y sus cd's son ahora muy bien valorados, a diferencia de la época en que vivieron en que, lamentablemente, su éxito fue casi nulo.
Con un sonido influido por la psicodelia de fines de los '60, además de algo de blues rock y toques de country, grabaron su único disco de manera muy sencilla, con un pequeño grabador de dos canales. Aún así, teniendo en cuenta este detalle, el sonido es bastante bueno. Pero como dijimos, el éxito que alcanzó la banda fue escaso: algunos de sus 500 vinilos los vendieron en sus conciertos, y al no poder seguir vendiendo los dejaron casi rematados (1,5 dólares) en algunas ferias libres, situación que provocó la disolución de la banda.
El disco comienza con "Free", que si bien es un tema relajado, no destaca mayormente, salvo algunas apariciones de las guitarras (que son las que sostienen el sonido del grupo, definitivamente). Con "Future" tenemos ya una pieza para el recuerdo: el bajo consigue un mejor diálogo con las guitarras, y la melodía es más rápida, amena y entretenida. Lástima que fuera un tema tan corto.
Los diálogos de los instrumentos se mantienen en buen nivel en las siguientes pistas: "Find my Way Home", "Young Man" y "Can Smile", esta última con una gran performance de las guitarras, todos temas correctos, pero que no trascienden mucho. No es sino hasta "She's Leaving" (que en una distracción no noté que en el archivo está escrito como "She's Learning") que el nivel comienza a subir, con un juego de guitarra, bajo y batería muy bueno, sólido y con voces a igual nivel.
Pero la "opus magnum" del grupo, el tema definitivo que no puede dejarse de lado es "A Day in the Rest of my Life", de casi trece minutos de extensión y dueño de una composición más libre, de mayor improvisación; una locura creativa que va tomando forma y vuelo constantemente, en un torbellino de atmósferas rápidas y vertiginosas hasta los 8:30 aproximadamente, en que nuevamente la improvisación se hace patente, para culminar con el mismo paso rápido. Un jam muy bueno, al que se añade la sorprendente "Marihuana" que viene como bonus track, que si bien comienza de modo letárgico, con la entrada de la batería toma todo su sentido rockero.
En definitiva, cultores de un krautrock psicodélico con claras influencias del clásico rock de la costa oeste de los Estados Unidos, estilo que supieron incorporar muy bien al más típico sonido alemán de la época. Disco interesantísimo, una joya para muchos coleccionistas. Enjoy it!

LINE-UP
- Peter Stanek / guitars, vocals
- Peter Treiber / guitars, vocals
- Peter Weisner / bass, vocals
- Alfred Urban / drums

TRACKLIST
01.- Free
02.- Future
03.- Find My Way Home
04.- Young Man
05.- Can Smile
06.- She's Leaving
07.- A Day In The Rest In My Life
08.- Marihuana (bonus)

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320 & AW

Ardo Dombec - Ardo Dombec (1971) [Eclectic Prog, Alemania]

2009-02-09T23:50:00.000-03:00

Nuevamente tenemos una banda de Hamburgo en este blog. Este grupo lanza su único disco en 1971 bajo el sello "Pilz", desconocido y mítico en la escena alemana y que trabajara, entre otros, con Popol Vuh, Wallenstein y Emtidi. De un sonido de muchas estructuras jazzeras mezcladas con heavy rock y blues, Ardo Dombec es capaz de delitar a cualquiera: la cosntante presencia del saxo, los coqueteos que tiene con el bajo y la guitarra, el trabajo escaso pero excelente en flauta, los guiños con el canterbury, y en general todas las partes instrumentales pueden dejar bien encantado al oyente.
Sus composiciones son derechamente lúdicas. Aquí no encontraremos música pretendidamente bella, aunque no por eso deja de ser muy elaborada. Tampoco se hala en Ardo Dombec el tratamiento de la música como extremadamente seria. Se nota que les gustaba jugar a la hora de componer, y ello no solamente es notorio por las improvisaciones (de saxo casi siempre) que nos ofrecen, sino además por algunos otros detalles, como el mismo artwork o su tema de 7 segundos "Oh Sorry".
Ya la entrada de "Spectaculum" con una muy entretenida melodía y un saxo que se lleva gran parte de los créditos, nos sugiere que estamos frente a un disco que podríamos volver a escuchar. Y con el interludio y la vuelta a la melodía principal ya estamos casi seguros que sí, que hay que volver a escuchar el disco. Luego con "Supper Time" ya la entrada de la guitarra consigue dar otros colores más rockeros al disco, jugando además con coros que acompañan muy bien, sin destacar demasiado. "A Bit Near the Knuckle" trae nuevamente un protagonismo del saxo, aunque ahora no tan solitario como en el tema inicial: las guitarras acompañan casi siempre, el bajo es tocado con soltura y la batería consigue maor presencia. Asimismo, las estructuras jazz con algo de funk se conservan, siendo esta vez las voces más "ad hoc" con el background musical. "Clean-Up Sunday" resulta un tema más relajado que los anteriores, con una flauta que toma el lugar del saxo, y que hace recordar, cómo no, a Ian Anderson y los Jethro Tull, en un tema bien bueno, más en su ejecución instrumental que en sus secciones de canto, pues los matices, los cambios y quiebres, las secciones jazz y algunas monásticas vocalizaciones hacen de éste un trabajo casi redondo.
"Downtown Paradise Lost" suena muy americano, aunque no por ello deja de ser bueno. Salvo lo anterior, y el marcado trabajo de la batería y la harmónica, este trabajo no trae nada nuevo, aunque sí permite seguir disfrutando. Luego del ya mencionado "Oh Sorry" viene "108", otro temazo! de excelente desarrollo de guitarras acústicas (que suenan por momentos muy barrocas, cambiando a R&B o algo de bossa) con incorporaciones de flauta (lo siento, el sonido de las flautas me apasiona bastante, lo reconozco). Simple y entretenido.
El track que cierra el disco, "Unchangable Things?!", nos trae de vuelta a un sonido más acelerado y enérgico, con un rock que posee constantes cambios, con una guitarra y batería notables, cerrando de gran manera. Luego vienen algunos temas que trae la versión de CD del "Jardín de las Delicias", cuatro tracks incluso más lúdicos que los originales del disco, todos de buena factura y que no deben pasarse por alto.
Este disco desde que lo escuché fue una sorpresa para mí. Pensaba encontrarme con una de las tantas bandas oscuras de la escena alemana (que de todos modos me gustan, aunque han dejado de sorprenderme desde hace algún tiempo) y me hallé con un grupo entretenido y de gran calidad. Para mí, este album no tiene descanso. Recomendado!

LINE-UP
- Helmut Hachmann / sax, flute
- Harald Gleu / guitar, vocals
- Wolfgang Spillner / drums, vocals
- Michael Ufer / bass

TRACKLIST
01.- Spectaculum
02.- Supper Time
03.- A Bit Near the Knuckle
04.- Clean-Up Sunday
05.- Downtown Paradise Lost
06.- Oh, Sorry
07.- 108
08.- Unchangable Things?!
09.- Heavenly Rose (bonus)
10.- Open The Door, Open Your Mind (bonus)
11.- Young And Strong (bonus)
12.- Riverside (bonus)

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320 & Full AW

Bachdenkel - Stalingrad (1977) [Space Rock, U.K.]

2009-02-09T23:49:00.000-03:00

Bachdenkel fue un grupo inglés que nació en 1968 bajo el nombre de "You Know Who", grabando hacia 1970 su prmer disco: "Lemmings", que sería publicado tres años más tarde. Este disco, así como casi toda su carrera, fue hecho en Francia, donde obtuvieron algo de éxito (más que en su propio país), lanzando para 1977 su segundo y último trabajo: "Stalingrad" de apariencia más oscura que su sonido, que me hace recordar, entre otros, a los grandes de Barclay James Harvest.
Su sonido, si bien se identifica con el psicodélico y space en su primer trabajo, cambia para este álbum, siendo mucho más melódico y tranquilo. Utilizan aquí, además, mayor cantidad de instrumentos añadiendo un sintetizador y una guitarra de 12 cuerdas.
Los temas transitan por una gran cantidad de temas cortos (entre 3 y 5 minutos) y en sí el disco era bastante breve, aunque la versión en CD colocó una gran cantidad de otros temas y versiones en vivo. Destacan "After de Fall" y su más acelerado ritmo (que sobresale respecto del resto de los temas, más lentos) y el homónimo "Stalingrad", de melodías mucho más novedosas y sorprendentes. El resto de los temas tiene, en mi opinión, un nivel correcto y parejo.
Los bonus están divididos en grupos: Tres temas que son inéditos, de los cuales destaco "Sirocco", de entretenidas melodías y una guitarra bien lúdica; cuatro tracks con otras versiones de temas de este disco, sobresaliendo nuevamente "After the Fall" en una versión más larga, y la segunda mitad de "Seven Times Tomorrow" donde se marca un ritmo más acelerado y con mayor presencia; vienen también dos temas "de archivo", ambos correctísimos y de mucha guitarra, culminando con un tema en vivo, de su presentación en Cannes de 1975, titulado "Bo Bo's Party", cuyo sonido es para el olvido.
En resumen, Bachdenkel nos trae un disco correcto, sin grandes pasajes instrumentales aunque con un pequeño desarrollo de guitarras y bajo; a la batería creo que le falta más protagonismo, pues en ocasiones queda a punto de perderse, las voces son correctas también, y el teclado bien pudo haber sonado más. Me parece que es de los discos que hay que escuchar más de una vez para que entre, pero una vez que se "mastica" bien, tendrá un buen sabor, aunque - reitero - tampoco dejará perplejo a nadie. Interesante.

LINE-UP
- Colin Swinburne / guitar, organ, piano, vocals
- Peter Kimberley / 6 string bass, piano, vocals
- Brian Smith / drums, percussion, vocals
With:
- Karel Beer / electric 12-string guitar, slide
- Irv Howray / vocals (7)
- Andy Scott / ARP synthesizer

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320 & AW

Kebnekaise - Kebnekaise III (1975) [Prog Folk, Suecia]

2009-02-09T23:48:00.001-03:00

Ya habíamos presentado a Kebnekaise a través de su album debut "Resa Mot Okänt Mål" de 1971, y dijimos en esa ocasión que su línea más directamente folk, además de sus trabajos más reconocidos, los obtuvieron a través de los discos II y III. Pues bien, aquí tenemos su tercer trabajo, de altísima factura y de gran delicadeza en su composción y arreglos, siendo una de las obras que más he disfrutado dentro del progresivo folklórico.
Desde los cambios producidos dentro del grupo, como la incorporación de un violín y de mandolina por parte de Glenngård, o la mayor sonoridad en las percusiones gracias a la adición de congas, timbales y varias otras percusiones con Bah Hassan, y sobretodo el reemplazo de los coros por una inmensa cantidad de instrumentos que dan mayor colorido al sonido de la banda, la senda que tomó Kebnekaise cambió radicalmente. Cambió para mejor, por cierto.
Ya el primer tema "Leksands Brudmarsch" nos habla de este cambio que ya se había producido en su segundo trabajo, y que ahora se consagra. Una hermosa melodía es la que atraviesa dicho track, donde las percusiones y el violín hacen de las suyas, manteniéndose este sonido a lo largo de casi todo el disco, que se construye casi fundamentalmente de temas cortos y precisos, con diálogos permanentes entre los violines y la guitarra. Un pequeño cambio en la composición se hace notorio en "S:t John", que muestra un ritmo más cercano al country y algo más lejano del folk sueco. El acompasado "Skänklåt Till Spelman" y "Polska Fran Bingsjö" luego parecen casi temas de relleno cuando uno escucha los más de trece minutos de "Balladen Om Björnbär Och Nätmelon", tema rico en sonidos y matices, donde incluso se hace presente algún grado de improvisación, aunque bastante trabajada; un tema exquisito, el "alma" el disco y donde el grupo hace trabajar todos sus instrumentos (y de qué manera!)... mis más amplios aplausos para este track. Hacia el final de este tema, además, el grupo consigue su mejor sonido de todo el disco, con una energía espectacular, la mezcla excelente entre las percusiones y la batería, una guitarra eléctrica de mucha fuerza y un bajo de buena precisión, en una melodía intensa y entretenida. "Mariamá" es un tema corto de tintes africanos y tribales, que también sale en buena medida del sonido de la primera mitad del disco, como para descansar de la intensidad del tema anterior, culminando el disco de forma muy suave y sutil.
Este disco trae un bonus track, un tema no titulado y que retoma gran parte del sonido de los primeros temas, con altísima presencia de violines en una melodía típica del folk sueco, y aunque no muestra nada que no se haya escuchado antes dentro del disco, de todos modos resulta bien entretenido.
Disco bastante bueno, que siempre me ha agradado bastante, y que guarda un nivel muy similar a su lanzamiento anterior (Kebnekaise, 1973) superándolo en texturas pero no en inspiración. Como sea, me parece muy recomendable, casi esencial en una colección progresiva. Que lo disfruten.

LINE-UP
- Ingemar Böcker / guitar, sambaros
- Pelle Ekman / drums, vocals
- Mats Glenngård / violin, mandoline, guitar, vocals
- Bah Hassan / congas, timbales, congo drums, klocka, vocals
- Kenny Håkansson / guitar, violin, vocals
- Göran Lageberg / bass, vocals
- Pelle Lindström / munspel, violin, tambourine, vocals
- Thomas Netzler / bass, vocals, trumma

TRACKLIST
01.- Leksands brudmarsch
02.- Polska från Härjedalen
03.- Eklundapolskan
04.- S:t John
05.- Skänklåt till spleman
06.- Polska från Bingsjö
07.- Balladen om björnbär och nätmelor
08.- Mariamá
09.- No name (bonus)

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Ruphus - New Born Day (1973) [Heavy Prog, Noruega]

2009-02-09T23:47:00.000-03:00

Ruphus fue una de las míticas bandas noruegas de los '70, teniendo éxitos puntuales y cuyo gran problema fueron las deserciones que obligaban al grupo a rearmarse constantemente. Esta banda llegó a contar con la producción del guitarista Terje Rypdal, gran figura en el ambiente jazz-rock gracias a su exitosa carrera solista.
Este disco es el primero que lanzaran, y uno de los mejores en mi parecer. De hecho, el primer track, "Coloured Dreams", representa en mi parecer uno de los mejores dentro del heavy prog, a pesar de la voz femenina que me parece algo chillona, sobretodo al comienzo. Sin embargo, las guitarras mantienen un riff pegajoso, que dan ganas de seguir escuchádolo por largo rato. "Scientific Ways" no es tan duro como el tema inicial, de hecho hay mayor presencia de guitarra acústica y un teclado que se mantiene latente por detrás, con una mayor amplitud melódica, un juego de voces que se conjuga mucho mejor que en el tema anterior y la presencia de una flauta que le da otro encanto al tema. Trato de acordarme a qué otro tema relativamente famoso suena este solo de flauta, pero no he podido aún.
"Still Alive" coloca un bajo de tremenda interpretación, con líneas de teclado y un saxo muy sólido, que es el que lleva la batuta en la parte central del tema. "The Man who Started it All" abre con un sonido de piano que pronto se corta y da paso al bajo, para nuevamente recomenzar entre batería, bajo, teclado y flauta, añadiédose guitarras que le van dando mayor fuerza y carácter al tema, redondeando con la aparición de los coros y voces. Hacia el final me gusta mucho ese derroche de energía, aunque en sí el tema no es demasiado atractivo en mi gusto.
"Trapped in a Game" muestra nuevamente un sonido más influido por el hard rock, voces bien buenas aunque esta vez es el teclado el que me impide señalar este track como una obra totalmente acabada. Me suena excesivamente rústico, y más dedicado a sonar fuerte que a sonar bien, lo cual daña bastante la calidad que se muestra en el inicio y el final de este track (cuyo riff es bien atractivo, sobretodo cuando se juntan ambas guitaras). "New Born Day" es otro tema cercano al hard rock, correcto en todas sus líneas, y nada más. "Day After Tomorrow" y su ritmo de marcha me atrajo en cierta medida, pues además contiene mayor juego y una melodía mejor construida que el tema anterior, aunque me parece que los instrumentos dejan demasiados espacios "en blanco" para darle protagonismo a las voces.
Como bonus de la edición en CD, se incluyen los temas "Flying Dutchman Fantasy" que mantiene una mayor presencia de teclados y un riff entretenido, y "Opening Theme" de gran carácter, lúdica y ágil, aunque sonando algo infantil.
Como sea, sin ser una obra maestra la propuesta de Ruphus constituye una interesante opción para conocer algo más de progresivo pesado, aunque sin lugar a dudas a los que prefieren el progresivo más limpio y basado en teclados, este grupo pasará sin pena ni gloria.

LINE-UP
- Gudny Aspaas / lead vocals
- Thor Bendiksen / drums, percussion
- Hans Pelter Danielson / guitar
- Håkon Graf / organ, piano, vibes
- Kjell Larsen / guitar, flute
- Asle Nilsen / bass, flute
- Rune Sundby / acoustic guitar, saxophone, vocals

TRACKLIST
01.- Coloured dreams
02.- Scientific ways
03.- Still alive
04.- The man who started it all
05.- Trapped in a game
06.- New born day
07.- Day after tomorrow
08.- Flying Dutchman Fantasy
09.- Opening Theme

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Popol Vuh - Popol Vuh (1972) [Crossover Prog, Noruega]

2009-02-09T23:46:00.000-03:00

Este Popol Vuh ciertamente no es el de Florian Fricke (para quien no los conoce, ya le habrá parecido raro que en el título aparezca como un grupo noruego) ni mucho menos: Este Popol Vuh tampoco tiene el sonido de aquél que hiciera los míticos "Hossiana Mantra", o "Aguirre". Este Popol Vuh nace mucho antes, se habla incluso de que en 1959 ya estaban activos, aunque bajo otro nombre; Este Popol Vuh, al saber que en Alemania existía otra banda con el mismo nombre, posteriormente cambió su nombre a "Popol Ace", manteniéndose así hasta su separación. Sin embargo, sus discos más reconocidos son los dos que lanzaran bajo el nombre de Popol Vuh: El que presentamos, que es su disco debut, y el gran "Quinche Maya" de 1973.
En este trabajo podemos encontrar un sonido bastante progresivo, mezclado, como buen crossover, con algo de pop en unas melodías bien asimilables y atractivas (no asustarse: el pop está en su justa medida). La partcipación de flautas, trombones y varias guitarras entrega a este grupo su acento definitivo y distintivo, un sello bastante caracteristico.
El tema de apertura de este disco (Hunchback) trae consigo un sonido de melodía bastante particular, y arreglos que experimentan entre el rock clásico y el progresivo sinfónico, fundamentalmente por el sonido de los teclados sostenidos que se usan aquí. Por lo demás, cabe acotar que aparece una flauta espectacular, muy al estilo de Focus, lo que da definitivamente un toque sutil muy agradable y llamativo. "Joy and Pleasure" me recuerda inevitablemente a Gentle Giant, incluso en el timbre de la voz, y los pasajes instrumentales son realmente buenos, con geniales guitarras y una batería que sostiene magistralmente el paso. "All We Have Is The Past" comienza como una nostálgica balada, que va tomando algo de fuerza con la incorporación del teclado, aunque no es un tema precisamente billante. "Leavin' Chicago" es un tema de mucho movimiento, de cierto toque funky y aires sesenteros, bien interesante en su performance de guitarra, batería y bajo. "For Eternity" es de esos temas que no da respiro, al tener constantes cambios en su sonido: comienza, en efecto, con una guitarra acústica y teclado, entrando la batería recién en los 45 segundos, pasando a una sección de influencia sinfónica y uniéndose la guitarra eléctrica antes de dar paso a la voz. Las flautas crean texturas muy preciosistas antes de ir a una especie de paso medieval, pasando a la travesía final, éica y magnífica, en una melodía de ensueños y que bien recuerda a King Crimson en su etapa inicial.
"Sucklin' Pig" tiene un acento de jazz/rock/funk bien entretenido, donde nuevamente la batería brilla por sí sola. Las intervenciones de teclado son muy llamativas también, apareciendo nuevamente la flauta, en una ejecución notable y genial. Finalmente "Medicine" no muestra nada especialmente nuevo, y la primera aparición de la voz aquí no me gusta, pues suena algo fuerte y chillona para la base instrumental. Afortunadamente, su intervención es corta, pues luego trae un solo de guitarra bien garagero y relativamente extenso. Sólo después uno se acostumbra al uso de la voz. Los teclados esta vez zuenan muy espaciales, armando algunos momentos llenos de brillo, espectaculares en mi gusto. Finalmente, la voz más aguda de Teigen cae como anillo al dedo para el momento, lleno de esplendor y fuerza.
Este disco definitivamente debe ser escuchado por los fans del progresivo, tiene una presencia muy fuerte, y si bien la estructura musical es característica para la época, tiene arreglos notables, además de melodías altamente atractivas. Muy interesante!

LINE-UP
- Arne Schulze / guitar
- Pete Knutsen / guitar, keyboards
- Thor Andreassen / drums
- Pjokken Eide / trombone, flute
- Terje Methi / bass
- Jahn Teigen / vocals

TRACKLIST
1. Hunchback
2. Joy And Pleasure
3. All We Have Is The Past
4. Leavin' Chicago
5. For Eternity
6. Sucklin' Pig
7. Medicine

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Egg - The Polite Force (1971) [Canterbury Scene, U.K.]

2009-02-09T23:45:00.000-03:00

Egg es uno de los más fieles representantes del sonido canterburiano, y uno de los que mejor integró el rock sinfónico, el jazz y el rock progresivo, realizando tres discos de estudio: "Egg" de 1970, "The Polite Force" de 1971 y "Civil Surface" de 1974. De ellos, no sabía bisn si colocar el homónimo, por ser el primero, o éste, que es el que tiene más reconocimiento. Finalmente decidí colocar éste por un motivo muy puntual: si no te gusta The Polite Force, no te va a gustar ninguno, y creo que para conocer a Egg debe empezar a escucharse por este trabajo.
"A Visit to Newport Hospital" concentra un sonido de efecto inmediato: la atención es colocada absolutamente en la música, donde las secciones instrumentales - principalmente por las tremendas capas de teclado - toman la batuta para llevarse gran parte de los elogios. Y es que estos músicos hacen parecer muy simple lo que es verdaderamente difícil: componer temas largos, con matices y cierto grado de complejidad, que aumenta con la interpretación de cada instrumento.
"Contrasong" es un temazo, una pieza que se lleva toda mi admiración. Si bien no resulta tan extensa, tenemos aquí una complejidad extraordinaria, manteniendo la calidad y la capacidad de atraer al oyente con un ritmo acelarado y frenético. Y cuando llega la sección instrumental con los cortos solos de guitarra, saxo y teclado, tenemos un diálogo hermoso en verdad. Posteriormente "Boilk" y sus iniciales ruidos de agua fluyendo nos colocan ante una densa nube, una cortina de impresionistas sonidos que luego se convierten poco a poco en un cuadro experimental muy intenso y oscuro, pleno de ruiditos sugerentes en un nefasto aire, muy tétrico.
Luego de esto, se viene la obra maestra de Egg: Las cuatro partes de "Long Piece N° 3", que suman más de veinte minutos de duración y que dejan al oyente empequeñecido, como un mero espectador, en una amalgama de sonidos y melodías de diversa inspiración, siendo la melodía central - la que se repite en las partes 2 y 3 - la que más destaca y da brillo al tema.
En fin, debo sacarme el sombrero ante este disco, que si bien me parece una obra maestra dentor del canterbury, a muchos les parecerá aburrido, sobretodo por la falta de guitarras y lo "plano" de las melodías en muchos pasajes, aunque escuchando bien uno podrá deleitarse mucho con el sinnúmero de efectos y variaciones con la que Egg se erige como una de las andas más importantes a tener en cuenta para cualquier coleccionista. Recomendado!

LINE-UP
- Mont Campbell / bass, vocals, organ (4.1), Piano (4.1), French horn (4.2)
- Dave Stewart / Organ, Piano, tone generator (4.3)
- Clive Brooks / drums
Guests:
- Henry Lowther / trumpet (2)
- Mike Davis / trumpet (2)
- Bob Downes / Tenor sax (2)
- Tony Roberts / Tenor sax (2)

TRACKLIST
1. A visit to Newport Hospital
2. Contrasong
3. Boilk
4. Long Piece No. 3 (Parts 1-4)

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The Web - Fully Interlocking (1968) [Jazz Fusion, U.K.]

2009-02-09T23:44:00.000-03:00

The Web es uno de los grupos más sugerentes de la escena musical de fines de los años 60 en Reino Unido. Con un sonido que fusiona el jazz, el blues, la psicodelia y algunos tintes latinos, este disco resulta más que una promesa para los futuros años. Esta banda siempre ha sido un paso gigantezco para dar forma a los primeros trabajos de rock progresivo, y si bien su trabajo más cercano al prog fue "I Spider", cuando ya habían cambiado algunos integrantes y se llamaban simplemente "Web", en este disco hallamos una delicadeza y elegancia difícil de encontrar en otra banda de aquellos años. Cabe señalar, para quienes conocen "Samurai" y su disco homónimo, que son la descendencia de The Web, aunque en mi gusto The Web resulta mucho más interesante de escuchar.
Desde la apertura del disco con la magnífica "City of Darkness" y sus arreglos latinos y un ritmo pegadizo y ameno, nos hallamos sorprendidos por una genial interpretación de todos los instrumentos, además de una voz bastante correcta - y por veces brillante - de Watson. Estos tintes latinos y la melodía del primer tema se mantienen en "Harold Dubbleyew", para dar paso a "Hatton Mill Morning", balada de una melodía bien "oreja" y cuyos arreglos van creciendo en estructuras y capas, en un momento bastante hermoso del disco. Luego viene un quiebre repentino con "Green Side Up", de gran trabajo en baterías y bajo, armando junto al saxo y la guitarra una ágil contienda, un pasaje altísimo en el disco; lástima que fuera tan corto, con apenas dos minutos de prolongación.
"Wallpaper" contiene una muy atractiva melodía, algo absurda y caricaturesca en algunos momentos, además de contener arreglos con carcajadas que hacen excelente juego para uno de los temas más clásicamente psicodélicos del grupo.El absurdo alcanza ya su máxima expresión en "Did You Die Four Years Ago Tonight?" en otro interesante tema, de melodía infantil y arreglos bastante avanzados para la época."Watcha Kelele" comienza con agitados sonidos de voces y ruidos raros, para pasar a una composición de texturas básicamente jazzeras con arreglos tribales, entregando con esto un nuevo matiz al disco (vaya que tiene colores, no?)
Luego, con "Reverend J. McKinnon" tenemos un tema comparativamente más débil, aunque por algún motivo todavía desconocido para mí, me atrae bastante, aunque debe reconocerse que tiene un "brillo" bastante particular. La entretenida "Sunday Joint" cae luego como un tema casi de relleno, sin nada nuevo que mostrar, pasando a mi tema favorito: "War or Peace", con casi diez minutos de extensión, y dividida en cinco partes, conteniendo de todo: momentos minimalistas, brillantes, oscuros, etéreos, hermosos... una mezcla arrolladora y espectacular, muy lúdica y descriptiva, demostrando el abierto pacifismo del grupo en una época, como sabemos, política y socialmente difícil en el mundo, y cerrando muy bien, en un track que es una historia por sí sola.
Este disco, que es la versión en cd, trae además tres temas de bonus, todos inéditos y de los cuales destacan los cinco minutos de "God Bless the Child", en una faceta de The Web directamente identificada con el blues, bastante interesante por mostrar este sonido que no aparece aludido directamente en el resto del disco.
Con este disco, estamos en presencia de un clásico de los '60, digno de elogios e imprescindible en la colección de cualquier verdadero amante del rock progresivo, pues identifica claramente una de las bases que tuvo éste en su aparición y desarrollo. Absolutamente recomendado, así como toda la breve discografía de esta banda.

LINE-UP
- John L. Watson / vocals
- Kenny Beveridge / drums, percussion
- Lennie Wright / vibes, percussion
- John Eaton / guitar
- Tony Edwards / guitar
- Dick Lee-Smith / bass
- Tom Harris / saxes, flute

TRACKLIST
01.- City of Darkness
02.- Harold Dubbleyew
03.- Hatton Mill Morning
04.- Green Side Up
05.- Wallpaper
06.- Did You Die Four Years Ago Tonight?
07.- Watcha Kelele
08.- Reverend J. McKinnon
09.- Sunday Joint
10.- War or Peace
11.- I'm a Man
12.- God Bless the Child
13.- To Love Somebody

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Pendragon - The World (1991) [Neo Prog, U.K.]

2009-02-09T23:43:00.000-03:00

Hasta ahora en muchos de los discos que habíamos comentado mencionamos el nombre de Pendragon como influencia y para dar una idea del sonido de aquellas agrupaciones Recuerdo particularmente a Casino, donde participó Clive Nolan, tecladista de Pendragon. Pues bien, con eso ya se imaginarán la importancia de este grupo en la escena progresiva.
En efecto, Pendragon ha sido, junto con Marillion, Arena e IQ, uno de los grupos más emblemáticos del "nuevo" sonido del rock progresivo, que si bien se formó en 1978 bajo el nombre de Zeus, fue recién siete años más tarde cuando debutaron con su primer disco, "The Jewel", de 1985. Desde allí fueron constantemente lanzando material de estudio y en vivo, manteniéndose viva esta banda tras su último album (Pure, de 2008).
El sonido que caracteriza a esta banda mantiene una alta presencia de teclados que construyen atmósferas casi épicas, unido a guitarras profundas y la voz de Nick Barrett, figua icónica de Pendragon. Semejanzas varias, como Marillion y Genesis, también son fácilmente encontrables.
Este disco generalmente es algo olvidado dentro de la discografía. Y claro, puede no ser comparable a otros trabajos, como "The Windows of Life" o "The Masquerade Overture", sus obras más reconocidas y de gran peso musical, pero a mi parecer vale la pena poner atención a este disco.
¿Los motivos? Bastante subjetivos a mi parecer: En primer lugar, "The World" denota una madurez del grupo que representa el gran paso antes de sus obras de mayor pestigio. Es en mi gusto - y guardando las enormes diferencias - proporcional al "Obscured by Clouds" de Floyd, la antesala de sus obras maestras.
Segundo: Temas como "The Vogayer" que en sus doce minutos deleita a cualquiera, o "Shane", tema bien corto pero de gran precisión, y la enorme creatividad colocada en la trilogía de "Queen of Hearts" son para mi gusto otro gran incentivo para escuchar este disco completo. Realmente, casi todos los tracks resultan de gran valor musical, de una delicadeza y fuerza digna de elogios, siendo quizá la única excepción la pista "Prayer", que se ve opacada por el resto. Finalmente, y como tercer argumento para poner más atención a este disco, tenemos la alta presencia de Genesis como influencia principal en este disco, influencia notoria ya desde los primeros temas, y que opacan un tanto la típica presencia de Marillion. Incluso algunas reminiscencias de Pink Floyd también pueden hacerse notar en algunos pasajes, principalmente en los arreglos.
Definitivamente, un disco que vale la pena escuchar. No es una obra maestra bajo mi percepci´n, aunque ciertamente hay quienes califican de tal a este trabajo. Sin embargo, sí puede decrse, al menos, que constituye un album de gran calidad, precisión e inspiración en la casi totalidad de su extensión.

LINE-UP
- Nick Barrett / guitars, vocals
- Clive Nolann / keyboards
- Peter Gee / bass
- Fudge Smith / drums

TRACKLIST
01.- Back in the Spotlight
02.- The Voyager
03.- Shane
04.- Prayer
05.- Queen of Hearts (Queen of Hearts Part 1)
06.- ... a Man Could Die Out Here ... (Queen of Hearts Part 2)
07.- The Last Waltz (Queen of Hearts Part 3)
08.- And We'll Go Hunting Deer

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Consorzio Acqua Potabile - Robin delle Stelle (1998) [Symphonic Prog, Italia]

2009-01-27T02:06:00.004-03:00

Consorzio Acqua Potabile (que llamaremos por su nombre abreviado, CAP) es una de las bandas italianas de progresivo que más misterio ha encerrado para muchos fans del género. Fue creada el año 1971, ganando alguna popularidad en la escena progresiva y haciendo varias presentaciones en vivo, de las cuales no hay registro. O mejor dicho, no había registro, hasta que a principios de los '90 fue lanzado su disco en vivo "Sala Borsa Live '77", y el año 92 también se lanzó su disco debut (casi 20 aos después de haberse fundado) llamado "Nei Gorghy del Tempo" con cuatro de los cinco miembros originales de la banda. Luego de esto, el grupo volvió a dividirse y para este disco solamente se mantuvo el tecladista Maurizio Venegoni.
Ello de todos modos no hizo que el estilo principal y característico de CAP cambiara: las influencias de otros grandes del prog italiano (fundamentalmente Banco) se mantuvieron, y la estética tan distintiva de los italianos, su "sello de calidad" se conservó intacto, aunque debe reconocerse que falta esa "mística", incluso esa "inspiración" presente en el disco debut.
Este disco presenta cinco tracks, cuyo sonido se acerca mucho a la "nueva" movida progresiva italiana, con bandas como Finisterre o H2O, dado que funcionan en base a instrumentos más bien añejos (por ejemplo el mítico Hammond) con un sonido particularmente limpio. Por su parte, las composiciones gozan de un brillo especial, aunque siempre más simple (en el sentido de resultar atmósferas menos densas) de lo que pudo haber sido este disco en los años 70. Los tracks son bastante largos, y cada uno resulta un viaje por sí mismo. La instrumentación, en este sentido, funciona de modo casi perfecto, magistral, magnífico. En mi gusto, este disco sería una obra maestra del último tiempo si no fuera por la voz de Maurizio Mercandino: Su voz me resulta (a modo bastante personal, por cierto) poco firme, y algo plana. Pero la instrumentación es tan extensa, rica y minuciosa, que incluso ésto se olvida.
Francamente esperé mucho para tener este disco, y vaya que lo he disfrutado!! Espero que ustedes también puedan sacarle provecho a esto, que no solamente llama la atención por su extravagante nombre, ni por la historia previa que lo rodea, sino sobretodo porque los aires que nos entrega este trabajo resultan muy atractivos y soberbios. Recomendado.

LINE-UP
- Romolo Bollea / keyboards
- Fabrizio Sellone / keyboards
- Massimo Gorlezza / guitars
- Chicco Mercandino / guitars
- Luca Bonardi / drums
- Gigi Secco / bass
- Great Maurizio Venegoni / Midi wind controller
- Maurizio Mercandino / lead vocals

TRACKLIST
01. Signori del Tempo
02. Robin delle Stelle
03. Lontana Lucia
04. Soli sull’Olimpo
05. Robin... Again

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Novedades Progresivas

2009-01-20T22:12:00.003-03:00

Hola a tod@s:

Dejo este aviso para que comiencen a visitar el nuevo blog que estoy desarrollando, y que entregará solamente discos del año 2009, los últimos lanzamientos dentro de la escena progresiva. Terminado el año 2009 todas las entradas se sumarán a este blog, para empezar desde cero al año siguiente, de manera sucesiva.

Espero disfruten este nuevo espacio. Saludos!

NOVEDADES PROGRESIVAS
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Por supuesto, este blog seguirá funcionando normalmente, de forma paralela.

Solaris (1990) Solaris 1990 [Symphonic Prog, Hungría]

2009-01-19T18:12:00.004-03:00

Solaris fue una banda húngara nacida a principios de 1980, aunque tardó algunos años en darse a conocer dentro del mundo progresivo. En mi gusto es el grupo de rock sinfónico más hermoso que he escuchado desde este país (hasta ahora, claro), y aunque demoré algo en tener este disco, por fin pude obtenerlo, completando los tres discos de estudio de Solaris (Con "The Martian Cronicles" de 1984 y "Nostradamus Book of Prophecies" de 1999.
En realidad el trabajo que presentamos es más bien una recopilación de temas inéditos del grupo, desde sus inicios hasta 1990, pues luego de su album debut se separaron para seguir diferentes proyectos dentro de la música.
El primer disco destaca por las novedades que entrega, con temas de estudio que no habían aparecido en su lanzamiento anterior, y cuyas notas expelen el exquisito sonido característico de Solaris: guitarras suaves a pesar de su distorsión, composiciones altamente melódicas, excelentes sintetizadores y expresivas intervenciones de flauta. Llama la atención que todos los temas en este disco tengan un gran encanto, sin desperdicio alguno, y cerrando con la "opus magnum" del grupo: Los Angeles 2026, pieza que supera los 24 minutos y en cuya extensión se deja relucir toda la elegancia de las composiciones de Solaris, consiguiendo un tema que opaca todo lo que antes se había escuchado en el disco, que, reitero, es casi por completo encantador, confirmando que la primera etapa de esta banda (desde 1980 hasta su lanzamiento debut) fue la más brillante de todas.
En el segundo disco tenemos material que se grabó en su etapa posterior a 1985, en donde si bien vemos propuestas menos arriesgadas, los arreglos e interpretaciones continúan siendo tanto o más elogiables que en el disco número 1, mezclando perfectamente la fuerza del rock, la maestría de la música docta y la atracción y simpleza del pop. Posteriormente una serie de temas en vivo sirven para entregar nuevos temas y nuevas versiones de otros ya conocidos, finalizando con un "Solaris 1990" que es más bien un mix de varios pasajes de temas conocidos por casi todo el mundo.
El disco en sí es tremendo, me parece que bien podría ser de lo mejor que se hizo en los años '80 a nivel de progresivo, con un sonido fresco y original. Absolutamente recomendado.

LINE-UP
- Attila Kollár / flute
- Csaba Bogdán / guitars
- Gábor Kisszabó / bass
- Tamás Pócs / bass
- Róbert Erdész / keyboards
- István Cziglán / guitars
- László Gömör / drums

TRACKLIST
CD 1
01.- A Viking visszatér
02.- Ellenpont
03.- Óz
04.- Mickey Mouse
05.- Éden
06.- Hullámok
07.- Egeszséges optimizmus
08.- Los Angeles 2026

CD 2
01.- Éjszakai Tárlat
02.- közjáték a
03.- Szabadjáték
04.- közjáték b
05.- Éjféli valcer
06.- közjáték c
07.- Józsi Mátészalkára megy
08.- közjáték-d
09.- Éjszakai Tárlat V.(1990)
10.- közjáték e
11.- E-Moll Concerto (allegro con molto)
12.- Paella
13.- A kígyó szive
14.- Ez nem kán-kán
15.- Magyar Tánc
16.- Duo
17.- Solaris 1990

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David Gilmour - Smile (EP, 2006) [Prog Related, U.K.]

2009-01-19T02:44:00.002-03:00

Pues sí, seguimos con Gilmour. "Smile" fue uno de los EP que fueron lanzados al mercado para promocionar el disco "On an Island", en un single de dos temas y que sobrepasa apenas los diez minutos. El primer tema que da nombre al EP es una de las piezas que vienen en On an Island, quizá una de las más "livianas" y melódicas, una balada bien simple, aunque conservando el sello característico de la guitarra y timbre de voz del ex Pink Floyd.
La novedad: los casi siete minutos de "Island Jam", tema inédito de Gilmour, instrumental que hace gala de toda la madurez interpretativa del guitarrista, con muy buenos arreglos, principalmente en los teclados, que sin ser demasiado virtuosos, se saben conjugar brillantemente con la guitarra, armando interesantes atmósferas.
Sin mostrar facetas nuevas de este guitarrista, es claro que Gilmour siempre encanta, su sonido es inmediatamente reconocible y sobretodo: disfrutable. Más que interesante, espero lo disfruten.

LINE-UP
- David Gilmour / guitars, vocals, percussion, Hammond organ, bass
- Willie Wilson / drums (in "1")
- Polly Samson / vocals (in "1")
- Guy Pratt / bass (in "2")
- Paul Wickens / Hammond organ (in "2")
- Ged Lynch / drums (in "2")

TRACKLIST
01.- Smile
02.- Island Jam

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David Gilmour - Live in Gdańsk (2008) [Prog Related, U.K.]

2009-01-19T02:14:00.002-03:00

Hace tiempo que quería comprar este último lanzamiento de Gilmour, y con lo que me sobró de unos viátcos pude por fin adquirirlo. En una notable presentación del día 26 de agosto de 2006 en el Gdańsk Shipyard de Polonia, en la gira de su último disco de estudio titulado "On an Island", el guitarrista hace una genial presentación de temas de todas las épocas de Pink Floyd (sobresale Astronomy Domine y Fat Old Sun) además de colocar su enorme performance en guitarra de su última placa. Los arreglos orquestales resultan maravillosos, en un ambiente de majestuosidad implacable. Destaca también la participación del inmortal Rick Wright, cuyos teclados y voces entregan esa sensación de hermosa nostalgia. En fin, no puede decirse mucho más de Dave sin caer en repeticiones, sólo acotar que este disco tiene una producción y un sonido espléndido, acompañado de músicos que se conjugan de excelente forma, uniédose en un "todo" digno de elogios cerrados. Recomendado.
** Agradezco además a mi amigo Patricio, quien me colaboró con el disco de bonus que trae la versión de tres discos y dos dvd's, completando de este modo tres discos para que los puedan disfrutar.

LINE-UP
- David Gilmour / guitars, lead vocals, saxophone, production
- Steve Di Stanislao / drums, vocals
- Richard Wright / keyboards, vocals
- Guy Pratt / bass, guitar on CD1/10, vocals
- Phil Manzanera / guitars, production, backing vocals
- Jon Carin / keyboards, backing vocals, slide guitar, programming
- Dick Parry / saxophone, keyboards
- Leszek Możdżer / piano
- Zbigniew Preisner / conductor
- Baltic Philharmonic Orchestra / orchestra

DISCO 1
01.- Speak to Me
02.- Breathe
03.- Time
04.- Breathe (reprise)
05.- Castellorizon
06.- On An Island
07.- The Blue
08.- Red Sky at Night
09.- This Heaven
10.- Then I Close My Eyes
11.- Smile
12.- Take a Breath
13.- A Pocketful of Stones
14.- Where We Start

DISCO 2
01.- Shine on You Crazy Diamond
02.- Astronomy Dominé
03.- Fat old Sun
04.- High Hopes
05.- Echoes
06.- Wish You Were Here
07.- A Great Day For Freedom
08.- Comfortably Numb

DISCO 5 :Bonus Tracks from the On An Island Tour, 2006.
01.- Shine On You Crazy Diamond (Vienne, July 31/Venice August 12)
02.- Dominoes (Paris, March 15)
03.- The Blue (Vienne, July 31)
04.- Take A Breath (Munich, July 29)
05.- Wish You Were Here (Glasgow, May 27)
06.- Coming Back To Life (Florence, August 2)
07.- Find The Cost Of Freedom (Manchester, May 26)
08.- This Heaven (Vienne, July 31)
09.- Wearing The Inside Out (Milan, March 25)
10.- A Pocketful Of Stones (Vienne, July 31)
11.- Where We Start (Vienne, July 31)
12.- On The Turning Away (Venice, August 31)

Deben comprarlos todos:
PARTE 1
PARTE 2
PARTE 3
CD 5:
PARTE 1
PARTE 2

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Pink Floyd - Complete Concertgebouw (1969) [Psychedelic/ Space Rock, U.K.]

2009-01-19T01:56:00.000-03:00

Pink Floyd durante 1969 comenzó con su primer gran proyecto conceptual. Para ello tomó temas de sus discos anteriores, principalmente de Ummagumma y More, y comenzó con la gira llamada "The Man & the Journey". De esa gira, para mi gusto el concierto que mejor sonido logró fue el del 17 de septiembre, en Amsterdam, Holanda. Pink Floyd en estas alturas ya sabía muy bien generar atmósferas, lo cual se nota con claridad en temas como "Work" o "Behold the Temple of Light", dos de los tres temas nuevos que presentan en esta gira.
Posiblemente muchas veces han visto bootlegs de esta gira dando vueltas en la red, fundamentalmente bajo el nombre de "The Man and the Journey". Pues bien, en este que estamos presentando hay una diferencia: es el único regstro que conozco que tiene TODOS los temas de la presentación, incluyendo algunos silencios, que es donde los de PF hacían algunas "actuaciones", lo que significa un "plus" respecto de los archivos que se ven de manera más común.
Sinceramente, este es el bootleg que más me ha gustado de toda aquella época de Floyd, no solamente por su interpretación, sino además por su sonido, bastante óptimo para ser un disco no oficial. Lo recomiendo absolutamente.

THE MAN

01.- Introduction
02.- Daybreak
03.- Work
04.- Teatime
05.- Afternoon
06.- Doing it
07.- Sleep
08.- Nightmare
09.- Daybreak (part 2)

THE JOURNEY

10.- The Beginning
11.- Beset by Creatures of the Deep
12.- The Narrow Way
13.- The Pink Jungle
14.- The Labyrinths of Auximenes
15.- Behold the Temple of Light
16.- The End of the Beginning

COMPRALO ACÁ
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Echolyn - When the Sweet Turns Sour (1996) [Symphonic Prog, U.S.A.]

2009-01-16T00:17:00.004-03:00

Echolyn es un grupo norteamericano que desarrolló un progresivo de tintes fundamentalmente sinfónicos, bien intrincados y usualmente difíciles de seguir a la primera escuchasiendo este que presentamos seguramente uno de los menos digeribles de todos, lo cual ha generado inevitablemente que este trabajo sufra tanto la admiración como el desprecio, casi por partes iguales. Por este motivo adelanto de inmediato que no a todos les va a gustar, aunque ciertamente a más de alguno le fascinará. Por mi parte, ni lo uno ni lo otro, aunque lo coloco aquí pues es de difícil ubicación y porque a mi parecer debiese estar un poco mejor valorado por el público progresivo.
El trabajo instrumental (en teclados principalmente) nos recuerda bastante a Gentle Giant, con harto jugueteo y de ciertos momentos de complejidad, La guitarra también resulta bien loable, y el resto de los instrumentos más bien correctos, aunque jamás "malos".
El inquietante y tenso "100 Diversions" abre el disco con intrincados compases, una permanente guitarra y arreglos vocales correctísimos, siendo un tema bien interesante dentro del disco, y bastante innovador por cierto. Con "Another Day" tenemos también una pieza muy lúdica en su composición, que fácilmente evoca a Gentle Giant aunque sin su grandilocuencia, además de poseer un desempeño técnico mucho mayor, notorios sobretodo en el teclado en primera instancia, y luego en la guitarra. Posteriormente el tema que da nombre al disco resulta de la interpretación de Echolyn de la pista que abre el disco debut de Genesis: From Genesis to Revelation, y cuyo nombre original es "Where the Sour Turns to Sweet", y creo que el tema no sólo se queda en el cambio de nombre: en efecto, el trabajo que realiza el grupo para entregar una versión nueva de esta pieza - con una frescura y encanto quizá mayor en muchos de sus momentos - con teclados más acentuados y un sonido más derechamente "progresivo" (al menos más familiar a él) hacen de este tema una excelente contribución dentro del álbum, siendo uno de los pocos que entra a la primera escucha. "Meaning and the Moment" creo que es un tema absolutamente prescindible, que cuando empieza ya se sabe cómo terminará. Nada más que un relleno, de bonitos sonidos, pero relleno al fin y al cabo.
"The Currents of Me" Los teclados aquí dejan al oyente casi confundido con la presencia de Gentle Giant, aunque sólo por un momento. Sin embargo, los coros hacen uno de sus mejores trabajos en el disco, fusionándose con la guitarra de manera exquisita, casi novedosa. Gran tema!
El jazz se hace presente a tavés de "Patchwork", tema de mediana factura y con ciertos grados de improvisación, lo cual le da un atractivo innegable, manteniendo ese atractivo en el tema siguiente ("This Time Alone") aunque no en base a su composición, sino más bien a su instrumentación.
El disco termina con dos temas en vivo de la banda: "A Little Nonsense" y su gran desarollo en teclados y coros, melodías atractivas, variadas y ligeras, y un sonido bien destacable en un trabajo en vivo. Y para concluir, el tema "As the World" para quien conozca la banda, sabrá que es un tema muy bien elaborado y uno de los más fuertes en el repertorio de Echolyn; para quien no conozca a estos artistas, deberán imaginarse una compleja y rápida interpretación de teclados y guitarras ensambladas con una enérgica vocalización a coro y diálogos virtuosos y persistentes entre guitarra y teclado, armando una atmósfera altamente atractiva, aunque sigue siendo para mí un tema algo sobrevalorado.
Un encanto de disco, arriesgado para muchos, sobretodo para aquellos que prefieren las composiciones más melódicas y "oreja". Sin embargo, para mi gusto ha sido una gozada este disco, bien olvidado en general, de manera injusta para mí. Escúchenlo y fórmense su propia opición. Por mi parte, lo recomiendo.

LINE-UP
- Christopher Buzby / keyboards, backing vocals
- Tom Hyatt / basses, MIDI pedals
- Brett Kull / guitars, lead & backing vocals
- Paul Ramsey / drums & percussion
- Ray Weston / lead & backing vocals, bass on "100 Diversions"

TRACKLIST
01.- 100 Diversions
02.- Another Day
03.- Where The Sour Turns To Sweet
04.- Meaning And The Moment
05.- The Currents Of Me
06.- Patchwork
07.- This Time Alone
08.- A Little Nonsense (live)
09.- As The World (live)

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Museo Rosenbach - Rare & Unreleased (1992) [Symphonic Prog, Italia]

2009-01-07T00:04:00.004-03:00

No cabe duda de que Museo Rosenbach fue una de las propuestas más intelientes y atractivas en la escena progresiva italiana de los años setenta, lo cual se ilustra claramente en la altísima calidad de su trabajo más reconocido: Zarathustra, del año 73. Pues bien, "Rare & Unreleased" nos presenta no sólo una versión anterior de Zarathustra tocada enteramente, sino además trae versiones de varios temas que el grupo hiciera durante su primera época juntos.
El sonido en general, como podría esperarse para este tipo de lanzamientos, no resulta óptimo, lo cual le quita algo de calidad (lo mismo ocurriría con su otro lanzamiento de aquel año, el "Live '72", hecho añicos por los críticos dado su sonido insuficiente, aunque ciertamente en "Rare & Unreleased" hay temas de gran sonido, también).
No obstante lo anterio, este disco me ha parecido un trabajo interesante de publicar por dos motivos: el ya mencionado de los covers que realizara el grupo, y por Zarathustra en una versión mucho más "artesanal", con un sonido menos magnífico pero más cercano al oyente.
Justamente, son los tracks de este disco los que son presentados al inicio. Las cinco partes del tema Zarathustra, ya muestran un sonido de demo, sin arreglos de sintetizadores y con entonaciones vocales diferentes al original. Pero son sin duda los tres tracks finales los que más deleitan al oyente, (Degli Uomini, Della Natura y Dell'Eterno Ritorno, éste último en una versión instrumental) ya que la calidad de sonido y la fuerza interpretativa le hacen dignos merecedores de haber sido los que ocuparan el lugar en el disco original. Definitivamente una delicia.
Posteriormente viene "Dopo", si bien es ejecutado de gran forma, tiene la desventaja de haber sido grabado en condiciones bien paupérrimas. Sin embargo, puede rescatarse su fuerza, su carácter y su onda muy "italiana", que lo mantiene atractivo de todas maneras. "Look at Yourself" y "Shadows of Grief" son covers de los originales temas de Uriah Heep (de su disco Look ay Yourself) que si bien tienen su encanto, no me convencen demasiado. En realidad, Look at Yourself mantiene cierto encanto aún, pero no puedo decir lo mismo respecto de Shadows of Grief, del cual rescato apenas el solo de batería que tiene como interludio, pero creo que se extiende demasiado y se torna monótono hacia el final. Por lo demás, tampoco en estos dos temas acompaña una gran calidad de sonido. En medio de estos dos temas, sin embargo, suena un clásico que bien merece atención: "With a Little help from my friends", original del maestro Joe Cocker, y cuya interpretación es soberbia y notabilísima, sobretodo en la voz, potente y firme. "Valentyne Suite" también debió haber estado mejor grabada, no obstante su gran calidad interpretativa.
Finalmente, se repiten el plato dos temas antes presentados: "Dopo" en su versión en inglés y de sonido algo más nítido que la anterior presentada en italiano, y "Dell'Eterno Ritorno", en una versión de mucha fuerza, baterías marcadas y teclados ágiles, también como versión instrumental.
A fin de cuentas, a pesar de la irregularidad del disco, sobretodo de su producción y grabación, hay que tener en cuenta que estos son puros temas "rescatados" de aquellos años, por lo que su valor para los coleccionistas es bien alto. Por lo demás, sus interpretaciones son de un nivel muy alto (quizá los covers de Uriah Heep sean alguna excepción aquí), y eso no lo puede desmentir ni siquiera una mala producción. Muy interesante, y por lo demás no he visto blogs que tengan esta placa en buena calidad. Que lo disfruten!

LINE-UP
- Enzo Merogno / guitar
- Alberto Moreno / bass
- Giancarlo Golzi / drums
- Pit Corradi / Mellotron, orgue (Hammond), e-piano (Farfiso)
- Stefano "Lupo" Galifi / vocals
- Leonardo Lagorio (Celeste) / saxophone, flute

TRACKLIST
01.- Zarathustra
02.- Degli Uomini
03.- Della Natura
04.- Delle´eterno Ritorno (intrumental)
05.- Dopo
06.- Look at Yourself
07.- With a Little help from my friends
08.- Shadows of Grief
09.- Valentyne Suite
10.- Dopo (English version)
11.- Dell´eterno Ritorno

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DOM - Edge of Time (1972) [Krautrock, Multinacional]

2009-01-04T14:53:00.003-03:00

DOM fue una notable y de muy bajo perfil banda conformada por miembros de diversas nacionalidades (de Alemania, Polonia y Hungria) que en su unico disco consiguieron un sonido arrollador, único y original. Su sonido bien puede recordar a veces a Pink Floyd, incluso hálitos de Amon Düül II, pero con un sello propio y característico, de gran acento en los sonidos acústicos, coloridas percusiones y atmósferas envolventes, alucinantes.
El concepto del disco se basa en un viaje con negativos efectos en la percepción, dando tonalidades oscuras e hipnóticas constantemente y llevando a cabo magistrales secciones experimentales.
"Introitus" abre el disco con una guitara acústica a la cual se añade un largo pasaje de flauta, en un sonido cálido y tranquilizador, asando luego a una sección con mayor predominio de las percusiones - congas fundamentalmente - que entrega un sonido más étnico al tema, que culmina con teclados que van armando un diálogo paulatino con el resto de los instrumentos en el cierre. "Silence" comienza con sintetizadores que van jugando a la precariedad de sonido, entrando en una sección hipnótica y medianamente tensa, quebrada (al igual que en el tema anterior) por sintezadores que dan sensaciones de caos en el oyente. Es ahí donde la experimentación toma un rato el protagonismo, con jueguitos electrónicos que encierran un misterio latente, en una atmósfera nebulosa y oscura, con voces susurradas que bien pueden dejar al oyente con alguna inquietud. Excelente trabajo en este tema.
El tema "Edge of Time" abre derechamente con un clima tenso, desordenado y confuso, que si bien luego alcanza mayor estabilidad melódica, no cesa de bombardear con múltiples efectos y sonidos al oyente, agarrando cierto ritmo hasta la entrada de una triste melodía acústica, que pronto se ve acompañada de una oscura recitación, de voz algo quejumbrosa y adolorida, entrando posteriormente la flauta en su remplazo y cerrando con un juego de sintetizadores muy ad hoc. Una obra maestra, en mi opinión.
Finalmente el etéreo comienzo de "Dream" es repentinamente quebrado (en uno de los momentos más altos del disco) para dar el espacio protagónico a las cuerdas y percusiones, en un ambiente de ritmo pausado y buenas texturas, que entran en un vaivén de intensidades. Otro quiebre inesperado abre coloca al oyente delante de una terrorífica escena, digna de alguna elogiable producción cinematográfica del terror psicológico, abandonándolo a su propia suerte, empequeñecido y asombrado constantemente, culminando el álbum tan repentinamente como sus quiebres.
Definitivamente un disco que hay que escuchar, vale la pena, uno de los sonidos mejor logrados que he conocido este último tiempo. Ojalá se pudiera escuchar este disco con atención, y con el volumen un poco más fuerte que de costumbre, para poder apreciar más de algún "ruidito" por allí que puede sorprender, sin duda. Absolutamente recomendado! Tanto así, que dejo esta vez no sólo el archivo mp3, sino además los temas en formato ape, sin pérdida, para quien desee apreciar el disco en toda su magnitud de sonido. Que lo disfruten.

LINE-UP
- Laszlo Baksay / bass, lyrics, vocals
- Gabor Baksay / percussion, flute, vocals
- Reiner Puzalowski / guitar, flute, vocals
- Hans Georg Stopka / organ, guitar, vocals

TRACKLIST
01.- Intruitus
02.- Silence
03.- Edge Of Time
04.- Dream

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ape (tracks) + cue + cov
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Demetrio Stratos - Cantare la Voce (1978) [Vocal/ Experimental, Italia]

2009-01-04T13:54:00.001-03:00

Demetrio Stratos, para quienes no lo saben, es el personaje que representaba el "alma" del grupo italiano Area, entregando la vocalización de todos los temas antes del año '79, cuando falleció. Este hombre intentó llevar a los más lejanos límites su voz, logrando lasllamadas diplofonías y triplofonías (sacar 2 y 3 sonidos simultáneos con la voz). Mucho de lo que hizo lo dejó plasmado en este disco, que no contiene música propiamente tal, sino más bien una alocada amalgama de sonidos vocales. Dado esto, es arriesgado escucharlo, dado que puede resultar demasiado cansador oir este disco entero. Además, no contiene melodías propiamente tales en muchos de los casos, como en el tema que abre el disco. Sin embargo, para coleccionistas, curiosos y para quienes intenten ejercitar las cuerdas vocales, es un trabajo que puede valer la pena escuchar.

LINE-UP
- Demetrio Stratos / vocals

TRACKLIST
01.- Investigazioni (Diplofonie e Triplofonie)
02.- Passaggi
03.- Criptomelodie Infantil
04.- Flautofonie ed Altro
05.- Le Sirene

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Atila - Reviure (1977) [Symphonic Prog, España]

2008-12-31T21:30:00.003-03:00

Atila es una banda española fundada el año 1973, y cuyo sonido puede asemejarse a The Nice o ELP, pues su sonido es esencialmente basado en el uso de teclados que ensamblan atmósferas muy bellas y atractivas, logrando un sonido esencialmente sinfónico, aunque matizado con pasajes de mucho space y jazz. El proyecto de Atila lamentablemente duró pocos años - desde el 73 hasta el 78 - pero posteriormente el baterista Juan Puñet realizaría un concierto bajo el nombre de Atila, con una alineación renovada.
Sin composiciones demasiado complejas, Atila consigue en este disco - el segundo que lanzaran en su carrera - un sonido limpio y maduro, aunque generalmente opacado por su lanzamiento anterior (Intención, de 1976). Para mi gusto, es tan bueno e incluso mejor lo que hacen aquí.
El disco abre con "Reviure", que hace gala de magníficos arreglos de Hammond, moog y mellotrons, en un tema casi enteramente instrumental (hacia el final aparecen voces bien interesantes e histriónicas que se interpretan entre canto y recitación) muy melódico y ameno. Una rápida guitarra eléctrica se hace presente a ratos complementándose de gran manera con el sonido que arman los teclados, finalizando con una sección de teclados que van increscendo que cierran magníficamente la pieza.
"Somni" es el segundo tema, con una introducción muy calma de sintetizadores y guitarra, es un tema mucho más relajado que el anterior, de guitarras acústicas y pianos que entran en una onda bien sesentera, con momentos de space y de jazz-blues entre medio, aunque ciertamente con un sonido progresivo.
El tercer tema - Atila - es para mi gusto lo mejor del disco: sus casi doce minutos atraviesan por climas hard-rock, sinfónicos, espaciales e incluso añadido algún sonido propio del krautrock. Una pieza que en sus composiciones creo que no pudo ser mejor y más atractiva y sofisticada, contraponiendo momentos majestuosos, hipnóticos, oscuros, de improvisación (un solo de batería ien atractivo) y zarpados al mismo tiempo. Por lo demás, este tema es el que más añade la faceta jazzística del grupo, marcada cortamente hacia los 5 minutos. Definitivamente un tema sin descanso, de matices innumerables y sin desperdicio alguno.
Finalmente, los mismos vientos oscuros que resuenan al final de Atila son los que conducen a "Al Mati", tema de gran sabor sinfónico y uno de los más equilibrados del disco. Las voces están más presentes, y contiene un corto interludio instrumental más jazzero (marcado por batería, bajo y guitarra) que escapa en cierta medida a la estética del tema, sosteniéndose hacia el final fundamentalmente por el trabajo de los sintetizadores y la guitarra.
Disco que lamentablemente he conocido hace poco tiempo, pues creo que me he perdido de una gran pieza durante años. Y por lo mismo luego de varias escuchas quise compartirlo, pues me parece muy importante de conocer por el público progresivo. Altamente recomendado!

LINE-UP
- Eduardo Alvarez / guitar
- Juan Puñet / drums
- Jean P. Gomez / bass
- Benet Nogur / keyboards

TRACKLIST
01.- Reviure
02.- Somni
03.- Atila
04.- Al Mati

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Atoll - L'Araignée-Mal (1975) [Symphonic Prog, Francia]

2008-12-30T13:59:00.001-03:00

Atoll es una banda francesa que cultivó un rock progresivo sinfónico de una gran belleza y energía. El grupo encuentra en este disco, muy seguramente, su trabajo más reconocido y de mayor calidad. El álbum abre con "Le Phtographe Exorciste", tema de ocho minutos llenos de belleza, plagado de sonidos electrónicos y de guitarras algo ácidas y muy potentes. "Cazotte N° 1" desarrolla un rock con matices de jazz, siendo personalmente el tema que más me gusta sobretodo por sus percusiones, espléndidamente ejecutadas dentro de una energía muy bien entregada. Con "Le Voleur D'Extase" el disco vuelve a tomar melodías lentas, aunque termina con coros y guitarras que le dan bastante pasión. Finalmente viene el tema que da nombre al disco, lejos el más desarrollado de todos, y que bien puede resumir de algún modo el trabajo entero de Atoll: belleza, fuerza, excelentes interpretaciones y melodías, y algunas pizcas de jazz. Un álbum sólido, bien trabajado y atractivo al oído, una de las grandes obras, en mi gusto, del progresivo sinfónico. Recmoendado.

LINE-UP
- Richard Aubert / violin
- Andre Balzer / lead vocals, percussion
- Christian Beya / guitar
- Alain Gozzo / drums
- Michel Taillet / keyboards
- Jean Luc Thillot / bass

TRACKLIST
01.- Le Photographe Exorciste
02.- Cazotte No.1
03.- Le Voleur d'Extase
04.- L'Araignée-Mal i) Imaginez le temps
05.- L'Araignée-Mal ii) L'Araignée-Mal
06.- L'Araignée-Mal iii) Les robots débiles
07.- L'Araignée-Mal iv) Le cimetière de plastique
08.- Cazotte No.1 (Live) [bonus]

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Area - Are(A)zione (1975) [Avant-Jazz, Italia]

2008-12-30T10:43:00.001-03:00

La cuarta entrega de Area contiene tres temas de discos anteriores en vivo (uno de ellos es "Cometa Rossa", donde Demetrio Stratos demuestra que esta canción fue grabada sin efectos vocales, pues su interpretación suena igual al original); además, trae dos nuevos singles muy complejos, donde resalta el tema que le da nombre al disco, una verdadera síntesis de muchos de los estilos que incorpora esta banda para sus composiciones. En el último tema, un bajo de proporciones excepcionales hace la entrada para una canción similar a un himno (al estilo de Area claro está), con interesantes jugueteos instrumentales.

LINE-UP
- Giulio Capiozzo / drums and percussion
- Patrizio Fariselli / electric & acoustic pianos, bass clarinet, percussion, synths
- Demetrio Stratos / vocals, organ, percussion
- Ares Tavolazzi / electric & acoustic basses, trombone, pocket trumpet
- Paolo Tofani / electric guitar, synths

TRACKLIST
01.- Luglio, Agosto, Settembre (Nero)
02.- La Mela di Odessa
03.- Cometa Rossa
04.- Are(A)zione
05.- L'Internationale

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Aera - Humanum Est + Hand und Fuss (1974-1976) [Jazz Fusion, Alemania]

2008-12-30T09:47:00.001-03:00

Aera es una banda alemana de jazz-fusion, que comienza su carrera con el disco "Humanum Est", que contiene toques jazzeros muy amables, fáciles de escuchar y "digerir" aun teniendo cierta complejidad en muchos pasajes. Con melodías frescas, una ejecución bastante buena y con "solos" de todos sus instrumentos, el disco entrega delicadas y sutiles composiciones, mezcladas con pasajes rockeros muy potentes, y con ciertos matices progresivos crimsonianos innegables.
El segundo trabajo de Aera resulta quizá más llamativo que su antecesor "Humanum Est", sobretodo por la incorporación de un violín que genera matices mucho más cándidos en los sonidos. En general, la ejecución de cada uno de los instrumentos resulta espléndida. Desde que se abre el disco, con "Mecheldwind" y su guitarra de sonidos melódicos, cada uno de los instrumentos toma posesión de diversos instantes en los temas. La cantidad de instrumentos ejecutados además entrega muchos matices en los temas, obteniendo un vaivén constante entre energía y suavidad. Un increíble trabajo de todos los miembros de la banda, que se lucen, sin excepción en sus mejores facetas interpretativas.
Esta versión en CD viene con los dos discos en uno, es por eso que lo he dejado en un solo post y un solo enlace. Por supuesto, ambos son absolutamente recomendados.

LINE-UP "HUMANUM EST"
- Wolgang Teske / drums
- Klaus Kreuzeder / saxophone & flute
- Dieter Bauer / bass
- Muck Groh / guitar
- Peter Malinowsky / bass (in Alois' Flötending)

LINE-UP "HAND UND FUSS"
- Klaus Kreuzeber / Soprano alt-sax & flute
- Peter Malinowski / bass
- Christoph Krieger / violin
- Lucky Schmidt / drums (vocal)
- Muck Groh / guitar, vocals (7)
- Als Gast Onkel Latzi / Bariton-saxophone & oboe (7)

TRACKLIST
01.- Papa Doing
02.- Demmerawäng
03.- Hodibbel
04.- Sechs Achtel
05.- Jonas Schläft
06.- Alois' Flötending
07.- Mechelwind
08.- Alabaster Keaton
09.- Wrdlbrmfd (Fürn Karl Valentin)
10.- Elephen Elephants
11.- Herbstzeitlos
12.- Ad Absurdum
13.- Kamele On

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Area - Crac! (1974) [Avant-Jazz, Italia]

2008-12-30T09:38:00.001-03:00

Area no pierde su encanto, y lanza su tercer disco, que persiste con la experimentación y la fusión de jazz, rock, prog, folk, entre otros ritmos. El sonido del bajo es notable, a cargo de Tavolazzi, quien llegara al grupo ya para su segundo trabajo, pero sin duda es éste en el que destaca por mucho.
Cada vez que escucho Area, no sé cuál de sus discos me resulta mejor, por lo que he llegado a la conclusión de que es tan alto el nivel que han alcanzado en sus afanes de innovar y experimentar, que han conseguido dejar convertido en polvo cualquier afán de clasificarlos y de elogiarlos. Ni siquiera me atrevería a ponerles una nota. No me dejan de sorprender.

LINE-UP
- Giulio Capiozzo / drums and percussion
- Patrizio Fariselli / electric & acoustic pianos, bass clarinet, percussion, synths
- Demetrio Stratos / vocals, organ, percussion
- Ares Tavolazzi / electric & acoustic basses, trombone
- Paolo Tofani / electric guitar, synths, flute

TRACKLIST
01.- L'elefante Bianco
02.- La Mela di Odessa
03.- Megalopoli
04.- Nervi Scoperti
05.- Gioia e Rivoluzione
06.- Implosion
07.- Area 5

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Agitation Free - Malesch (1972) [Krautrock, Alemania]

2008-12-29T23:28:00.002-03:00

Una de las propuestas más elegantes del movimiento krautrock, aunque no por ello menos extravagante y "extraña" para el oído, incluso para el progresivo. El disco debut se reconoce ampliamente por sus inspiraciones musulmanas, exóticas y con rasgos africanos. Los instrumentos se fusionan en una especie de diálogo teatral que consiguen un ambiente muy cercano a su idea musical, en el sentido de que escuchar el disco nos lleva a un viaje a calles islámicas, a la vida cotidiana de esta cultura. Una gran obra, sin desperdicio alguno y absolutamente recomendada
La dejo re-subida a mejor calidad, para los más exigentes.

LINE-UP
- Peter Michael Hamel / keyboards
- Michael Hoenig / synthesizer, keyboards
- Michel Gunter / bass
- Uli Pop / bongos
- Burghard Rausch / drums, keyboards, vocals
- Jorg Schwenke / guitar
- Lutz Ulbrich / guitar, keyboards

TRACKLIST
01.- You Play for Us Today
02.- Sahara City
03.- Ala Tul
04.- Pulse
05.- Khan el Khalili
06.- Malesch
07.- Rucksturz

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Alusa Fallax - Intorno alla Mia Cattiva Educazione (1974) [Symphonic Prog, Italia]

2008-12-29T23:15:00.001-03:00

Presento hoy a otro grupo de progresivo italiano que solamente dejó un solo registro en estudio y que para muchos ha permanecido en el olvido. Alusa Fallax trabajó en una línea melódica muy suave en sus líneas instrumentales, pero con una voz áspera y apasaionada de Duti Cirla que le entregaba a las composiciones el matiz necesario para no sonar tan pretenciosas. Desde que el disco abre con "Soliloquio" (tema que cualquiera pensaría que es una voz recitada que abre a modo de introducción, pero que sin embargo es un instrumental lleno de hermosas flautas de sonidos bajos y percusiones de buen ritmo) no deja de impresionar por la categoría de sus músicos. Un trabajo lleno de mística italiana, que recuerda el sonido de Loccande delle Fate o de los primeros discos de PFM, de ejecuciones y arreglos llevados a la perfección máxima, sobresaliendo, en mi gusto, los pares "Non Fatemi Caso - Intorno alla Mia Educazione" y "Per Iniziare Una Vita - È Oggi", sobretodo este último por la entonación diferente de la voz de Cirla y por el toque de jazz que impregna al final. Disco de muy buen trato al oído, magistral en muchos de sus pasajes y que difícilmente pueda aburrir.

LINE-UP
- Guido Gabet / guitar
- Massimino Paretti / keyboards
- Guido Cirla / bass
- Duty Cirla / percussion, vocals
- Mario Cirla / saxophon, flute

TRACKLIST
01.- Soliloquio
02.- Non Fatemi Caso
03.- Intorno Alla Mia Cattiva Educazione
04.- Fuori di me,Dentro di me
05.- Riflessioni Al Tramonto
06.- Il Peso Delle Tradizioni
07.- Carta Carbone
08.- Perchè Ho Venduto Il Mio Sangue
09.- Per Iniziare Una Vita
10.- E' Oggi
11.- E' Così Poco Quel Che Conosco
12.- Ciò Che Nasce Con Me
13.- Splendida Sensazione

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8 Days in April - The Hamburg Scene (1972) [Eclectic Prog, Alemania]

2008-12-28T18:33:00.003-03:00

8 Days in April fue un proyecto musical de muy bajo reconocimiento que desarrolló un rock suave y fresco, carente de secuencias densas, aunque de una originalidad muy destacable. El grupo en general funcionó con apenas dos integrantes derechamente pertenecientes a él y que eran los "creadores" de la música del disco: Lindenberg y Kravetz, quien puede sonar familiar para quienes conocen a Frumpy. El resto eran invitados especiales, aunque en el disco aparecen como miembros de la banda, destacando además Inga Rumpf, quien colocara las voces también en Frumpy.
"8 Days in April" nace probablemente por necesidad de tener algún nombre para el conjunto (ya que antes se llamaba simplemente "Kravetz"), y fue sacado debido a que la grabación de este disco se extendió durante 8 días en el mes de abril de 1972, en el Windrose-Dumont-Time Studios, en Hamburgo. Así, vemos que el nombre para muchos sugerente de esta agrupación no fue sino una improvisación nada extravagante.
El álbum comienza con un fresco "I'd Like To Be A Child Again", de una onda que mezcla exquisitamente la melancolía, la suavidad, la originalidad y la fuerza, con algunas influencias del hard rock y el progresivo de un modo bastante elegante. La voz de Rumpf cautiva a cualquiera, entregando mucha energía en sus apariciones. y los quiebres instrumentales que anteceden cada una de sus intervenciones es muy probable que erizen los pelos a cualquiera.
"An Toomuch" posee un pulso más rápido, esta vez con la voz de Udo Lindenberg. Las aceleraciones cortas y constantes de la batería, unida a teclados sobrios y equilibrados, hacen de este tema otro punto alto en el disco. La guitarra de Kretzschmer vuelve a sonar - al igual que en el primer tema - en un solo también muy sobrio y elegante, a pesar de su timbre distorsionado, y que va tomando fuerza a medida que la batería suena más marcada, siendo quizá uno de los instrumentos más atractivos en el sonido de 8 Days in April. Estos dos primeros temas fueron compuestos por la dupla Lindenberg/Kravetz, y poseen a mi parecer los momentos más altos del álbum.
"Routes" ya concentra un sonido algo distinto, levemente más agresivo y marcado por los riffs de guitarra, aunque los teclados nunca se cansan de acompañar, ambos llevando melodías diferentes al mismo tiempo y armando de esta manera un cuadro bien interesante. El interludio de este tema es una improvisación de atmósferas densas, plenas de "ruiditos" y efectos que van armando poco a poco una nueva melodía, nuevamente más agresiva con mayor notoriedad del bajo, la guitarra y batería.
El piano que construye la melodía de "When the Dream Is Over" es quizá lo único rescatable de este suave y plano tema, que suena como de otro tiempo, nada semejante con el sonido alemán de aquella época, sino más cercano al rock inglés. Finalmente los casi diez minutos de "Master of Time" traen nuevamente un sonido más marcado por los teclados y la guitarra, siendo una pieza mucho más ágil y amena que el tema precedente. Destacan los pasajes instrumentales que posee, mezclando ambientes cósmicos y clásicos, en un ensamblaje muy particular.
En definitiva, un disco muy bueno en casi toda su extensión, que en general ocupa una fórmula bien diferente de lo que se hacía de forma más usual en la Alemania de aquellos tiempos, y que, en mi gusto, fueron bastante ariesgados con su propuesta, riesgo que sepultó a esta banda durante tantos años dentro del mundo del rock. Una propuesta menos compleja, que se atrevió a improvisar sin intrincadas líneas jazzísticas o psicodélicas, sino simplemente bajo el alero de su creatividad. Seguramente a más de alguno le parecerá un disco mucho más que interesante.

LINE-UP
- Udo Lindenberg / vocals, drums, percussion
- Jean-Jacques Kravetz / organ, piano, synthesizer, percussion
- Steffi Stephan / bass
- Thomas Kretzschmer / guitar
- Inga Rumpf / vocals
- Roger Hook / 12 string guitar

TRACKLIST
01.- I'd Like To Be A Child Again
02.- Ann Toomuch
03.- Routes
04.- When The Dream Is Over
05.- Master Of Time

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Krokodil - The Psychedelic Tapes (2005) [Krautrock, Suiza]

2008-12-27T18:58:00.004-03:00

Krokodil fue una banda suiza que comenzó sus andanzas ya a fines de la década del '60, alcanzando a lanzar un disco - homónimo - con mucha influencia del blues-rock. Sin embargo, para su segundo disco los sonidos ya comienzan a cambiar, manifestándose más hacia terrenos psicodélicos con texturas étnicas en muchos de sus temas. Alcanzaron a sacar cinco discos de estudio, algo difíciles de conseguir, y de manera póstma este "sexto" disco fue lanzado recién en 2005, con un compilado de varios demos y un par de temas en vivo que fueran ensayados y presentados por la banda entre los años 1970 y 1972.
Este álbum comienza con el clásico "The Creator Has a Master Plan", tema que incluso alguna vez interpretó King Crimson en recitales de su primera época. Es aquí donde se muestran ya esos toques étnicos del grupo, con flautas que construyen atmósferas místicas y conmovedoras, hasta la entrada de la guitarra eléctrica, que desde la mitad hacia adelante toma casi por completo las riendas de la pieza.
"Stehaufmädchen Part 1" es un corto tema de un minuto de duración y que posee una clara semejanza a Popol Vuh, que da paso a "Marzipan", tema en vivo de fuertes guitarras, acompañado casi en toda su extensión por una harmónica que se conjuga muy bien en el aire bluesero del tema. Bastante entretenido, entra a la primera escucha, y las secciones instrumentales - guitarra principalmente - resultan bien llamativas y experimentales. "Stehaufmädchen Part 2" es igual de corto que su primera parte, pero su sonido ya no es tan influido por ambientes místicos, sino por un blues muy sutil y acompasado.
"You're Still a Part of Me" posee más juegos vocales, aunque rítmicamente si bien es pegajoso no posee una estructura demasiado compleja. La instrumentación sí es buena, nuevamente con la harmónica haciendo de las suyas. "Stehaufmädchen Part 3" vuelve con el sonido más étnico, esta vez liderado fundamentalmente por la batería, el bajo y el órgano.
Las congas dan comenzo a "Odyssey in Om", jam de más de 30 minutos que coloca una fuerte tensión en el ambiente, con melodías de medio oriente donde las percusiones y la flauta son definitivamente lo más llamativo. La sitar también hace lo suyo, armando atmósferas de una calidad muy alta y mezclando el blues, la psicodelia y el "ethnic" magistralmente. El disco finaliza con "Raga", cuyo nombre da la impresión ya de un sonido de medio oriente, aunque más "puro" que en el tema anterior y con menos intensidad de ejecución, consiguiendo un sonido hipnótico y frenético, incluso en los pasajes más calmos.
Disco muy interesante, especial para conocer a esta banda y cuyas melodías expelen sonidos que juegan a ir y venir constantemente entre la complejidad y la simpleza. Recomendable.

LINE-UP
- Hardy Hepp / Violin, Farfisa Organ, Recorder & Vocal (all in Track 1)
- Düde Dürst / Drums, Congas & Vocal
- Walty Anselmo / E-Guitar, Sitar, Bass (Track 7) & Vocal
- Terry Stevens / Bass, E-Guitar (Track 7), Percussion & Vocal
- Mojo Weideli / Mouthharp, Flute, Percussion & Vocal

TRACKLIST
01.- The Creator Has a Master Plan - 1970
02.- Stehaufmädchen Part 1 - 1970
03.- Marzipan (Live) - 1972
04.- Stehaufmädchen Part 2 - 1970
05.- You're Still a Part of Me (Live) - 1972
06.- Stehaufmädchen Part 3 - 1970
07.- Odyssey in Om (Live) - 1972
08.- Raga - 1971

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Banco del Mutuo Soccorso - Banco del Mutuo Soccorso (1972) [Symphonic Prog, Italia]

2008-12-27T18:27:00.001-03:00

Una obra con sonidos exquisitos, hermosa mezcla de sinfonía y folk italiano, con ciertos toques de barroco. Los arreglos, la pasión, las voces, las atmósferas... todo se une de un modo difícilmente concebible. Claro, no por casualidad esta banda es una de las más importantes dentro del prog italiano, junto con PFM.
La suave obertura que tiene lugar en "In Volo" con la voz de Di Giacomo recitando dentro de atmósferas de flautas da lugar a "R.I.P.", de mucho mayor potencia, de riffs de guitarra más marcados y pulso ágil en su inicio, mostrando una creatividad tanto en las melodías como en los arreglos, que hacen brillar a todos los instrumentos, siendo uno de sus temas más conocidos del grupo. Las influencias de la música académica son muy notorias, sobretodo en la sección intermedia y final, donde el piano, la composición y la voz dan cuenta de una capacidad altísima. "Passaggio" es corto y más pausado, de melodía hermosa típicamente barroca. "Metamorfosi" retoma la fuerza del segundo tema, con gran protagonismo de la guitarra y los teclados, que suenan más majestuosos que nunca, que en ocasiones se vuelven frenéticos y oscuros, pasando a una sección lírica de altísimo nivel, densa y majestuosa. "Il Giardino del Mago" inicia con un piano de ensueños, que va tomando fuerza con la incorporación del bajo, la batería y los teclados, añadiédose las voces en un coro ciertamente oscuro e inquietante,, que se convierte en una épica pieza de un momento a otro. La guitarra eléctrica finalmente coloca el acento rockero. El juego melódico que realizan en los más de 18 minutos de extensión de este tema es notable y merecedor de aplausos incondicionales, desde momentos rápidos y vertiginosos hasta otros en que uno se olvida que está escuchando una banda de rock italiano y piensa simplemente que está ante un cuarteto de música de cámara. Finalmente "Traccia" es un tema rápido y corto, de dos minutos de duración (que bien puede asemejarse a un rondó, aunque mucho más corto) con coros y teclados fantásticos que culminan en una elegante salida, al más puro estilo sinfónico.
Una belleza de disco, un álbum fundamental en la colección de cualquier amante del rock progresivo con tintes añejos y absolutamente recomendado.

LINE-UP
- Gianni Nocenzi / clarinet, piano, keyboards, piccolo, vocals
- Pier Luigi Calderoni / drums
- Renato D'Angelo / bass, guitar, electric bass
- Francesco DiGiacomo / vocals
- Vittorio Nocenzi / organ, clarinet, keyboards, vocals
- Marcello Todaro / guitar, vocals, chitarrone

TRACKLIST
01.- In Volo
02.- RIP - Requiescant in Pace
03.- Passaggio
04.- Metamorphosi
05.- Il Giardino del Mago
06.- Traccia

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Nick Drake - Pink Moon (1972)

2008-12-24T19:00:00.001-03:00

Este fue el tercer y último trabajo de este cantautor inglés - último publicado en vida, por cierto - placa grabada solamente en guitarra y voz (aparte de un tema al que se le suma un piano). Las melodías por sí mismas resultan alegres y algo relajantes, pero por la voz se da un aire como de nostalgia, como de recuerdo, como de tristeza... incluso como de dolor. Del modo que se interprete este disco, resulta en líneas generales hermoso, melódico y musicalmente perfecto en mi gusto. Es uno de los discos que más me gusta dentro de toda la música que he escuchado, siempre poniéndome los pelos de punta con su voz y sus afinaciones tan particulares de la guitarra.
Para mí, simplemente, es un segundo diamante loco, tal como el ya mítico Syd Barrett. Absolutamente recomendado.

LINE-UP
- Nick Drake / guitar, vocals, piano.

TRACKLIST
01.- Pink Moon
02.- Place to Be
03.- Road
04.- Which Will
05.- Horn
06.- Things Behind the Sun
07.- Know
08.- Parasite
09.- Ride
10.- Harvest Breed
11.- From the Morning

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Oktober - Uhrsprung (1976) [Symphonic Prog, Alemania]

2008-12-24T00:48:00.003-03:00

La escena musical en Hamburgo en los años '70, como ya muchos sabrán, fue cuna para un sinnúmero de propuestas musicales, fundamentalmente dentro del krautrock. De ellas, hubo algunas que alcanzaron gran renombre, otras que tuvieron sus quince minutos de fama, y otras que simplemente pasaron al olvido de muchos. Creo que esta tercera categoría podría englobar bastante bien a Oktober, que fue una banda bastante underground, cuyo trabajo titulado "Uhrsprung" demuestra un sonido bien ácido, aunque con una estructura sinfónica, tanto en el ensamblaje de los temas como en las composiciones. Sus letras se basaban fuertemente en una postura política crítica ante varias instituciones, incluso al mismo Estado benefactor alemán.
Este trabajo - el primero que lanzaran - contiene una buena dosis de calidad melódica, aunque ensuciada por los timbres rústicos y violentos que expele.
El primer tema, que da nombre al disco, comienza con una compleja escala ascendente que da entrada a las voces, sección que me recuerda lejanamente a Gentle Giant, mostrando puntos fuertes en los arreglos de guitarra y teclado, aunque ciertamente faltó mayor trabajo de producción, cosa que se nota mucho en las intervenciones de sintetizador. "Familie" es otra pieza de gran atractivo melódico, con un hálito notoriamente burlesco, y de intrincados pasajes instrumentales, donde la flauta, los teclados, el bajo, la guitarra y las baterías se fusionan de forma más que correcta, armando una entretenida atmósfera.
Las alarmas encienden el tema "Schule"cuya introducción es la misma escala de "Uhrsprung", aunque luego viene una muy acompasada sección lírica. El histrionismo de su vocalista otorga a este tema - y al disco en general - un colorido mayor, siendo una pieza basante lúdica en sus matices, constituyendo uno de los temas que más me gustan. "Staat und Solidaritätslied" (o la Canción del Estado y la Solidaridad) muestra a un grupo muy preocupado de las armonías, en desmedro muchas veces de la melodía. Sin embargo, nuevamente es la vocalización - entre cantada, recitada y gritada - la que mayor consistencia al tema. Finalmente "Der Traums des Schmieds" entra en una densa cortina de sonidos, con voces que dialogan casi con hermosura con las flautas, pasando posteriormente a momentos más ágiles, cerrando con una cierta ambición épica en un pulso descendente.
El disco en general suena como un buen krautrock en muchos momentos, lo que impregan ese sello más "alemán" en el sonido, gracias a las distorsiones y los efectos sonoros. Todos los temas mantienen mucho atractivo a lo largo del álbum, mezclando la sutileza con la suciedad del rock de forma excelente en mi gusto. Recomendado!

LINE-UP
- Kalla Wefel / bass, guitar, vocals
- Peter Robert / organ, synthesizer, string ensemble, spinet
- Carl-F. Dörwald / vocals, flute, percussion
- Klaus-Peter Harbort / drums, percussion
- Hans-Werner "Hansi" Schwarz / guitar, percussion
- Pierre Meyn / guitar, bass
- Michael Iven / vocals, guitar, keyboards
- Brita Segebrecht / vocals
- Jürgen Hansen / drums

TRACKLIST
01.- Familie
02.- Schule
03.- Betrieb
04.- Staat und Solidaritätslied
05.-Der Traum des Schmieds

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Cherry Five - Cherry Five (1975) [Symphonic Prog, Italia]

2008-12-22T14:40:00.003-03:00

Hablar de Cherry Five nos trae de inmediato la imagen de Goblin, ya que tres de sus integrantes (Simonetti, Morante y Pignatelli) fueron fundadores de dicho proyecto. Cherry Five, por su parte, fue una banda que alcanzó a lanzar un solo disco, y fue ciertamente menos conocido que Goblin, pero su calidad resulta incuestionable.
Con un rock progresivo con alguna influencias de Yes, Cherry Five nos deleita con un sonido limpio y virtuoso, de teclados y guitarras muy bien logradas y composiciones melódicas y preciosistas. En mi gusto, ni siquiera las letras en inglés hacen perder esa fuerza "italiana" que colocan en las composiciones e interpretaciones.
El primer tema, "Country Grave-Yard" resulta entretenido, complejo y rápido (identificable con un "allegro"), con teclados ágiles y virtuosos acompañado de fuertes guitarras y una voz también melódica y con alta presencia, culminando con un cierre bien marcado por la música académica. "The Picture of Dorian Gray" pasa a una sección más acompasada (¿andante?), salvo las intervenciones que hace el teclado en pasajes muy cortos. La batería toma fuerza en este tema, ejecutada con destreza y llevando muy bien el ritmo. Los inicios tribales de la primera parte de "The Swan Is a Murderer" nos coloca nuevamente frente a un tema ágil y melódico, teniendo un interludio bien escabroso al final de esta primera parte y al inicio de la segunda. La densidad y la oscuridad se manifiestan hasta la entrada de la guitarra, el bajo y la batería, sección rítmica que va in crescendo y tomando toda su magniud con la intervención de los teclados, hermosos y siempre rápidos. También son los teclados que abren el tema "Oliver" en una ejecución poco convencional, marcándose mejor la melodía gracias a la guitarra. Éste debe ser el tema en que Simonetti hace su mejor trabajo en teclados, armando melodías, construyendo atmósferas y colocando arreglos de un modo excepcional, donde el bajo y la batería se lucen en el cierre. Finalmente lo más rescatable de "My Little Cloud Land" es el trabajo en las armonías y los arreglos, donde los instrumentos van jugando siempre a sobreponerse, en un diálogo increíble: baterías, sintetizadores, teclados, guitarra y bajo tienen sus pequeños momentos de protagonismo en virtuosos y bien elaborados pasajes instrumentales, dejando un cierre oscuro y violento.
En síntesis, Cherry Five nos deleita con un disco que va tomando fuerza constante en su desarrollo, con marcados acentos sinfónicos y muy fuertes en todos sus arreglos y ejecuciones, tanto instrumentales como vocales. La semilla entonces estaba ya colocada para formar a Goblin, pero eso ya es otra historia. Recomendado!

LINE-UP
- Claudio Simonetti / keyboards
- Massimo Morante / guitars
- Fabio Pignatelli / bass
- Tony Tartarini / lead voice
- Carlo Bordini / drums, percussion

TRACKLIST
01.- Country Grave Yard
02.- The Picture of Dorian Gray
03.- The Swan is a Murderer Part 1
04.- The Swan is a Murderer Part 2
05.- Oliver
06.- My Little Cloud Land

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King Crimson - Discipline (1981) [Eclectic Prog, U.K.]

2008-12-20T16:32:00.004-03:00

Luego de varios años de receso, la tercera etapa de King Crimson se viene con una nueva formación, entrando Tony Levin a reemplazar a John Wetton en el bajo, sumándose además un cuarto integrante: Adrian Belew, quien acompañaría a Fripp en las guitarras y colocando además la voz líder del grupo; Bill Bruford se mantendría como baterista en esta etapa.
"Discipline" es el primer disco de estudio de la trilogía ochentera de Crimson (luego vendrían "Beat" y "Three of a Perfect Pair"), y el mejor de esta época en mi gusto, ya que su sonido no alcanza a manifestarse tan "plástico" como los dos que seguirían.
El álbum abre con un frenético "Elephant Talk", genial pieza de una gran maestría, con una interesante base rítmica y melódica, a la que Belew coloca notables vocalizaciones, armando atmósferas tensas y bien logradas. "Frame by Frame" sigue en la misma línea, con arreglos instrumentales ágiles e hipnóticas guitarras; "Matte Kudasai" y sus aires más densos quiebra en buena medida el sonido que se venía entregando con pulso pausado y predominancia de las líricas; "Indiscipline" comienza con una caótica intro, pasando a secciones más "oreja". Dos pequeños pasaje recitados que van in crescendo culminan con un desarrollo instrumental increíble, casi experimental, donde las guitarras y la batería se lucen espléndidamente. "Thela Jun Ginjeet" mantiene el mismo sonido de guitarra de los primeros temas, y no muestra muchas novedades respecto de lo que ya venía sonando en el disco. "The Sheltering Sky" es quizá el tema más hipnótico del disco, incluso llegando a ser "relajante", con efectos de guitarra que colocan al oyente en una especie de trance de más de ocho minutos. Finalmente con "Discipline" no podíamos esperar un tema experimental: en efecto, el trabajo en equipo es fantástico, casi como si no se pudieran separar los instrumentos ejecutantes, muy bien estructurado y sincronizado por parte del grupo (al menos Fripp, Belew y Levin, pues la participación de Bruford es escasa, sobretodo al principio).
Con todo, tenemos un disco que poco varía entre cada tema - salvo Matte Kudasai y The Sheltering Sky - aunque difícilmente pueda aburrir al oyente, pues los arreglos y las composiciones son bien amenas, sobretodo en las seciones instrumentales (que abundan). Sin ser algo extraordinario aportado por Fripp y secuaces, constituye largamente el mejor registro de estudio de los años '80 por parte de ellos. Imprescindible de escuchar.

LINE-UP
- Adrian Belew / guitar, vocals
- Bill Bruford / drums
- Robert Fripp / guitar, devices
- Tony Levin / Stick, basses, backing vocals

TRACKLIST
01.- Elephant Talk
02.- Frame by Frame
03.- Matte Kudasai
04.- Indiscipline
05.- Thela Hun Ginjeet
06.- The Sheltering Sky
07.- Discipline

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Satin Whale - Desert Places (1974) [Prog Related, Alemania]

2008-12-20T01:38:00.003-03:00

Satin Whale fue una banda alemana que en alrededor de diez años - desde su primera reunión hasta su separación definitiva - consiguió cierto éxito en la escena rockera de dicho país, siendo éste su disco debut, y el que les abrió las puertas a la "fama". Sus influencias más claras vienen de la mano de Cream y Jethro Tull, lo cual se nota con mucha fuerza en el primer tema que da nombre al disco, con un uso de la flauta muy al estilo de Ian Anderson. "Desert Places" es una pieza de art-rock con claras influencias del jazz y del krautrock, manteniendo además ciertas melodías "pop" que entregan un fruto solidísimo. Las guitarras eléctricas suenan además con toques de blues psicodélico en algunas secciones instrumentales, ganando en colorido y brillo. "Seasons of Life", si bien comienza de manera algo floja, desata una gran cantidad de sonidos psicodélicos y ácidos a continuación, dejando espacio para que todos los instrumentos entreguen su cuota de virtuosismo, mostrando incluso repentinos cambios en los ritmos. "Remember" y su inicio con una distorsionada guitarra nuevamente deja un espacio un poco bajo con el caracoleo del teclado, aunque pronto las cosas se arreglan con la entrada de la guitarra, llegando en los pasajes centrales del tema a algunos arranques de improvisación que siempre son bienvenidos. "I Often Wondered" concentra un sonido más influido por el jazz, el blues y el hard rock, aunque más trabajado en las armonías que en las melodías. Finalmente los trece minutos de "Perception" muestran al grupo en todo su esplendor creativo, con largos pasajes improvisados, nuevamente siendo la guitarra la que consigue mayor brillo, a pesar de no quedar exento de elogios la batería y el teclado, que en ocasiones logran un diálogo maravilloso en variados ritmos - nuevamente: jazz (más marcado hacia el final), psyche y blues - que van armando un contraste muy interesante.
El disco en sí es bastante bueno en mi parecer, teniendo temas como los dos primeros y el último que nada podrían envidiar a grandes bandas progresivas, teniendo la salvedad de que para el año de su lanzamiento el sonido ya era bastante reconocible, no entregando muchas novedades dentro del rock. Como sea, me parece que como disco debut - aún no podría decir nada respecto de sus trabajos posteriores, pues no he tenido oportunidad de oírlos - es solidísimo, de geniales composiciones y muchos mejores arreglos. Altamente recomendado, sobretodo para los amantes del blues y la psicodelia.

LINE-UP
- Thomas Brück / bass, vocals
- Gerald Dellmann / keyboards
- Dieter Roesberg / guitars, saxophone, flute, vocals
- Horst Schöffgen / drums

TRACKLIST
01.- Desert Places
02.- Seasons Of Life
03.- Remember
04.- I Often Wondered
05.- Perception

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FSB - Non Stop (1977) [Eclectic Prog, Bulgaria]

2008-12-17T13:22:00.003-03:00

Formation Studio Balkanton, llamado comúnmente "FSB", fue una banda oriunda de Bulgaria que trabajó, principalmente en sus primeros discos, el rock progresivo tanto en temas propios como en versiones nuevas de bandas clásicas.
"Non Stop" se titula su disco debut, el cual tiene cuatro temas compuestos por el grupo y otros cuatro de origen ajeno, aunque en versiones bastante atractivas. Sobresalen - y son las que puedo reconocer más fácilmente - tres versiones de temas de Gentle Giant, y una que hasta ahora no he podido reconocer (Ten Years After) aun habiéndola escuchado antes.
El disco comienza con "Dynamic", de un modo casi sinfónico y con ciertas atmósferas espaciales y jazzísticas, mezcla que entrega un atractivo mayor. El sonido lo sostienen los teclados y sintetizadores en gran medida, escuchándose percusiones bien amenas, no brillando precisamente ninguna voz - de hecho, las cortas secciones cantadas suenan exclusivamente a coro).
Luego vienen algunas versiones que hicieran de otros grupos: "Power and the Glory" suena en una versión instrumental bien agradable y de un excelente resultado sonoro, brillando nuevamente los teclados, sintetizadores y Hammond. "Ten Years After" suena de un modo más denso - con influencias del prog italiano en mi parecer - con un mellotron que se conjuga bastante bien con el sonido de la guitarra acústica, y un interludio bien a la italiana, con un hermoso teclado y vientos. La versión de "Free Hand" al igual que el segundo track, no contiene letras, sino que tiene arreglos únicamente instrumentales, en otra versión de bastante buen sonar. "Reflection" suena también en una versión más acompasada e instrumental, aunque se agregan algunos coros que tratan de fusionarse con el resto de la instrumentación.
"Green Door", de autoría propia, aparece como un tema melódicamente poco atractivo en mi gusto, pero con arreglos que bien valen la pena ser escuchados varias veces. En general uno de los puntos más altos en estos señores se encuentra en el trabajo de las armonías, que hacen sonar todo lo que hacen de manera excelente.
Luego "My Town" hace gala de una expresión más lenta, con un mellotron que hace que el tema vaya "in crescendo" hasta la incorporación del saxo, de buena ejecución. Finalmente "Intermezzo" recupera todo lo ameno que puede ser el sonido de FSB, resultando bien complejo y de pulso muy ágil, dándose apenas algún descanso antes de unirse el saxo, que con algunas improvisaciones entrega aires más jazzeros, para culminar con una colosal sección.
Por lo que he leído de este grupo, hasta ahora sigue siendo reconocido como el más clásico representante del rock en Bulgaria, a pesar de no seguir activos - al menos lanzando discos - desde la separación de dicho país de las URSS. Disco bien recomendable y entretenido, realmente me encantó escuchar la gran mayoría de sus temas. Disfrútenlo.

LINE-UP
- Roumen Boyadjiev / synthesizers & Mellotron, vocals, acoustic guitar, percussion
- Konstantin Tsekov / electric & acoustic pianos, Hammond, Mellotron, Clavinet, & harpsichord, vocals
- Alexander Baharov / electric bass, backing vocals
- Peter Tsankov / drums & percussion
- Boris Dinev / percussion
- Angel Veznev / saxophones

TRACKLIST
01.- Dynamic
02.- Power & the Glory
03.- Ten Years After
04.- Free Hands
05.- Reflection
06.- Green Door
07.- My Town
08.- Intermezzo

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Garybaldi - Nuda (1972) [Symphonic Prog, Italia]

2008-12-09T02:36:00.003-03:00

Garybaldi fue un grupo de corta duración formado en Génova, y cuyo sonido puede caracterizarse con la típica estructura italiana en sus composiciones, con arreglos más pesados entregados fundamentalmente por la guitarra, que lo hace sonar algo "heavy". Alcanzaron a publicar dos discos de estudio: el debut "Nuda" y posteriormente "Astrolabio" que generalmente opaca un tanto al trabajo que ahora presentamos, a pesar de ser incomparables en mi gusto, por las distintas inspiraciones que generaron ambas placas. Cabe acotar que antes ya habían lanzado otro disco, aunque no bajo el nombre de Garybaldi, sino de "Gleeman" en 1970, y posteriormente sacarían otro disco en 1990, bajo el rótulo de "Bambi Fossati& Garibaldi".
Este disco para mi gusto incorpora los dos matices que tanto me gustan y atraen del progresivo itálico: las composiciones bien trabajadas y el sonido más rockero que impregnan en sus timbres, en un estilo parecido a bandas como J.E.T. o The Trip, con claras influencias de Jimi Hendrix.
El primer tema (Maya Desnuda) efectivamente comienza con una ácida guitarra para desarrollar posteriormente un sonido bien setentero al estilo de Hendrix en un pulso bastante ágil, pasando a un corto tema de casi dos minutos (Descomposizione, Preludio e Pace) pleno de guitarras y distorsiones que generan atmósferas de caos y de incomodidad, muy bien logradas por cierto, para entrar en una pieza bastante más cálida con "26 Febbraio 1700", muy acogedor y asimilable al oído dada su estructura de balada, con mayor presencia de teclados y con una voz de registro bajo que se entremezclan bastante bien. "L'Ultima Graziosa" retoma la fuerza del track inicial, en otro entretenido tema de buenas guitarras y batería, haciendo hacia el final un juego con los teclados que resalta bastante dentro de esta pieza.
Luego el disco pasa a "Moretto da Brescia", dividida en tres partes unificadas en la estructura típicamente italiana de Introducción, Intermedio y Conclusión, emulando así una pieza sinfónica, aunque de corta duración. Esto ya se nota en la entrada de "Goffredo", que abre esta sección con un diálogo más equilibrado entre guitarra y teclado, jugando más con los cambios de ritmo y atmósferas variopintas. "Il Giardino del Re" desarrolla pasajes más calmos, que dan la sensación de que al estar a punto de perder la fuerza, se lanzan con todo el brillo que saben conseguir, haciendo al final un jugueteo instrumental parecido al de Goffredo. Finalmente la dulce entrada "Dolce Come Sei Tu" va agarrando mayor vuelo hacia el final, de forma bien pareja, hasta conseguir una suerte de catarsis casi al llegar a los tres minutos, con la incorporación de la guitarra eléctrica.
En el artwork desarrollado por Guido Crepax podemos hallar un cómic de sensuales imágenes que van tomando versos de distintos temas del disco, constituyendo un atractivo aparte para los fanáticos (de hecho, el artwork original es desplegable en tres partes).
Un disco que me ha gustado mucho, que he oído incontables veces ya, y que no puedo dejar de compartir dada su calidad, que me ha fascinado, a pesar de no ser nada del otro mundo para muchos. Como sea, me parece digno de atención y difícilmente criticable en cuanto a su composición. Recomendado!

LINE-UP
- Bambi Fossatti / guitars, viola, vocals
- Angelo Traverso / bass
- Maurizio Cassinelli / drums, percussions, harmonica, vocals
- Lio Marchi / keyboards, mellotron

TRACKLIST
01. Maya Desnuda
02. Decomposizione, Preludio E Pace
03. 26 Febbraio 1700
04. L'Ultima Graziosa
05. Moretto Da Brescia:
- a. Goffredo
- b. Il Giardino Del Re
- c. Dolce Come Sei Tu

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Vantasma - Beyond Fallen Dreams (2006) [Neo Prog, Indonesia]

2008-12-08T01:57:00.005-03:00

Vantasma es una banda formada en Indonesia que originalmente se llamó "Voltaire" en 1999, cambiando su nombre a "Vantasma" dos años después. Tras diversas salidas e incorporaciones, recién en el año 2006 logran sacar su álbum debut: "Beyond Fallen Dreams", el único que han sacado hasta ahora, siendo el único grupo indonesio en explorar rincones del neo-prog. Su música puede considerarse en la línea de IQ o Pendragon, con claras influencias de Marillion en su etapa de Fish, además teniendo algunas líneas de metal.
El primer tema del disco titulado "Timeless Pray" abre con marcados riffs de guitarra, pasando posteriormente a una corta y entretenida introducción antes de la entrada de la voz de Opik. La guitarra, el bajo y las voces son, en mi gusto, los sostenedores del sonido en casi todo el disco, lo cual queda patente en este primer tema. "Save Our Land", el tema más largo del disco con más de trece minutos de extensión, entrega unos arreglos maravillosos (qué teclados!), con gran trabajo instrumental y de atmósferas coloridas y brillantes, siendo para mi gusto el mejor tema del disco. "Time Before de Time" es uno de los temas que más fácilmente pueden asimilarse, de ritmo pausado y de teclados y guitarras en un esplendor magnífico. "Temple of the Sun" prosigue con un inmenso trabajo instrumental, de melodías épicas y suaves que van creciendo en intensidad y agilidad, mostrando también una de las mejores interpretaciones de Opik, con altísimos gritos. La labor en los armónicos en "Nightmare" muestran una nueva textura del grupo, realizando un trabajo algo más complejo en los ritmos principalmente entre 1:30 y los 3:00 aproximadamente. Finalmente "Trial of a King" retoma los aires más ligeros del primer tema, con melodías mucho más amenas y entretenidas, manteniendo un altísimo nivel de calidad en sus composiciones y cerrando con un profundo teclado que acompaña el alto registro de Opik, en una salida magnífica.
Disco pleno de texturas y colores, que más de alguna vez hacen recordar al oyente algunos pasajes de Genesis o Camel, aunque la veta de Marillion es sin duda la más patente de todas. Recomendado.

LINE-UP
- Gaga / drums & percussions, backing vocals
- Opik / vocals
- Edi / guitars
- Jacky / guitars
- Gig / bass, backing vocals
- Welly M. Siahaan / keyboards, backing vocals

TRACKLIST
01.- Timeless Pray
02.- Save Our Land
03.- Time Before The Time
04.- Temple On The Sun
05.- Nightmare
06.- Trial Of A King

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Werwolf - Creation (1982) [Symphonic Prog / Prog Folk, Alemania]

2008-12-08T00:13:00.006-03:00

Werwolf fue una banda alemana que inició sus andanzas en la música ya el año 1970, y que en 1979 alcanzó a lanzar un demo con tres temas, de escasa circulación. Tras algunos intentos de conseguir un sello que los acogiera, decidieron autoproducir este disco, el único que lanzaran, publicado en 1982 con mil ejemplares. Esta edición de CD toma justamente estos dos trabajos, el disco propiamente tal y los tres temas de su demo de 1979, añadidos como bonus-tracks.
Este disco puede clasificarse tanto como progresivo folklórico como sinfónico, pues si bien los matices folk pueden notarse en muchos de sus pasajes, la estructura general del disco y sus composiciones nos hablan de un trabajo basado en la música académica.
Fuera de todo esto, encontramos aquí temas de gran desarrollo instrumental, como la apertura de "Höhenflug" y sus descollantes manifestaciones orquestales, armando atmósferas de afanes colosales. El segundo corte titulado "Die Reise Ins Land Der Flugschweine" también merece muchísima atención, pues no solamente estremece con sus líneas instrumentales (guitarra acústica y eléctrica, efectos electrónicos y teclados brillan por sí mismos) y con sus variadas melodías, sino además es donde la voz de Gitta Loewenstein aparece en su mejor interpretación de todo el disco. El tercer tema resulta correcto, sin mayores brillos salvo ciertos pasajes donde los teclados arman un buen diálogo con la guitarra eléctrica. "Daydream" es quizá el que manifiesta la mayor influencia académica en el grupo, y uno de los más interesantes también, sobretodo por su composición. Saltándonos "The Game Is Over", el tema más plano de todos, nos encontramos finalmente con "Der Achte Tag", que con sus sonidos de tormenta nos encierra en un círculo muy ameno y de melodías ágiles y livianas, cerrando el disco de forma precipitada, enérgica y abrupta.
Los bonus son simplemente arrolladores, un tremendo agregado para el disco: las atmósferas pueblerinas y envolventes de "The Song" se unen con el folk de "My Story" y sus dramáticos pasajes, culminando con el entretenido "The Dreamer"; cabe señalar que en estos dos últimos temas encontramos interpretaciones geniales de Gitta, con una voz mucho más sólida.
En fin, "Creation" es un disco que une dos hermosas vertientes del progresivo de forma más que correcta, donde se nota además que el ensamblaje como grupo es muy consistente, aprovechando la madurez que les dieron sus más de diez años juntos antes de este lanzamiento. Sin ser tampoco una placa imprescindible de escuchar para muchos, me atrevo a recomendarlo sin más. Disfrútenlo.

LINE-UP
- Peter Besting / drums, vocals
- Gerd Heuel / guitar
- Burkhard Huckstein / bass
- Wolfgang Unthan / keyboards
- Gitta Loewenstein / vocals
GUESTS:
- Luis Lopes / vocals, rhythm guitar on "Way to Paradise" and "Höhenflug"
- Jürgen Göckler / organ solo on "Way to Paradise"

TRACKLIST
01.- Höhenflug
02.- Die Reise ins Land der Flugschweine
03.- Way to Paradise
04.- Daydream
05.- The Game Is Over
06.- Der Achte Tag
07.- The Song [bonus]
08.- My Story [bonus]
09.- The Dreamer [bonus]

PARTE 1
PARTE 2
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Kebnekaise - Resa Mot Okänt Mål (1971) [Prog Folk / Blues Rock, Suecia]

2008-12-03T13:16:00.003-03:00

Kebnekaise fue una de las primeras propuestas dentro del progresivo en las tierras suecas, realizando durante sus años de existencia discos de variadas tendencias musicales, siendo reconocidos preferentemente por el progresivo folklórico que hicieron en su discos II y III. Éste, su álbum debut, muestra un carácter definidamente más rockero y blues, aunque dejando entrever un cierto gusto por sonidos folk.
El disco abre con "Tänk På Livet", entretenido tema a pesar de su simplicidad melódica. Pero lejos los pasajes más intensose viven entre el segundo y cuarto tema: "Frestelser I Stan" con sus fuertes guitarras - que sostienen en buena medida el sonido del grupo - y sus inquietantes escalas nos dan una aproximación a un tema menos estructurado y libre. "Orientens Express" manifiesa cortamente un estilo más cercano al folk, de una melodía amena y más típicamente sueca, pasando al tremendo "Resa Mot Okänt Mål", que inica de forma bastante tensa, y en sus siete minutos de extensión coloca al oyente en una catarsis del absurdo, con esas vocecitas que dan entre risa y pavor. "Jag Alskar Sommaren" no entrega mucha novedad al disco, siendo un tema bien plano en mi gusto. Con el instrumental "Förberedelser till Fest" esta banda vuelve a adentrarse en exquistas mezclas de rock, folk y blues, en el que quizá sea el tema de pulso más rápido del disco. Finalmente "Kommunisera!", sin ser especialmente brillante, otorga al disco una salida de buen nivel con su sección instrumental, nuevamente protagonizada por la guitarra de Kenny Håkansson.
Reitero: no es el mejor disco de Kebnekase, aunque sí es un inicio más que prometedor, que se vería redondeado por sus dos trabajos siguientes. Aun así, este disco me ha agradado mucho, representando una de las tantas vetas de esta multifacética banda.

LINE-UP
- Gunnar Andersson / chorus
- Pelle Ekman / drums
- Mats Glenngård / chorus
- Kenny Håkansson / guitar, vocals
- Pelle Lindström / chorus
- Bella Linnarson / bass
- Tomas Netzler / chorus
- Rolf Scherrer / guitar

TRACKLIST
01.- Tänk på livet
02.- Frestelser I stan
03.- Orientens express
04.- Resa mot okänt mål
05.- Jag älskar sommaren - solen och varma vindar
06.- Förberedelser till fest
07.- Kommunisera!

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Popol Vuh - Hosianna Mantra (1972) [Krautrock/ Ambient, Alemania]

2008-11-21T04:12:00.003-03:00

El tercer lanzamiento de estudio de Popol Vuh muestra a un ya consagrado Florian Fricke en una veta madura, concentrando un sonido conmovedor, épico, solemne, elegante y completamente espiritual, con timbres suaves y compases lentos, sin la resplandeciente acidez de sus primeros trabajos. Las manifesaciones etéreas se hacen presentes ya desde el primer track, dando un sonido altamente inspirado, de pasajes hipnóticos y arabescos en ciertos momentos, de voces cálidas y una variada cantidad de teclados que se consagran en un "todo" de excelente escucha. Salvo algunas intervenciones de guitarra eléctrica, el disco carece de instrumetos eléctricos, lo cual le da un toque mágico. Los pasajes que conjugan el oboe y las voces son estremecedores, y fácilmente uno puede dejar sonando este disco varias veces sin molestia alguna. Uno de los mejores discos - en mi parecer - de Popol Vuh, apenas comparable a "Aguirre" o a "Nosferatu", otras de sus obras más reconocidas.
En síntesis, un disco para disfrutar de principio a fin, de un aire pausado y letárgico, capaz de conmover a cualquiera. Altamente recomendado.

LINE-UP
- Florian Fricke / piano, harpsichord
- Conny Veit / guitar
- Robert Eliscu / oboe
- Djong Yun / vocals
- Klaus Wiese / tambura
- Fritz Sonnleitner / violin

TRACKLIST
01.- Ah!
02.- Kyrie
03.- Hosianna Mantra
04.- Abschied
05.- Segnung
06.- Andacht
07.- Nicht hoch im Himmel
08.- Andacht
09 - Maria (Ave Maria) [bonus]

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Prosper - Broken Door (1975) [Krautrock, Alemania]

2008-11-19T01:01:00.003-03:00

Prosper fue una banda alemana nacida en la desconocida ciudad de Bottrop, cuyo paso por la escena krautrock fue bastante poco reconocida. Con un sonido influido por el jazz-rock, el canterbury y la psicodelia, este grupo supo colocar sonidos bien frescos a la parrilla en éste, su disco debut, luego de haber estado componiendo durante dos años y haber tenido que auto-producir este lanzamiento (con 500 ejemplares).
El disco abre con "Beginning", tema de sonidos épicos al comienzo entregados por el mellotron, mezclando el jazz rock con ciertos tintes psicodélicos más tarde en sus pasajes más enérgicos, culminando con un elegante sonido jazzístico. Más tarde en "Burning in the Sun" el pulso se vuelve más pausado, en un corto tema de dos minutos basado en guitarra acústica y la voz correcta de Fey.
"Broken Door", otro de los temas que más sobresale en el disco, vuelve con tempos dispares llevados magistralmente por la batería, además de una guitarra en un estilo similar al de McLaughlin, que contrasta brillantemente con las secciones de canto, adornadas de un exquisito mellotron. "Dance of an Angel" muestra un estilo muy similar al de Isotope, en un instrumental de tres momentos y que en su máxima expresión consigue unir muy bien la pausa y la aceleración rítmica, en otra pieza de alto interés. "Your Country" escapa un poco del sonido protagónico del disco, en un tema más rockero y previsible, aunque con arreglos espectaculares, con dos guitarras que se complementan de gran forma, abriendo terreno para un "Birds of Passage" muy calmo y acústico, con excelentes arreglos armando una atmósfera sutil y acompasada. El frenético solo de batería de "Master's Inspiration" nos entrega algo de improvisación antes de entrar a los aires etéreos de "Where the Sun Touches the Water", que abre con un envolvente sonido de viento, en el cual comienza a armarse un tema de bases jazzeras que van in crescendo hasta el final, nuevamente con este viento sobrecogedor.
Disco de escasa circulación, y que sólo gracias al sello "Garden Of Delights" pudo ver la luz el 2003 en formato CD. Muy recomendado para los fans del krautrock, del jazz-rock y el canterbury.

LINE-UP
- Evert Brettschneider / guitars
- Fritz A. Fey / guitars, vocals
- Ernst Müller / keyboards
- Mathias Geisen / bass
- Friedhelm Misiejuk / drums, percussion

TRACKLIST
01.- Beginning
02.- Burning in the Sun
03.- Broken Door
04.- Dance of an Angel
05.- Your Country
06.- Birds of Passage
07.- Master's inspiration
08.- Where the Sun Touches the Water

PARTE 1
PARTE 2
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Spirogyra - Bells, Boots and Shambles (1973) [Prog Folk, U.K.]

2008-11-17T00:07:00.000-03:00

Spirogyra es fue una banda de corta duración, que lanzó solamente tres discos, debutando con "St. Radigunds"en 1971, continuando con "Old Boot Wine" el 72 y finalizando con éste, al año siguiente. Sus tres discos muestran sonidos similares y en un nivel alto y parejo, sin sobresalir demasiado uno del otro. Llama la atención la participación en baterías de dos grandes del progresivo: Bill Bruford y Dave Mattacks (este último de Fairport Covention), quienes también estuvieron presentes como invitados en sus dos lanzamientos anteriores.
El disco abre con un hermoso "The Furthest Point", de tintes acústicos acompañado de implacables vientos (flauta, trompeta) que generan un diálogo digno de elogios. La entrada de la voz de Barbara Gaskin en este tema resulta absolutamente conmovedora, abriendo una sección inolvidable para mis oídos. "Old Boot Wine" es una apacible pieza de suaves y agradables timbres, que bien pudieron haber sido los que cerraran el disco anterior. El cello de John Boyce brilla aquí entregando una sensación de nostalgia, de pasado. Increíbles momentos!
"Parallel Lines Never Separate" es una pieza más entretenida y ligera, aunque igualmente menos atrayente, salvo por las intervenciones de la voz de Gaskin en los coros, y los dulces sonidos de la flauta. "Spiggly" es una corta pieza de influencias barrocas, que bien pudo haber sido un tema de gran peso dentro del disco si hubiese resultado más extenso: flauta, guitarra y voces se ensamblan de manera muy armoniosa, llevando al oyente por un muy cortos momentos a las calles británicas del siglo XV. "An Everyday Consumption Song" mantiene un sonido muy similar, destacando fuertemente la voz - nuevamente - de Gaskin, que consigue unos maravillosos y limpios tonos altos. Luego de un tema para olvidar (The Sergant Says, no porque sea malo precisamente, pero sino porque opaca la limpieza del disco entregada hasta el momento) viene un "In the Western World" de más de trece minutos de duración, poseedor de una conmovedora fuerza, gran interpretación e inspiración y ricos matices entre sus diversas partes, que bien pudo haber resultado en un disco por sí solo con una mayor trabajo, siendo otra de las destacadas piezas de la placa.
Sin lugar a dudas, Spirogyra es una banda algo subvalorada dentro del género progresivo, y que si bien no son imprescindibles ni dejaron tanta huella, lograron tener un sonido limpio con una idea clara en su música, lo cual resalta en casi todos los pasajes de este álbum. Recomendado!

LINE-UP
- Steve Borrill / bass
- Martin Cockerham / guitar, vocals
- Barbara Gaskin / lead vocals
Guest musicians:
- Dave Mattacks / drums
- Julian Cusack / violin, keyboards
- Steve Ashley / flute
- John Boyce / cello
- Henry Lowther / trumpet
- Stan Sulzman / flute
- Bill Bruford / drums

TRACKLIST
01.- The Furthest Point
02.- Old Boot Wine
03.- Parallel Lines Never Separate
04.- Spiggly
05.- An Everyday Consumption Song
06.- The Sergant Says
07. -In the Western World
Part 1: In the Western World
Part 2: Jungle Lore
Part 3: Coming Back
Part 4: Western World (Reprise)

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Malibran - Oltre L'Ignoto (2001) [Symphonic Prog, Italia]

2008-11-16T22:04:00.000-03:00

Malibran fue uno de los tantos proyectos del rock progresivo que apareció en la década de los 90, para dar una nueva fuerza a este género, con nuevas melodías y menteniedo cierto encanto del estilo clásico setentero. Este trabajo, su séptima producción de estudio, nos provee de una frescura y creatividad melódica bien fuerte, incluso mayor que sus primeros lanzamientos, reconocidos generalmente como sus mejores obras.
El disco abre con "Si Dirà di Me" resulta una pieza de gran hermosra, de buen trabajo instrumental, fundamentalmente de los teclados, y acentuados con los instrumentos de viento, resultando en mi gusto el tema de más alto nivel de la placa, con una final magnífico y épico, con una guitarra soberbiamente interpretada.
La suave entrada de "Oltre L'Ignoto" (algo así como "Más Allá de lo Desconocido") abre una tranquila y acompasada sección plena de bellas armonías y una dulce voz, concentrando un sonido casi de ensueños. La corta "L'Incontro" toma un sonido muy acústico y manteniendo mucha tranquilidad, consiguiendo un encuentro muy íntimo con el oyente, aun sin ser nada espectacular musicalmente hablando, lo mismo que "Cerchio Mobile", que muestra a un grupo que sabe manejar muy bien las armonías, pero sin ser precisamente una pieza arrolladora. "La Via d'Acqua" retoma el aire de "L'Incontro", en un tema acústico, instrumental y muy bello, de sugerentes flautas que arman la armonía, aire similar además a "Verso Sud"; "Mare Calmo" sigue en la línea acústica y delicada, aunque personalmente no me atrajo mucho, sobretodo en las intervenciones de los sintetizadores.
Finalmente "In Viaggio", el tema más extenso con sus más de catorce minutos, desarrolla un rock melódicoy optimista, de geniales ejecuciones y buenos matices, incluyendo secciones de relativa complejidad y más "lúdicas".
En resumen, un disco de muy buen nivel, con temas de genial inspiración como los dos primeros y el final, acompañados de dulces y cortas secciones, que sin brillar demasiado, entregan aires apacibles y cercanos. Muy buen trabajo de producción, por lo demás. Recomendable.

LINE-UP
- Giancarlo Cutuli / flute, piccolo, sax
- Jerry Litrico / electric guitar
- Angelo Messina / electric bass
- Alessio Scaravilli / drums, percussion
- Giuseppe Scaravelli / lead vocals, acoustic, electric, slide & wah-wah guitars, flute (4),
all instruments (3-5-6)
- Benny Torrisi / piano, synthesizers
WITH:
- Vito Germenà / violin (2-3)
- Antonia Longo / cello (2-3)

TRACKLIST
01.- Si dirà di me
02.- Oltre l'ignoto
03.- L'incontro
04.- Cerchio mobile
05.- La via d'acqua
06.- Verso Sud
07.- Mare calmo
08.- In viaggio

PARTE 1
PARTE 2
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Anderson Bruford Wakeman & Howe - Brother of Mine {Single} (1989) [Symphonic Prog, U.K.]

2008-11-15T01:24:00.000-03:00

En 1988 muchos de los ex integrantes de Yes habían estado trabajando en solitario, con sus egos por los cielos. En este contexto, Jon Anderson decidió reunir a alguns de los músicos de la etapa dorada de Yes, resultando en cuatro monstruos del progresivo: Anderson, Bruford, Wakeman y Howe, usualmente llamados ABWH (no pudiendo trabajar bajo el nombre de Yes debido a la oposición que puso Chris Squire), que con ideas frescas se lanzaron a realizar su disco homónimo, editado en 1989. Su tema central - Brother of Mine - fue entonces publicado primeramente como single.
Este tema es justamente el que abre el EP, y para mi gusto es de lo mejor que presenta el álbum: una presencia de la voz de Anderson en gran nivel y tratando muy bien las melodías, un Wakeman que otorga un gran brillo armónico, un Howe que figura protagónicamente en los momentos precisos y un Bruford que, sin brillar demasiado, coloca una excelente base rítmica.
Luego de esta hermosa pieza sigue "Themes", un tema menos ameno al oído, aunque no menos atractivo con su pulso más disonante y unos arreglos de maravilla, figurando de mejor modo la batería de Bruford. Finalmente, el inédito "Vultures of the City", mucho más pausado que los dos temas anteriores, con una voz de Anderson más apagada, pero con un tratamiento instrumental de altísimo nivel.
A fin de cuentas, no podíamos esperar menos de estos colosos del rock progresivo, para mi gusto gran parte de la "esencia" del Yes setentero, el Yes de "Fragile", el Yes que nos gusta a todos aunque, paradójicamente, sin su nombre.

LINE-UP
- Jon Anderson / vocals
- Bill Bruford / drums
- Steve Howe / guitar
- Rick Wakeman / keyboards
With:
Matt Clifford - keyboards, programming, orchestration, vocals
Tony Levin - bass, stick bass, vocals
Milton McDonald - rhythm guitar
The Oxford Circus Singers (Deborah Anderson, Frank Dunnery, Carol Kenyon, Tessa Niles) - backing vocals

TRACKLIST
01. Brother of Mine (single version)
02. Themes
a) Sound
b) Second Attention
c) Soul Warrior
03. Vultures in the City

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The Trip - Caronte (1971) [Symphonic Prog, Italia]

2008-11-14T02:02:00.001-03:00

The Trip fue una de las tantas bandas italianas que construyeron su obra en base a influencias del rock, folk, jazz y música académica, y que si bien comenzaron con un primer disco bastante psicodélico (trabajo homónimo de 1970) fueron cambiando sus sonidos a lo largo de sus cuatro publicaciones de estudio. Este disco, llamado así por el barquero Caronte presente en la entrada del infierno de Dante Alighieri, mantiene una estructura de rock sinfónico, aunque todavía con muchas influencias psyche, principalmente en los arreglos y los timbres.
En "Caronte", si bien hallamos un disco típicamente italiano en cuanto a macro-estructura (duración, composición, etc.) encontramos algo diferente a las nebulosas composiciones que típicamente se hacían en Italia en aquellos tiempos, fundamentalmente por una mayor agilidad en el pulso de sus piezas; por lo demás, algunos inegrantes del grupo eran de origen británico, por lo que la influencia de esas tierras también quedó marcada en cierta medida, como sucedió con las letras. Aun así, este disco ha sido considerado una de las mejores obras de The Trip, junto con su disco "Atlantide" de 1972.
El disco abre con la primera parte del tema que le da nombre: una épica pieza de ritmos rápidos y de gran brillo, con una presencia de teclados amenos que van muy de la mano con la batería, enérgica en una medida muy justa, además de una mezcla muy atractiva cuando comienza a entrar la guitarra con mayor protagonismo. "Two Brothers" comienza con varios efectos - frenos, pasos en una sensación de desastre - que dan paso a una atractiva pieza de buen ritmo, de timbres ácidos y de buenos coros. Luego, el tema más débil en mi gusto: los cuatro minutos de "Little Janie" una balada de paso simple y sin mayor atractivo musicalmente hablando. "L'Ultima Ora E Ode a J. Hendrix" nos coloca nuevamente ante un buen tema, bien pausado y que va constantemente "in crescendo", con buenos pasajes instrumentales - brillando nuevamente los teclados y la guitarra - finalizando con una majestuosa sección instrumental. Para cerrar el álbum, la segunda parte de "Caronte" entrega un tema de controlada fuerza y melodía de gran carácter, con ciertos aires crimsonianos gracias a la guitarra, y con una magnífica batería, que sostiene el ritmo de gran forma.
Si bien el disco es disparejo entre sus temas, de todos modos consigue cautivar en su poco más de media hora de duración, mostrando a una banda madura y de muy buena capacidad en las composiciones. Disco más que correcto, de pasajes brillantes y épicos y con insterpretaciones instrumentales muy loables. Recomendado.

LINE-UP
- William Gray / electric & acoustic guitars, vocals
- Arvid "WEGG" Andersen / bass, lead vocals
- Pino Sinnone / percussion
- Joe Vescovi / hammond organ, piano, church organ, mellotron

TRACKLIST
01.- Caronte Pt. 1
02.- Two Brothers
03.- Little Janie
04.- L'Ultima Ora e Ode a J. Hendrix
05.- Caronte Pt. 2

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Amon Düül II - Phallus Dei (1969) [Krautrock, Alemania]

2008-11-13T22:47:00.001-03:00

Uno de los discos cultores del krautrock e ineludible al momento de hablar de este género, no sólo por tratarse del primer trabajo de Amon Düül II, sino además por poseer uno de los repertorios más prolijos e innovadores en la mencionada escena.
El disco comienza con un oscuro "Kanaan" de ritmo hipnótico, melodía compleja y extravagantes juegos vocales, en un sonido centrado en una estética étnica que nos lleva fácilmente al medio oriente. La labor de la batería, el bajo y la guitarra se unen de forma casi perfecta, manteniendo una "suciedad prolija" muy cautivadora, sumándose exquisitos y endemoniados efectos hacia el final del tema. "Dem Guten, Schönen, Wahren" (algo así como La Bondad, la belleza y la verdad) continúa indagando en nuevos territorios y sorprendiendo con sus arreglos - fundamentalmente con la voz de Renate Knaup - aunque persistiendo en un sonido muy similar al del primer tema en el pulso y la melodía.
"Luzifers Ghilom" muestra ya un sonido mucho más complejo, de variados ritmos y buenos matices, un tema que personalmente siento que los integrantes del grupo disfrutaban bastante al interpretar, puesto que se compone mucho de "juegos", principalmente en los arreglos. Un tema encantador en todo sentido, bizarro, irónico y entretenido al mejor estilo de Amon Düül II. El corto "Henriette Krötenschwanz" prosigue con una marcha militar marcada por la atería y las voces - extrañas, por cierto - dando la sensación de estar ante algún himno popular.
Finalmente el tema homónimo, de más de veinte minutos de extensión, otorga al oyente todo el poderío creativo de la banda: hartos efectos y "ruiditos" principalmente en la sección introductoria dan paso a una amalgama de melodías, quiebres y cortes de generosa expresión, dentro de un aire oscuro genialmente logrado.
En resumen: un disco gracioso, experimental, oscuro y pilar en el desarrollo del krautrock, de una de las bandas más sugerentes que desarrollaran este estilo. Altamente recomendado.

LINE-UP
- Peter Leopold / drums, percussion, piano
- Shrat / bongos, violin, vocals
- Renate Knaup/ vocals, tambourine
- John Weinzierl / bass, guitar
- Chris Karrer / violin, guitar, sax, vocals
- Falk Rogner / organ, synth
- Dave Anderson / bass
- Dieter Serfas / drums, electric cymbals
Guests:
- Holger Trützsch / Turkish drums
- Christian Burchard / vibraphone

TRACKLIST
01.- Kanaan
02.- Den Guten, Schönen, Wahren
03.- Luzifers Ghilom
04.- Henriette Krötenschwanz
05.- Phallus Dei

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Ejwuusl Wessahqqan - Ejwuusl Wessahqqan (1975) [Krautrock, Alemania]

2008-11-11T00:56:00.000-03:00

Ejwuusl Wessahqqan fue una banda (trío) bastante oscura de la escena krautrock, formada en Munich a principios de los años '70 y que lanzaría solamente este disco homónimo para desaparecer por décadas de los registros del público progresivo.
A pesar de carecer de guitarras, hicieron uso del "filouphon" (filófono?), construyendo atmósferas orientales en sus composiciones, lo cual le dio un atractivo "exótico" notorio.
El primer tema titulado "Die geborstenen Kuppeln von Yethlyreom" hace uso de un marcado acento psicodélico, bien atractivo y protagonizado por un grandilocuente órgano y un bajo algo rústico. Luego con "Die orangefarbene Wüste südwestlich von Ignarh" comienzan los sonidos más extraños del disco, con estos toques orientales entregados por el filouphon y sus disonantes notas, con una base de teclado muy hipnótica, y efectos electrónicos oscuros y bien logrados, sonando bien "space". El tercer tema, "Thuloneas Körper", de corta duración, muestra una composición mucho más previsible, nuevamente plagada de teclado y batería, pieza que entrega algo de suavidad al oído para compensar el track anterior.
"Hobbl-di-wobbl" abre con oscuros ruidos, pasando rápidamente a un sonido psicodélico y ácido, pleno de distorsión de gran disonancia, resultando quizá la pieza más experimental del disco, dando un cierre de una estética muy alternativa, al más puro estilo krautrock.
Esta versión en cd cuenta con cuatro bonus tracks, que se pasean principalmente por sonidos hipnóticos y frenéticos, siguiendo la línea principal de los temas originales de la placa.
Cabe señalar que, dado que ningún sello se atrevió a promover la propuesta de este trío, debieron ellos publicar su disco por cuenta propia, lo que si bien garantiza que pudieron hacer lo que quisieron dentro de este trabajo, también tiene el problema de que la grabación no fue realizada de manera profesional, lo que en oídos más exigentes puede notarse. Sin embargo, dada la propuesta y la calidad de Ejwuusl Wessahqqan, y lo difícil que muchas veces se hace encontrarlo, podrá disfrutarse bastante bien por cualquier "melómano". Recomendado.

LINE-UP
- Michael "Hieronymus" Winzker /keyboards
- Jürgen Wollenburg / drums
- Rene Filous / bass, filouphone

TRACKLIST
01.- Die geborstenen Kuppeln von Yethlyreom
02.- Die orangefarbene Wüste südwestlich von Ignarh
03.- Thuloneas Körper
04.- Hobbl-di-wobbl
05.- Passaceety (bonus)
06.- AFN (bonus)
07.- The crystal (bonus)
08.- La mer (bonus)

PARTE 1
PARTE 2
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East - Játékok (1981) [Neo Prog, Hungría]

2008-11-11T00:55:00.000-03:00

Cuando hablamos de progresivo pocas veces nos acordamos de la corriente que se llevó al este de Europa. Y este olvido se acentúa más, en mi gusto, con bandas que nacen en los años 80 desarrollando las nuevas tendencias del progresivo.
East cabe dentro de este tipo de bandas. Con un progresivo llevado principalmente hacia horizontes sinfónicos en sus primeros dos discos (más tarde comenzarían a variar sus esquemas estéticos), dieron una nueva propuesta en este género, manteniendo sus letras en húngaro y entregando frescas composiciones.
Este disco marca el inicio de su carrera, y aunque se ve opacado por su trabajo siguiente (Hüség) demuestra un inmenso poderío en sus arreglos y creaciones. El trabajo abre con "Nyitány", ágil tema instrumental de baterías notorias y de excelente trabajo en el sintetizador. "Messze a felhõkkel" comienza de manera calmada y previsible, tomando fuerza desde su segunda mitad, con la entrada de profundas guitarras, y terminando con un pasajes ameno y rápido, bien interesante y entretenido. "Szállj most fel" tiene un inicio con guitarras potentes, brillando la melódica voz de Miklós Zareczky, gran valor dentro del grupo. "Kék-fekete látomás" es otro descollante instrumental, de tempos rápidos e interpretaciones frenéticas, culminando abruptamente con una explosión y dando paso a "Gyémántmadár", de suaves inicios - otra vez resaltando la voz de Zareczky - y bien encantador en su extensión. "Lélegzet" muestra otro instrumental, plagado de efectos y muy "space", sin una melodía propiamente tal, sino más bien una serie de arreglos instrumetales con base en sintetizador. "Nézz rám" resulta bien agradable y amena por sus melodías, aunque no tiene mayor esplendor dentro del disco, aunque da paso a una tensa introducción de "Üzenet", de atmósferas ciertamente más pesadas y densas. Sigue la brillante "Epilog", protagonizada principalmente por el órgano, y con voces que le dan la melodía, finalizando con "Remény", otro punto alto del disco, muy versátil, rockero, oscuro y resplandeciente a la vez, culminando de forma bastante majestuosa.
Gran trabajo en todas las líneas en este disco, que me ha impresionado mucho desde que lo escuché por primera vez, entregando diferentes sensaciones a través de la construcción de innumerables atmósferas. Recomendado.

LINE-UP
- István Király drums, percussion
- Péter Móczán / bass
- Géza Pálvólgyi / keyboards
- János Varga / guitar
- Miklós Zareczky / lead vocals

TRACKLIST
01.- Nyitány [Overture]
02.- Messze a felhõkkel [Far away with the clouds]
03.- Szállj most fel [Fly up now]
04.- Kék-fekete látomás [Blue-black vision]
05.- Gyémántmadár [Diamond bird]
06.- Lélegzet [Breath]
07.- Nézz rám [Look at me]
08.- Üzenet [Message]
09.- Epilóg [Epilogue]
10.- Remény [Expectation]

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Nurt - Nurt (1972) [Eclectic Prog, Polonia]

2008-11-02T18:27:00.000-03:00

Nurt fue una banda polaca de muy bajo perfil, que lanzó este único álbum que estuvo en el olvido durante varios años (a inicios de los años 90 se volverían a reunir para lanzar un segundo disco de sonidos completamente diferentes). Las mezclas de progresivo con blues resultan encantadoras y exóticas, que sumado a algunas influencias psicodélicas entregan un disco más que atractivo, basando su sonido preferentemente en ds guitarras y un bajo bien notorio.
El primer corte, titulado "Kto Ma dziś Czas" tiene cierta acidez propia de la época psicodélica, con una interpretación de guitarra muy bien acabada. El segundo tema (Synowie Nocy) comienza con un aire muy similar al anterior, con una segunda mitad más exótica de aires medio-orientales, jugando con "soniditos" bien extraños.
"Będziesz panią w moim piekle" mantiene una atmósfera más calma, pasando a una bien psicodélica "Holograficzne Widmo", de mayor uso de efectos, una batería bien marcada y ágil, y un juego de guitarras bien elaborado, conservando este estilo durante los siguientes temas (cabe destacar la interesante presencia de una flauta bien psicodélica en el séptimo tema, "Parter Na Klaustrofobię", que consigue un momento espectacular cuando se fusiona con el coro).
Posteriormente, vienen los dos temas más progresivos de la placa: "Piszę Kredą Na Asfalcie" con sus constantes matices, sus atmósferas crecientemente envolventes y sus marcados riffs de guitarra deleitan a cualquier amante de buen rock, mientras que la incorporación de una trompeta entrega coloridos arreglos a "Syn Strachu", sin dudas el tema mejor logrado del disco, mezclando el jazz, el progresivo y la psicodelia de manera brillante, culminando apaciblemente con el protagonismo de los coros. Una gema del progresivo polaco más que interesante de merecer atencón.

LINE-UP
- Aleksander Mrozek / guitar, vocals
- Roman Runowicz / guitar, vocals
- Kazimierz Cwynar / bass, vocals
- Ryszard Sroka / drums, percussion

Guests:
- Tomasz Stanko / flute, trumpet
- Jan Jacek Baran / percussion
- Ryszard Gwalber Misiek / sax

TRACKLIST
01.- Kto Ma dziś Czas
02.- Synowie Nocy
03.- Będziesz Panią W Moim Piekle
04.- Holograficzne Widmo
05.- Gdyby Przebaczać Mogli Wszyscy
06.- Morze Ognia
07.- Parter Na Klaustrofobię
08.- Piszę Kredą Na Asfalcie
09.- Syn Strachu

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Kollektiv - SWF-Sessions, Vol. 5 (2000) [Krautrock, Alemania]

2008-10-07T15:01:00.000-04:00

Kollektiv fue una banda alemana de escasa duración, pero que a pesar de ello dejó una huella bastante marcada en la música experimental y el krautrock. De un sonido bastante similar a Neu! en ciertos momentos y con añadiduras de jazz y space, sacan este disco en el año 2000 aunque estas grabaciones pertenecen a los años 70, cuando aún estaban constituidos como grupo. El disco resalta una estética más bien oscura, sin mayor complejidad pero que mantiene al oyente en un trance con sus melodías y arreglos hipnóticos y atractivos.
La primera pieza, Tambourine, comienza con un letárgico y oscuro juego de sintetizadores, pasando a una fresca melodía protagonizada principalmente por la flauta y el bajo, con buenos arreglos de batería y una inquietante y frenética guitarra, muy similar a Neu! en su primer disco. "Subo" continúa con cierta tensión en sus atmósferas, que mantienen mayor brillo con la incorporación de la flauta y que recuerda en buena medida a Pink Floyd del 69-70, incuyendo un solo de guitarra de gran elegancia y sobriedad, en un estilo muy cercano al jazz. Unas atmósferas que atrapan a cualquiera dan inicio a "Mollzitter", tema altísimo y novedoso dentro del krautrock, pues está construido principalmente en base a flautas y efectos de guitarra, dando un aspecto de un sombrío amanecer, apresurando el paso poco a poco pasando a una segunda mitad bien ácida, con una excelente entrada de la guitarra eléctrica, y regresando hacia el final a una atmósfera sombría y tétrica, nuevamente con aromas de jazz.
"Baldrian" es un tema que nuevamente comienza con diversos efectos y "ruiditos" armando un pasaje de tensión y sospecha, y en cuya máxima expresión, cuando parece que va a ocurrir incluso algo malo, entra la melodía principal del tema, de una elegancia notable y un sonido curioso acentuado por los arreglos de guitarra, en un clima muy relajado de excelente interpretación del saxo. Finalmente "Gageg", pieza de mas de veinte minutos de extensión, sigue en buena medida el estilo presentado anteriormente, aunque de una inspiración y un trabajo notoriamente mayor, equilibrando excelentemente en la energía entregada, de buenos matices y altas interpretaciones instrumentales en toda su extensión.
Disco de una buena dosis de krautrock, jazz y space en una propuesta espléndida de una banda oscura e icónica dentro de la escena alemana. Altamente recomendado.

LINE-UP
- Klaus Dapper / flute & saxophone
- Jürgen Havix / guitar & zither
- Jürgen (Jogi) Karpenkiel / bass
- Walemar (Waldo) Karpenkiel / drums

TRACKLIST
01.- Tamboura
02.- Subo
03.- Mollzitter
04.- Baldrian
05.- Gageg

PARTE 1
PARTE 2
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Sandrose - Sandrose (1972) [Symphonic Prog, Francia]

2008-10-06T23:26:00.000-04:00

Sandrose fue una banda bastante temprana de rock progresivo francés (formada en 1971), que pasó bien inadvertida en su momento. La propuesta que hacían era bastante interesante, mezclando un rock sinfónico con mixturas jazzístico-rockeras bien marcadas por la guitarra, con una voz femenina que le dio un toque muy especial (aunque quizá hubiese sido mejor tener letras en francés, pues todos los temas son cantados en ingés, lo cual le quita bastante el sello más distintivo francés), con una belleza que resalta mucho de la instrumentación, plagada también de un mellotron que da mayor majestuosidad al sonido, bastante enérgico en general.
El primer tema, Vision, resulta bastante "oreja", de una melodía bien amena y ligera, de buena guitarra acústica al inicio, y con un conmovedor juego de teclado y mellotron.
"Never Good At Sayin´ Good-Bye" es un relajado tema de una estética más "francesa", aunque persiste en sus letras en inglés, armando una balada notable, manteniendo un buen grado de desarrollo en las guitarras de su líder Jean-Pierre Alarcen. "Underground Session" ya cambia un poco el sonido, marcado más por estructura jazzísticas, siendo el tema más y mejor desarrollado del disco: entretenido, levemente complejo y variado en sus sonidos, con excelentes interpretaciones en guitarra, batería y teclados. Luego "Old Dom Is Dead" vuelve a ese sonido acústico, dominado por un dramatismo exaltado por la voz desgarrada de Rose Podwojny. "To Take Him Away" muestra una nueva propuesta, dominada casi por completo por guitara acústica de timbres muy profundos y de un mellotron que se ensamblan armando un ambiente sobrecogedor.
Luego, "Summer Is Yonder" es quizá el tema más plano del disco, con una base melódica de teclado y mellotron acompañada de la voz de Podwojny, sin lograr mayor brillo, aunque por fortna el tema no alcanza a aburrir, sirviendo de paso a un tema instrumental de gran ejecución: "Metakara", de una virtuosa interpretación de guitarra que arma un gran diálogo con los teclados, siendo otro punto alto del álbum.
Finalmente esta placa cierra con "Fraulein Kommen Sie Schlaffen Mit Mir", tema de medio minuto de duración y que escapa totalmente a la estetica principal del disco. Su nombre ya es extraño, pues está en alemán y significa algo así como "señora flácida, ven conmigo", y es un registro bien experimental, burlesco y que bien podría enmarcarse en el krautrock.
Disco de bastate buena escucha, no perfecto pero sí con momentos altísimos, de gran inspiración y ejecución. Lamentablemente este fue el único registro que alcanzó a dejar este grupo, pues pronto se separarían, una vez más por el fracaso de su propuesta.

LINE-UP
- Rose Podwojny / vocals
- Jean-Pierre Alarcen / guitar
- Christian Clairefond / bass
- Henri Garella / organ, mellotron
- Michel Jullien / drums, percussion

TRACKLIST
01.- Vision
02.- Never Good At Sayin´ Good-Bye
03.- Underground Session (Chorea)
04.- Old Dom Is Dead
05.- To Take Him Away
06.- Summer Is Yonder
07.- Metakara
08.- Fraulein Kommen Sie Schlaffen Mit Mir

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Häx Cel - Zwai (1972) [Krautrock, Alemania]

2008-10-05T20:36:00.000-04:00

Häx Cel fue una banda alemana de la escena krautrock nacida en Hanover a finales de 1971, y cuyo trabajo ha tenido escaso reconocimiento, al ser una banda bastante oscura, y que en su tiempo apenas alcanzó a lanzar un single y este trabajo con su presentación del 29 de octubre de 1972 en el "Beethovensaal" de Hanover.
En sus inicios la banda se limitaba principalmente a realizar nuevas versiones de artistas barrocos como Albinoni, Bach o Händel (sobretodo este último), también viéndose influidos por el clacisismo de Beethoven. Sin embargo, poco a poco fueron componiendo hasta lograr tener un repertorio casi enteramente propio (de hecho, en el disco apenas dos temas son de autores clásicos, el resto todo compuesto por Häx Cel), siempre influidos principalmente por el barroco, aunque también pasando por ciertos estilos jazzeros, con timbres bastante ácidos.
En el disco encontramos una batería bastante dura y notoria, un bajo profundo aunque algo rústico, un trabajo en piano muy loable y una flauta algo ácida y presente en casi todos los pasajes del disco, sonando a veces muy similar a Focus.
El sello que imprimieron a sus temas los hicieron verdaderamente únicos, personalmente me sorprendí la primera vez que escuché este disco (no hace mucho, quizá un par de meses) por la gran creatividad de sus composiciones, sin necesidad de guitarras para mostrar una potencia delicada y rústica por partes iguales.
Esta versión en CD contiene dos bonus, que pertenecen a su primer single lanzado en 1972, llamado "Albinoni/ Difference", de un nivel de producción incluso más pobre que el disco mismo, estando el último tema (Difference) cortado, dando un abrupto final al disco.
Häx Cel sigue siendo hoy por hoy una banda bastante difícil de encontrar, incluso para coleccionistas. El grupo se reunió a fines de los años '90 lanzando dos trabajos más: "A Second Time" en 1998 y "Häxcellent" (2001) con una difusión tanto o más pobre que la de los 70 siendo también piezas de colección y difícilmente encontrables.

LINE-UP
- Michael Moebus / Bass, Vocals
- Dieter Neumann / Flute, Vocals
- Achim Neubauer / Electric Piano
- Rainer Greffrath / Drums

TRACKLIST
01.- Albinoni
02.- A Second Time
03.- Music
04.- Julius Ceasar
05.- Bouree
06.- Marsch
07.- Land Of Dreams
08.- To Barbara
09.- Andante
10.- Albinoni [bonus]
11.- Difference [bonus]

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Gentle Giant - King Biscuit Flower Hour Presnts (1998) [Eclectic Prog, U.K.]

2008-10-01T15:01:00.000-04:00

Disco publicado hace 10 años, aunque la presentación original data del 18 de enero de 1975, en la Academia de Música de Nueva York, entregando registros de varios de sus discos, desde el homónimo hasta el lanzado un año antes (The Power and the Glory). Si bien este disco no muestra nada especial ni novedoso para cualquier fan de esta banda, de todos modos representa una performance exquisitamente correcta, con toda la entretención que es capaz de dar Gentle Giant en sus actuaciones en vivo.
El sonido es buenísimo, salvo algunos detalles bastante pequeños (que pueden ser más "mañas" mías que del propio cd), como algunos gritos de espectadores eufóricos dentro de pasajes tranquilos, o el escaso tiempo que se dejó entrecada tema, acortando las ovaciones del público, que para mi gusto es parte fundamental de cualquier disco en vivo, aunque la relación público-grupo resulta a fin de centas bien lograda.
Como sea, tenemos aquí una presentación de excelente nivel en uno de los mejores momentos de la banda, donde el equilibrio entre la madurez y la creatividad se reflejan en cada nota entregada por el grupo, cerrando con toda la expresividad de "The Advert of Panurge", uno de los símbolos de Gentle Giant. Recomendado.

LINE-UP
- Gary Green / guitar, vocals
- Kerry Minnear / keyboards, vocals
- Derek Shulman / vocals, saxophone
- Ray Shulman / guitar, bass, violin
- John Weathers / drums

TRACKLIST
01.- Proclamation
02.- Funny Ways
03.- The Runaway
04.- Experience
05.- So Sincere
06.- Knots
07.- The Advent Of Panurge

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Haikara - Haikara (1972) [Eclectic Prog, Finladia]

2008-09-28T23:58:00.000-04:00

Haikara es una banda finlandesa de un sonido simplemente arrollador principalmente en sus dos primeros discos, y que luego de varias décadas separados su líder Vesa Lattunen decidió reunir, aunque con una alineación casi complemtamente diferente.
Los aires de este disco ensamblan de manera excelente lo mejor del progresivo con algunos toques folk finlandeses, constituyendo largamento lo más interesante que he escuchado desde aquél rincón del mundo, además de poseer letras en finlandés, con lo que el disco, aparte de su calidad musical, resulta algo "exótico" para cualquier oído de habla hispana.
El disco abre con "Koyhän pojan kerjäys", tema que suele verse como el más débil del disco, pero que personalmente encuentro bastante entretenido, con melodías circenses y algo burlescas (típico humor escandinavo), resultando definitivamente ameno.
Luego Haikara entra en un cuadro mucho más fuerte musicalmente, manteniendo cierta acidez en sus temas. Buen ejemplo de ello es el segundo corte, titulado "Luoja Kutsuu”, que puede traducirse como "El Señor te Llama" o "El Señor pregunta por ti", ofreciendo una crítica a la institucionalidad eclesiástica. Musicalmente el tema es algo triste y oscuro, sobretodo con la entrada de campanas, manteniendo un saxo que da más color a su sonido. Igualmente la batería, bastante suave en general, mantiene la atención con un incansable ritmo ágil y ligero, acabando el tema con una casi indescifrable amalgama de "ruiditos".
"Yksi Maa & Yksi Kansa” es el tercer tema, ciertamente más melódico que los anteriores, con algo más de alegría en sus melodías y letras (una esperanzadora idea del fin de las guerras y la paz mundial), con pasajes instrumentales sobresalientes, cuya guitarra recuerda de algún modo a Jukka Tolonen, un bajo profundo y un sobrecogedor saxo. Un gran bajo da la entrada a "Jälleen on Meidän", atractivo y entretenido tema de sonido más bien jazzístico, vientos interpretados a la perfección en cada una de sus intervenciones.
Finalmente "Manala" inicia con una tranquila apertura de guitarra y flautas, en una melodía hermosa que va adquiriendo fuerza poco a poco, pasando por alocados momentos instrumentales altamente complejos y difíciles de seguir en su plenitud, de un sonido frenético y obsesivo, incluso furioso, escalando a un final magnífico.
Defintivamete el comienzo de Haikara en sus andanzas musicales resulta tan atractivo como conmovedor y ameno, rescatando sonidos de diversas fuentes, para desembocar en un trabajo extraordinario, incluso más sorprendente que su segundo disco "Geafar". Altamente recomendado.

LINE-UP
- Vesa Lehtinen / vocals, tamburine, cow bell, Eberhard Faber 1146 No. 2
- Vesa Lattunen / vocals, electric & acoustic guitar, piano, organ, bass
- Harri Pystynen / flute, Tenor saxophone
- Timo Vuorinen / electric bass
- Markus Heikerö / drums, tubular bells, triangle
With:
Matti Tuhkanen, Timo Vuorinen, Seppo Peltola, Kaj Backlund, Mircea Stan & Markku Johansson

TRACKLIST
1. Köyhän pojan kerjäys
2. Luoja Kutsuu
3. Yksi Maa & Yksi Kansa
4. Jälleen on meidän
5. Manala

PARTE 1
PARTE 2
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Som Nosso de Cada Dia - Snegs (1974) [Eclectic Prog, Brasil]

2008-09-28T22:11:00.000-04:00

Som Nosso de Cada Dia es una banda brasileña formada en Sao Paulo en 1970, cuyo disco debut, Snegs, es probablemente uno de los trabajos de estudio mejor logrados que llevaron a cabo. Con un rock progresivo de ciertas influencias jazzísticas y con mucha estética italiana (PFM o Banco) además de ciertos toques de space-rock, este disco manifiesta uno de los más grandes trabajos de la escena brasileña setentera, cuyos créditos podemos darlos en gran medida a la labor de "Manito", multi-instrumentista exsimio y que sostiene casi la totalidad del sonido del grupo.
Ya con la apertura del disco en "Sinal de Paranóia" y sus sonidos simples y rústicos, y cuya melodía la lleva principalmente la voz de Pedrão, podemos notar una buena calidad en este trabajo, sobretodo en los pasajes instrumentales, con violines y sintetizadores bien interpretados. "Bicho do Mato" es un tema de un ritmo más bien bluesero y ágil, totalmente atractivo. El homónimo "O Som Nosso de Cada Dia" contiene arreglos y melodías bastante complejas, un tema lleno de soniditos en sus partes instrumentales (ciertamente las más loables) y una ligereza notable, con unos teclados bien marcados y cuyo protagonismo es innegable. "Snegs de Biufrais" es un corto tema influido por el folk brasileño, de coros bastante atractivos y con una suavidad conmovedora. "Massavilha" es un temazo, uno de los momentos más altos del disco en su interpretación de diferentes teclados, que recuerdan un tanto al mismísimo Emerson, en una introducción muy larga y atrayente. "Direccion de Aquarius" consigue momentos más majestuosos, con una melodía suave y pegajosa, siendo otro de los puntos más interesantes del disco, guardando mucha similitud, como señalábamos antes, con PFM o Banco del Mutuo Soccorso; "A Outra Face" posee una entrada bien rockera, mucho más pesada que el sonido general del álbum, dando un derroche de energía muy notable, con una batería muy bien interpretada al igual que el bajo, que sostiene muy bien el sonido, pasando a una sección mucho más suave más adelante, y con un solo de guitarra solidísimo, dando una salida nuevamente rápida y ligera.
El disco incluye como bonus un temazo: "O Guarani", de aires minimalistas hasta la entrada de los sintetizadores, que llevan al oyente por una melodía de gran agilidad, cerrando al más puro estilo de la música académica, con una pomposidad destacable, complementendo de buena manera un disco que, sin ser imprescindible dentro del rock progresivo, nos muestra una vez más la gran calidad de las bandas brasileñas dentro de este género, con un trabajo más que interesante de escuchar.

LINE-UP
- Manito / organ, synthesizer, violin, piano, flute, saxophone, chorus
- Pedrinho / vocals, drums
- Pedrão / bass, acoustic guitar, vocals
Guests:
- Marcinha, Cynara, Ivone, Tigressa / chorus

TRACKLIST
01.- Sinal da Paranóia
02.- Bicho do Mato
03.- O Som Nosso de Cada Dia
04.- Snegs de Biufrais
05.- Massavilha
06 -Direccion de Aquarius
07.- A outra Face
08.- O Guarani

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J.E.T. - Fede, Speranza, Caritá (1972) [Symphonic Prog, Italia]

2008-09-28T20:48:00.000-04:00

J.E.T. fue una banda italiana que hubiese pasado bastante desapercibida en el rock progresivo de no ser por este álbum, el segundo y último que lanzaran (más tarde la banda se reconvertirá a un sonido mucho más comercial y pop); algo dejado de lado por el público de su época, durante los años han logrado consolidarse dentro del público melómano como una tremenda banda de tintes progresivo-sinfónicos con predominio del hard-rock y en menor medida el folk. Los coros sobretodo utilizan mucho falsete, y la batería redondea esa fuerza conmovedora con la que este álbum nos deleita.
El disco abre con el tema homónimo, de casi once minutos de extensión y que resulta una pieza compleja y completa, de amplios horizotes estéticos, con guitarras agresivas entremezcladas con aires sinfónicos, con un protagonismo de un Hammond muy duro y pesado, siendo sin duda el tema de mayor valor musical dentro del disco, pues influenció, directa o indirectamente, a toda una generación de rockeros duros, aunque J.E.T. ciertamente mantiene un estilo totalmente único.
El segundo corte es "Il Prete e il Peccatore" con unas muy distorsionadas guitarras que dan inicio, pasando a una sección mucho más calma al iniciarse las voces, dando un hermosos sonidos que en ningún momento pierden la fuerza suficiente para no aburrir, siguiendo la línea compositiva del primer tema. Luego con "C'e' Chi Non H" ya tenemos un sonido menos nocivo y más acogedor, de arreglos más acústicos y con un acompañamiento de teclados más suaves y atmósferas que buscan más belleza que fuerza, saliendo un poco del estilo del resto de los temas. "Sinfonia per un Re" retoma la fuerza interpretativa, con un marcado protagonismo del hammond y con pasajes algo más complejos que los temas anteriores, y en sus interludios instrumentales consigue construir aires bastante sinfónicos, que van tomando fuerza rockera de un modo paulatino y obsesivo. Finalmete "Sfogo", el tema más corto del álbum, cierra con melodías muy ligeras, de timbres medianamente pesados y bastante atractivos, con predominio de teclados, voces y guitarras que llevan muy bien el ritmo del tema, manteniendo la energía en los armónicos y con una alocada interpretación de la voz.
Disco atractivo y difícil de conseguir (sobretodo en esta calidad), que a aquellos que tengan conocimiento de Il Baletto de Bronzo o de Museo Rosenbach les encantará doblemente, y para los que no, estoy seguro que de todos modos conseguirá gustar, pues este es un disco que a cualquier fan del rock (en los términos más generales incluso) puede caerle más que bien. Altamente recomendado.

LINE-UP
- Piero Cassano / keyboards
- Pucci Cochis / drums
- Aldo Stelita / guitars, vocals
- Carlo Mallare 'Bimbo' / bass, marimba, cello, vibraphone

TRACKLIST
01.- Fede, Speranza, Carita
02.- Il Prete e il Peccatore
03.- C'e' Chi Non Ha
04.- Sinfonia per un Re
05.- Sfogo

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Mona Lisa - Avant Qu'il Ne Soit Trop Tard (1978) [Symphonic Prog, Francia]

2008-09-23T16:22:00.000-04:00

Mona Lisa es una agrupación francesa fundada en 1973 y que consiguió un éxito bastante bajo en su momento. De un rock progresivo de corte sinfponico muy al estilo francés (que recuerda un poco a sus coterráneos de Atoll) y muy influidos por Genesis, consiguieron en éste, su cuarto lanzamiento de estudio, su obra mejor lograda en todas sus líneas.
Este disco (que se traduce como "Antes de que sea demasiado tarde") está inpirado en buena medida por el existencialismo de Camus, algo notorio en el segundo corte, llamado "La Peste", y la estética que define al disco podría considerarse como un juego de esta filosofía de la irracionalidad y la libertad humana.
Musicalmente el disco brilla por sus composiciones muy orquestales, y sobretodo teatrales (nuevamente viene Genesis a la mente, con un Dominique Le Guennec que realiza sus vocalizaciones llenas de histrionismo y teatralidad, rememorando fácilmente Peter Gabriel. El conjunto que se arma resulta notabilísimo: atmósferas agudas y coloridas, melodías que fluyen con ligereza y una instrumentación más que correcta, sobretodo en los teclados y las guitarras, aparte de una buena cantidad de percusiones que llevan los diferentes tempos de forma muy pulida.
La teatralidad se manifiesta ya en el primer tema que da nombre al álbum, donde Le Guennec va recitando de forma casi desesperada, jugando con los gritos, y en un clima oscuro que va creciendo cada vez más en expresión. "La Peste" es un tema más rockero, más pesado, pero no menos atrayente, sobretodo en su interludio instrumental, tan llamativo como aquél del tercer tema del disco. Tripot es más melódico y pegadizo en su melodía, aunque de todos modos resulta complejo en cierta medida. "Lena" es un tema bastante folk, de hermosas guitarras acústicas y una voz grave que infunde ciertas sombras, contrastadas con cortas apariciones de flauta que sobresale en los momentos más ágiles del tema. Finalmente "Créature Sur La Steppe" cierra de manera espectacular, con toda la capacidad creativa e interpretativa del grupo en su más alto nivel, entregando un final verdaderamente tétrico y escalofriante.
Un disco de un nivel altísimo, y pobremente reconocido en su momento. De hecho, la banda se separaría al año siguiente, dado el escaso éxito de su música (aunque se volverían a juntar, con nuevos miembros, en 1998). Como sea, este disco, por todo lo antes mencionado, merece los más amplios elogios sin lugar a dudas. Recomendado!

LINE-UP
- Jean-Luc Martin / bass
- Pascal Jordan / electric & acoustic guitar, synthesizer
- Francis Poulet / drums, percussions
- Jean-Paul Pierson / piano, organ, synthesizer, polyphonic orchestra, Mellotron
- Dominique Le Guennec / lead vocals, flutes, percussion

TRACKLIST
01.- Avant Qu´Il Ne Soit Trop Tard
02.- La Peste
03.- Souvenirs De Naufrageuer
04.- Tripot
05.- Lena
06.- Créature Sur La Steppe
a) Comme Dans Un Rêve
b) L´Oppression
c) Avec Le Vent
07.- Souvenirs De Naufrageurs (live Version)
08.- Creáture Sur La Steppe (live version)
09.- Léna (live version)

PARTE 1
PARTE 2
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Vega - Andaluza (1978) [Prog Folk/ Flamenco, España]

2008-09-20T21:01:00.000-04:00

Creo que hasta ahora nunca he colocado un disco de progresivo español. Y luego de haber escuchado este disco casi todo el día, creo que es hora de colocarme al día al respecto. Vega es un proyecto muy corto que publicó dos discos, entre el 78 y el 79, liderado por el excelso guitarrista Tomás Vega, mostrando un sonido fuertemente influido por el flamenco fusionado con el rock progresivo.
Este disco es el primero que lanzara esta banda (al año siguiente lanzarían "Jara" con un sonido bastante similar), y sin dudas no tiene desperdicio. Toda la pasión y el virtuosismo instrumental son la promesa de no estara ante un disco cualquiera. Disco totalmente instrumental, posee esos toques folk españoles que le dan cierta gallardía a los temas, sensación que ya se inicia en el primer corte, llamado "Triana", con mezclas exquisitas entre la guitarra española y eléctrica, con acompañamientos muy bien hechos por parte de los teclados y unabatería de gran sentido del tempo en cada tema. (No por nada "Triana" es obra original del célebre pianista y compositor español Isaac Albeniz).
"Zona Rosa" es una pieza influida, como muchas otras, por el romanticismo español, de cálidos sonidos donde nuevamente las guitarras se llevan casi todos los créditos, aunque la presencia del piano resulta conmovedora, sobretodo en la parte final del tema.
La tercera pieza es "Origen", con una estética algo distinta a los dos temas anteriores, sobretodo por alguna inspiración arabesca que puede notarse por allí, de una atmósfera ciertamente vertiginosa. "Arco Iris" vuelve al sonido flamenco, con una introducción típica de este estilo con una guitarra clásica altamente virtuosa y secciones y diálogos con la guitarra eléctrica que consiguen una delicia de tema. Posteriormente "Andaluza", tema que da nombre al disco y compuesto originalmente por el pianista neo-romántico Enrique Granados, con arreglos de cuerda notables y con cierto aire jazzístico, sobretodo notorio en el bajo. Finalmente "Lamentos" cierra esta placa con un sonido algo menos ligero que las composiciones anteriores, tema muy balanceado y pleno de armonías, co un trabajo en la batería que sobresale bastante respecto a las piezas anteriores.
Disco definitivamente recomendado para quienes gozan de la pasión y la fuerza del rock progresivo andaluz (tipo Triana o Mezquita), de una elegancia altísima en las composiciones y la interpretación instrumental. Realmente una delicia para el oído que en su media hora de duración consigue atrapar al oyente, situándolo en las viejas calles de Málaga, Cádiz o Sevilla. Buenísimo!

LINE-UP
- Tomás Vega / guitars
- Guty López / bass
- Larry Martin / drums
- Pedro Ample / percussion
- Rafael Guillermo / piano, organ, mini-Moog
- Enrique Carmona / guitar
- Julián Llinás / string arrangements

TRACKLIST
01.- Triana
02.- Zona Rosa
03.- Origen
04.- Arco Iris
05.- Andaluza
06.- Lamentos

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Trettioåriga Kriget - Krigssång (1976) [Crossover Prog, Suecia]

2008-09-20T15:18:00.000-04:00

Krigssång es el segundo LP de esta mítica banda sueca, disco que puede traducirse como "Canciones de Guerra", cuyo sonido sigue explorando ciertas formas torcidas de progresivo clásico, aunque en un nivel algo más digerible que su primer disco. Estos dos trabajos son, en mi gusto, los mayores exponentes del rock progresivo sueco hasta Änglagård, aunque en líneas musicales diferentes.
El trabajo en guitarras, bastante crudas y desarrolladas con mucha complejidad (incluyendo un "Jag och jag och 'jag'" de guitarra clásica), suavizadas con un mellotron que ayuda a construir atmósferas m¿as equilibradas. Sin lugar a dudas el tema que llama más poderosamente la atención es "Krigssång II", tema de tratamiento algo sinfónico en sus arreglos, de una enérgica batería y juegos de guitarra que dominan casi por completo el tema. Las vocalizaciones de Zima, ya de por sí con un estilo extraño añadido al sueco que suena bastante "exótico" en mis oídos, coloca el resto para dar mayor robustez a esta suite, de una amplia y bien articulada serie de secciones adecuadamente dispuestas a conformar un ambicioso gusto por el Art-Rock.
No obstante lo destacado de este último tema, el resto de las composiciones no pueden dejarse de lado. El tema homónimo que abre el disco es compuesto sobre líneas de blues, con un sofisticado tratamiento y arreglos, pasando a "Metamorfoser", de un tempo mucho más lento y muy fácil de seguir rítmicamente, sonando incluso "bonito" en ciertos momentos. "Jag och jag och 'jag'" coloca, como decíamos antes, el ambiente más acústico al disco, con voces arregladas muy armónicamente. "Mitt Mirakel"es un tema que retoma la fuerza de la entrada al disco, bien extravagante y con un bajo que logra sobresalir a pesar del dominio de la guitarra y las voces, aunque siendo presentado de forma más distorsionada y potente en "Murar", tema entretenido y de gran fuerza interpretativa.
El disco trae tres bonus, de presentaciones en vivo, incluyendo una versión extendida de "Ur djupen" de su disco anterior.
En síntesis, el álbum resulta un más que agradable estímulo para quienes se hallan familiarizados con el sonido del grupo, pero para quienes no lo están pueden sufrir algunos desencantos e incluso molestias al principio, dada la complejidad y rareza del sonido tan particular de Trettioåriga Kriget, grupo verdaderamente de culto y que sin lugar a dudas llega mucho más allá del progresivo. Recomendado!

LINE-UP
- Christer Åkerberg / acoustic & electric guitars, backing vocals
- Stefan Fredin / bass, backing vocals
- Dag Lundqvist / drums, percussion, keyboards, backing vocals
- Robert Zima / lead vocals
- Olle Thörnvall / lyrics

TRACKLIST
01.- Krigssång
02.- Metamorfoser
03.- Jag och jag och "jag"
04.- Mitt Mirakel
05.- Murar (4:19)
06.- Krigssång II
07.- On going to England
08.- Ur djupen
09.- So Long

PARTE 1
PARTE 2
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Area - Gli Dei Se Ne Vanno Gli Arrabbiati Restano! (1978) [Avant-Jazz, Italia]

2008-09-19T23:54:00.000-04:00

En este disco la calidad vocal de Stratos se mantiene en aumento al parecer, pues siempre está sorprendiendo con sus vocalizaciones (pues es casi nada lo que canta). Sin embargo, no alcanza el brillo de su anterior lanzamiento, sobretodo en el área creativa, quizá faltó mayor inspiración a la banda, o más ganas de seguir experimentando. De todos modos, constituye un álbum excelente, con melodías un poco menos complejas (no por ello simples), más armoniosas y con gran experimentación. El último trabajo de Area con Stratos antes de su fallecimiento, y el último de su etapa dorada. Recomendado.

LINE-UP
- Giulio Capiozzo / drums, vibraphone, percussion
- Patrizio Fariselli / piano, organ, electric piano, synthesizer ARP Odyssey, Pro-Sploist, polymoog, omni
- Ares Tavolazzi / electric & acoustic bass, acoustic guitar, mandola, trombone, pocket trumpet, vocals
- Demetrio Stratos / vocal, organ, electric & acoustic piano, ocarina

TRACKLIST
01.- Il Bandito del Deserto
02.- Interno con Figure e Luci
03.- Return from Workuta
04.- Guardati dal Mese Vicino all'Aprile
05.- Hommage a Violette Noizeres
06.- Ici on Dance!
07.- Acrostico in Memoria di Laio
08.- FFF (Festa, Farina e Forca)
09.- Vodka Cola

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Nektar - A Tab in the Ocean (1972) [Space Rock, U.K.]

2008-09-18T00:24:00.000-04:00

Nektar es seguramente el grupo británico con mayor similitd a la estética alemana de la primera mitad de los setenta. Con un sonido influido por el space, que recuerda en mucas ocasiones a Pink Floyd, lanzó su primer disco llamado "Journey to the Centre of the Eye" en 191, pero no sería sino hasta publicar "A Tab in the Ocean" un año más tarde cuando la madurez en su sonido y sus composiciones llegarían al punto más alto de su carrera,
Este trabajo consta de cinco piezas. La primera es sin duda la más atractiva y mejor trabajada, que es la que da nombre al álbum, una pieza épica de más de 16 minutos de extensión en los cuales transitan por ambientes sinfónicos y rockeros en un juego bastante interesante. Las melodías suenan bien, con arreglos bastante armónicos en la composición, de un trabajo instrumental muy loable, de gran distorsión en las guitarras, y de una leve distorsión en los teclados, con un bajo profundo y voces que se expresan en su justa medida y llaman poderosamente la atención.
"Desolation Valley" comienza con riffs de guitarra muy rockeros, bien "orejas", pasando por unos leves guiños jazzeros, jugando de excelente forma entre la elegancia y la fuerza. El tercer tema, llamado "Waves", es compuesta por una tranquila melodía, sostenida muy bien por los teclados y con una recitación bien oscura, tema que sirve como introducción a "Crying in the Dark", que comezando con una suave guitarra eléctrica que juega mucho con las armonías, toma gran fuerza posteriormente, con un ambiente rockero más duro y de atmósferas bien tensas. Finalmente "King of Twilight" consigue un aire muy rockero, incluso rayando en sonidos típicos del metal, cerrando con muchísima fuerza, sobretodo en las guitarras, siendo un tema bastante entretenido y ameno.
Esta versión trae como "bonus" unas mezclas de todos los temas del disco (en el fondo, es tener dos versiones del mismo trabajo), aunque carecen de la fuerza y energía entregadas en las versiones originales.
En resumen, un disco magnífico, imprescindible para mi gusto, y uno de los grandes trabajos realizados no sólo por Nektar, sino además uno de los que más me gusta dentro del mundo progresivo. Altamente recomendado.

LINE-UP
- Roye Albrighton / guitars, vocals
- Mick Brockett / liquid lights
- Allan Freeman / keyboards, backing vocals, Mellotron
- Ron Howden / drums, percussion, backing vocals
- Derek "Mo" Moore / bass, vocals

TRACKLIST
01.- A Tab In The Ocean
02.- Desolation Valley
03.- Waves
04.- Cryin' In The Dark
05.- King Of Twilight
06.- A Tab In The Ocean (US Mix)
07.- Desolation Valley (US Mix)
08.- Waves (US Mix)
09.- Cryin' In The Dark (US Mix)
10.- King Of Twilight (US Mix)

PARTE 1
PARTE 2
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Soft Machine - Bundles (1975) [Canterbury, U.K.]

2008-09-16T23:57:00.000-04:00

Uno de los mayores representantes de la corriente canterbury del rock progresivo hace gala de su octavo trabajo de estudio en este disco. Luego de una pequeña disminución paulatina en su calidad hasta "Seven" del 73, el grupo hace un pequeño paréntesis en sus labores e incorpora al guitarrista Allan Holdsworth, proveniente de Nucleous. Con él, la banda consigue mayor potencia en su sonido, con un acento más marcado en el rock, sumándose al jazz-avant-progresivo que venían mostrando hasta su lanzamiento anterior.
El primer tema (Hazard Profile) fue grabado sobre la melodía que Jenkins (otro ex- Nucleous) hiciera para su anterior banda sin conseguir publicarlo. Es dividido en cinco partes, sin duda el tema más completo del album, con una primera parte muy apegada al jazz-rock, llena de energía. La segunda parte, una corta pieza de poco más de dos minutos, es una hermosa composición interpretada por guitarra acústica y piano, pasando a la tercera parte, con mayor apego al rock progresivo. La parte 4 es un corto pasaje dominado por guitarras eléctricas bien rockeras, en un rtmo bien pegadizo. La quinta parte, mucho más vertiginosa que las otras, muestra una estructura mezclada por el jazz, el rock y ciertos sonidos sinfónicos, sobretodo por la presencia del moog.
Luego del muy acústico "Gone Sailing" viene otro tema que destaca por su gran labor interpretativa: el homónimo "Bundles", muy jazzero, de gran trabajo en todos sus instrumentos, siendo virtuosos los solos de guitarra y la batería que entrega mucho poder al tema, que juega mucho con dichosolos que van "in crescendo" hasta tomar una fuerza melódica muy armónica y compleja, asado a un "Land of the Bag Snake" que continúa en la misma línea. Luego de dos temas cortos y de gran presencia y virtuosismo del saxo, podemos deleitarns con una muy avant-jazz "Four Gongs Two Drums", que comienza con un sonido marcado por un jazz de ritmos altamente complejos, para pasar a un juego de percusiones inmensamente atractivo. Finalmente, un hermoso "The Floating World" resulta un cierre bastante tranquilo y colmado de belleza, con un interesante juego de guitarra y de teclados que arman una atmósfera muy armoniosa.
En síntesis, un disco instrumental buenísimo, muy "curioso" en su búsqueda de sonidos y de gran ejecución, cuyas piezas brillan por su calidad y complejidad. En mi gusto, un disco fundamental dentro del progresivo, al igual que los primeros de esta banda. Recomendado.

LINE-UP
- Roy Babbington / bass
- Allan Holdsworth / acoustic & electric guitars
- Karl Jenkins / oboe, soprano sax, acoustic & electric pianos
- John Marshall / drums, percussion
- Mike Ratledge / electric piano, organ, synthesizer
+ Ray Warleigh / alto & bass flutes (12)

TRACKLIST
01.- Hazard Profile Part 1
02.- Part 2
03.- Part 3
04.- Part 4
05.- Part 5
06.- Gone Sailing
07.- Bundles
08.- Land Of The Bag Snake
09.- The Man Who Waved At Trains
10.- Peff
11.- Four Gongs Two Drums
12.- The Floating World

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Richard Wright - Broken China (1996) [Prog Related/ New Age, U.K.]

2008-09-15T23:59:00.000-04:00

28/07/1943 - 15/09/2008
HASTA SIEMPRE, MAESTRO!!

Broken China es el tercer disco solista de Richard Wright, quien fuera tecladista de la mítica banda Pink Floyd y, según mi perspectiva, "el" músico de este grupo, que desde un perfil muy bajo entregó todo el respaldo musical a PF. El presente album tiene algunos matices progresivos-floydianos, aunque también juega mucho con el new-age; en este tiempo Richard Wright debía lidiar con una profunda depresión de su esposa, afección que había sobrellevado por más de 20 años, por lo cual esta placa resulta, por decir lo menos, bastante íntima. El disco, en efecto, presenta la historia de una mujer que cae en depresión (en la portada podemos apreciar a la protagonista entrando a este estado, quebrándose como porcelana tras cruzar el agua), para lo cual se "narra" desde la niñez (con todos los miedos y traumas), pasando por la juventud, luego la depresión en su expresión máxima, para culminar con la salida de ésta (Por ello en la contraportada del disco aparece la imagen de la misma mujer pero saliendo del agua, reunificándose nuevamente). Una composición impecable, con letras escritas por Anthony Moore (parece que Rick no se atrevía a colocar sus propias letras) y que va tomando ritmo a medida que avanzan los temas siendo para mi gusto el trabajo que reivindica a Rick como solista, luego de dos discos de regular éxito. Sin duda una gran obra de uno de los miembros menos reconocidos de Pink Floyd, incluso por quienes se llaman "floydianos". Recomendado.

LINE-UP
- Rick Wright / keyboards, vocals and programming
- Anthony Moore / computer programming and arrangements, on the telephone (2)
- Manu Katche / drums
- Sinead O'Connor / vocals (12, 16)
- Tim Renwick / guitar (2, 4, 6, 9, 12), lead guitar (15), rhythm guitar (16)
- Dominic Miller / guitar (5, 8, 11, 14), acoustic guitar (16)
- Steve Bolton / rhythm guitar
- SianBell / cello
- Kate St John / oboe, cor Anglais
- Maz Palladino / backings vocal

TRACKLIST
01.- Breaking Water
02.- Night of a Thousand Furry Toys
03.- Hidden Fear
04.- Runaway
05.- Unfair Ground
06.- Satellite
07.- Interlude
08.- Woman of Custom
09.- Black Could
10.- Far from the Harbour Wall
11.- Drowning
12.- Reaching for the Rail
13.- Blue Room in Venice
14.- Sweet July
15.- Along the Shoreline
16.- Breakthough

PARTE 1
PARTE 2
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Latte e Miele - Aquile e Scoiattoli (1976) [Symphonic Prog, Italia]

2008-09-10T11:33:00.000-04:00

Latte e Miele es una banda formada en Génova, Italia, por cuatro muchachois muy jóvenes en 1972. Y en este trabajo consiguen sonar, en mi gusto, más clásicamente italianos que en sus dos álbums anteriores. La fuerza de sus composiciones brilla con la ejecución de maravillosos teclados, que van "jugando" a sobreponerse constantemente, creando un ambiente sinfónico notable. El tema que da nombre al disco abre con maravillosos timbres acústicos y voces muy ligeras, manteniendo esa energía hasta "Menestrello", con un ritmo más lento y conmovedor. En Opera 21 toman el legado de Beethoven entregando una muy alegre versión de este clásico. El disco cierra con "Pavana", una larga suite de más de 23 minutos, en la cual los teclados toman casi todo el protagonismo y la instrumentación resulta completamente notable.

LINE-UP
- Alfio Vitanza / drums, 12-string guitar
- Massimo Gori / bass, acoustic guitar
- Luciano Poltini / Hammond, Moog, clavinet
- Mimmo Damiani / keyboards

TRACKLIST
01.- Aquile E Scoiattoli
02.- Vacche Sacre
03.- Menestrello
04.- Opera 21
05.- Pavana

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Gerard - The Pendulum (1996) [Neo Prog, Japón]

2008-09-09T12:01:00.000-04:00

Gerard es una banda japonesa de rock progresivo liderada por el tecladista Toshio Egawa y nacida a mediados de los '80, y cuyo sonido en este instrumento resulta virtuoso y elegante, influido bastante por figuras como Rick Wakeman o Keuth Emerson, con potentes y rápidos juegos de teclado dentro de composiciones de complejidad media.
Desde la apertura del disco con "Empty Lie, Empty Dream" (igual a su segundo disco lanzado en 1985) y sus sonidos de relojes varios a la Pink Floyd en Time el disco es casi totalmente protagonizado por los teclados de Egawa, con una batería bastante notoria y potente y de juegos de bajo notables. Notamos una ausencia absoluta de guitarras en este álbum, lo que le entrega una mayor limpieza y majestuosidad. Las voces por su parte salen interesantes, con fuerza y con un timbre medianamente melódico, muy equilibrado para el sonido instrumental que lleva las melodías.
Temas que me han llamado mucho la atención, como el antes mencionado tema de apertura con un aire bien épico, carente de sencillez técnica. Por su parte "Orpheus", tema dotado de alta complejidad rítmica, presenta una estructura más influida por la música académica (docta, del periodo clásico) y bastante robusto en su composición. Por último, no pueden salir de la lista de buenas piezas las tres partes de "The Pendulum", que muestra en todo su esplendor la capacidad interpretativa de los integrantes de la banda, tema de alta inspiración y ejecución y que recuerda mucho a sus coterráneos de Ars Nova.
Disco muy limpio, con una destacada producción y de una frescura melódica sorprendente. Más que interesante de escuchar.

LINE-UP
- Toshio Egawa / keyboards
- Masuhiro Goto / drums
- Atsushi Hasegawa / bass
- Robin G. Suchy / vocals

TRACKLIST
01.- Empty lie, empty dream
02.- Killing our mother, condemning our children
03.- Orpheus
04.- Ascending to Heaven
05.- Crime of the future
06.- The pendulum parts 1 to 3

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Area - Arbeit Macht Frei (1973) [Avant-Jazz, Italia]

2008-09-08T23:59:00.000-04:00

Area es un grupo de rock progresivo italiano, muy probablemente el más innovador de todos los de su época, por lo que se llevó tanto aplausos como feroces críticas. Este disco, llamado "Arbeit Macht Frei" (famosa consigna que estaba en la entrada del campo de concentración de Auschwitz durante la Segunda Guerra, y que significaba algo así como "el trabajo los hará libres") trae un abanico de sonidos que bien demuestran lo anteriormente dicho, comenzando con unas melodías de toques islámicos, para concluir con un bellísimo "L'abbattimento dello Zeppelin" Un disco fundamental en cualquier fanático del progresivo, lleno de sensibilidad e inteligencia.

LINE-UP
- Demetrio Statos / vocals, organ
- Patrick Djivas / bass
- Patrizio Fariselli / keyboards
- Gianpaolo Tofani / guitars
- Giulio Capiozzo / drums, percussion

TRACKLIST
01.- Luglio, Agosto, Settembre (nero)
02.- Arbeit Macht Frei
03.- Consapevolezza
04.- Le Labbra del Tempo
05.- 240 Chilometri da Smirne
06.- L'abbattimento dello Zeppelin

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Area - Caution Radiation Area (1974) [Avant-Jazz, Italia]

2008-09-08T23:55:00.000-04:00

Area nos trae en este disco otro trabajo notable, con un sonido maduro a pesar de su infatigable búsqueda de nuevos matices y líneas musicales, sobretodo por parte de su vocalista, Demetrio Stratos. Los efectos que logra con su voz en este álbum son notables, los cuales se pueden apreciar en todo su esplendor en la primera canción, donde consigue realizar diplofonías e incluso triplofonías (dos y tres sonidos vocales simultáneos, respectivamente). El resto es una incesante amalgama de sonidos, de melodías muy abstractas, que no permiten al oyente nada más que quedarse quieto y contemplar. Genial en todo el sentido, este disco nunca deja de sorprender, de principio a fin.

LINE-UP
- Giulio Capiozzo / drums, percusion
- Patrizio Fariselli / piano, electric piano, bass clarinet, synthesizer
- Ares Tavolazzi / bass, trombone, contarabass
- Paolo Tofani / guitar, flute synthesizer
- Demetrio Stratos / vocal, organ, cembalo, percussion

TRACKLIST
01.- Cometa Rossa
02.- ZYG (Crescita Zero)
03.- Brujo
04.- MIRage? Mirage!
05.- Lobotomia

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Brainticket - Psychonaut (1972) [Krautrock, Suiza]

2008-09-08T19:48:00.000-04:00

Psychonaut es el segundo disco de esta inmensa banda suiza icónica del krautrock. También es la segunda obra de su "trilogía" setentera, antes de un pequeño cambio de sus sonidos en los 80 y el nuevo milenio.
Este disco a uno le resulta un verdadero viaje, lleno de sonidos espaciales. En realidad, desde los instrumentos propiamente electrónicos hasta la sitar los hacen sonar de este modo, lo cual llama bastante la atención. Sus temas son bastante variados, desde un relajado "Radagacuca" y pasando por la oscuridad de "One Morning", la psicodélica, ácida y chillona "Watchin' You", la espectacular instrumentación más progresiva de "Like a Place in the Sun", la vertiginosa "Feel the Wind Blow" hasta la letárgica "Coc'O Mary".
Definitivamente un álbum imperdible y pilar del sonido "chucrut". Recomendado!

LINE-UP
- Jane Free / lead vocals, tbilat, tambourine, slide whistle, sounds
- Jöel Vandroogenbroeck / organ, piano, flute, sitar, sanze vocal, rumors, generator, arrangements
- Rolf Hug / lead guitar, acoustic guitar, tablas, vocals
- Martin Sacher / electric bass, flute
- Barney Palm / drums, percussion, strange sounds
- Carole Muriel / additional vocals (4,5)

TRACKLIST
01.- Radagacuca
02.- One Morning
03.- Watchin' You
04.- Like a Place in the Sun
05.- Feel the Wind Blow
06.- Coc'O Mary

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Mahavishnu Project - Live Bootleg (2002) [Jazz Rock, U.S.A.]

2008-09-07T20:16:00.000-04:00

Mahavishnu Project es una agrupación estadounidense liderada por el baterista Gregg Bendian, tomando temas de la banda de McLaughlin para re-interpretarlos, no siendo en este sentido un mero imitador o una simple banda tributo. Basta señalar para ello que el mismo John McLaughlin los ha empleado como banda oficial, y además han tocado junto con el tecladista de Mahavishnu Orchestra Jan Hammer.
En este bootleg oficial (la agrupación no tiene discos de estudio) se centran en la etapa más clásica de Mahavishnu Orchestra, interpretando temas de Birds of Fire, The Inner Mounting Flame y de The Lost Trident Sessions, consiguiendo resultados sorprendentes, pues el nivel de improvisación de la banda (cuyos integrantes ya tenían cierto recorrido en el mundo del jazz, e incluso el mismo Bendian ha participado con grandes como Pat Metheny o John Zorn. Y eso se nota, pues los temas clásicos son dotados de nuevos bríos, de una nueva fuerza que consigue atrapar al oyente de inmediato.
Muy buen disco, algo más que un tributo para una banda que sin lugar a dudas realizó un cambio notable en la concepción del jazz. Interesante.

LINE-UP
- Gregg Bendian / drums
- Stephan Crump / bass
- Steve Hunt / keyboards
- Pete McCann / guitar
- Todd Reynolds / violin

TRACKLIST
01.- The Dance of Maya
02.- Celestial Terrestrial Commuters
03.- Trilogy
04.- Dawn/Open Country Jam
05.- Birds of Fire
06.- Resolution/The Noonward Race
07.- Dream
08.- One Word (conclusion)

PARTE 1
PARTE 2
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Lizard - Tales from the Artichoke Wood (2005) [Eclectic Prog, Polonia]

2008-09-07T14:25:00.000-04:00

Lizard es una banda de origen polaco que ha realizado desde 1997 con su disco "W Galerii Czasu" obras de altísima calidad musical y conceptual, de resultados verdaderamente sorprendentes. Con un sonido inspirado mucho por King Crimson, "Lizard" hace gala de su tercer disco con un concepto que atraviesa impresiones acerca de tres grandes pintores de la historia: Van Gogh, Dalí y Picasso, cada uno manifestando diferentes atmósferas.
El disco abre con la primera parte del tema homónimo, de casi 9 minutos de duración y que resulta una intro espectacular, ya mostrando pasajes de sonidos agresivos y sus letras interpretadas en polaco, de buenos riffs de guitarra y de una batería bien fuerte.
Luego, las primeras tres impresiones acerca de Vincent Van Gogh: en general las más dramáticas y melancólicas, de ritmos lentos y pausados en donde los teclados y sintetizadores contrastan un poco en este aire pesado, dando mayor brillo. Para mi gusto la interpretación de Van Gogh es notable, entregando - aun sin entender un carajo de la letra - la sensación de tristeza y pesar, símbolos de la vida de este trascendental artista. La tercera parte es la que toma más fuerza, más alegría, lo que yo interpreto como al Van Gogh muerto, ya famoso, ya brillante y nunca reconocido en vida, en un final bastante majestuoso.
Distintos sonidos sombríos, entre los que destaca el de un reloj algo disímil en los segundos pares y nones, abre la tripleta de impresiones acerca de Salvador Dalí. Sonidos dulces de flauta abren la pieza primera, para hacer un quiebre inquietante para la segunda impresión, plena de la influencia crimsoniana en Lizard, presentando en la tercera parte ya los pasajes más tensos del disco.
Siguen dos impresiones acerca de Pablo Picasso, de una melodía tranquila en su primera parte, llevada magistralmente por el bajo, tomando una fuerza que prometía nuevos aires crimsonianos pero que permanece ahí, como arrepentida, hasta la segunda impresión, más frenética y agresiva, dejando hacia el final todo el poder que podían entregar. Para mi gusto, musicalmente las mejores partes se encuentran para este artista, para cerrar con la segunda parte de "Tales from the Artichoke Wood", bastante plana y siendo en mi gusto lo menos atractivo del disco, pero necesario para redondearlo por entero, en su música y en su concepto.
Un trabajo más que interesante, que no me sorprendería que se convirtiese en un clásico del rock progresivo en los años venideros, y que agradezco haber podido escuchar gracias a mi amigo Rodrigo, quien me facilitó el link para este disco, y a quien deben finalmente agradecer. Muy recomendado!

LINE-UP
- Damian Bydliñski / vocal, guitar
- Krzysztof Maciejowski / keyboards & synthesizers
- Mariusz Szulakowski / percussion
- Janusz Tanistra / bass

TRACKLIST
01.- Tales from the Artichoke Wood Part I
02.- Vincent:
I. Impression 1
II Impression 2
III Impression 3
03.- Salvador:
I. Impression 1
II Impression 2
III Impression 3
04.- Pablo:
I. Impression 1
II Impression 2
05.- Tales from the Artichoke Wood Part II

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Vbr, 227-255 Kbps

Trettioåriga Kriget - I Början Och Slutet (2007) [Crossover Prog, Suecia]

2008-09-06T23:59:00.000-04:00

Trettioåriga Kriget, uno de los descubrimientos más interesantes que he hecho este último tiempo dentro del progresivo, hacen de éste, su último disco de estudio hasta la fecha, un trabajo cautivador, no tanto por la complejidad - escasa - dentro de álbum, sino más bien por la frescura y la variedad de los sonidos que saca. En efecto, estos suecos ya no buscan estremecer como en los años 70 con difusas melodías de alta complejidad y de compases dispares, sino que ya hacen un rock más simple, limpio y directo. Las letras, interpretadas como siempre en su idioma natal (curiosamente nunca cayeron en la tentación de cantar en inglés) hacen el resto, dándole al disco un "plus" en cuanto al interés de oírlo.
El disco transita en general por melodías relativamente fáciles de digerir, amenas, y con una interpretación instrumental que puede seguirse sin mayor problema, incluso en el bajo. El tema "I Början Och Slutet" que da nombre al disco y significa algo así como "Al principio y al final" o "En el principio y el fin" es seguramente la parte más atractiva del álbum, con un trabajo notable en las guitarras que dan una hermosa introducción, con un mellotron no demasiado sofisticado pero que acompaña de buena manera dando un aire más majestuoso, siendo estos dos instrumentos (guitarra y mellotron) los que más sobresalen también en todos los temas, ayudando a armar un disco que no aburre en ningún momento, con mucho juego y cambios de ritmo y cuyos sonidos quedan fácilmente en la memoria.

LINE-UP
- Stefan Fredin / bass guitar, vocals, rhytm guitar
- Dag Lundquist / drums, backing vocals
- Robert Zima / vocals
- Christer Åkerberg / electric & acoustic guitars
- Mats Lindberg / keyboards
- Olle Thörnvall / lyrics

TRACKLIST
01.- I Krigets tid
02.- Barndom
03.- Ungdom
04.- Ungdom II
05.- Benke
06.- Lovsång
07.- Öknen
08.- S-bahn
09.- Floden
10.- Ryttaren
11.- I början och slutet
12.- I Krigets tid II

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Gila - Free Electric Sound (1971) [Krautrock, Alemania]

2008-09-06T22:21:00.000-04:00

Gila es una de las bandas más esenciales de tener presente para cualquier amante del Krautrock, ya que su contenido atraviesa prácticamente todos los matices que más influyeron en este "estilo", aunque dejando a la psicodelia como marco principal de composición, con ácidas guitarras, muy bien equilibradas con el resto de los instrumentos. Esta placa tiene sonidos tan diversos como Pink Floyd, Agitation Free o Amon Düül, atravesando desde la locura a pasajes muy oscuros (incluso con algún sonido de bebés en medio) y contiene algunos "jam" verdaderamente loables. Disco totalmente recomendado.

LINE-UP:
- Daniel Alluno / drums, bongos, tabla
- Fritz Scheyhing / organ, Mellotron, percussion, electronics
- Conny Veit / guitars, voice, tabla, electronics
- Walter Wiederkehr / bass

TRACKLIST:
01.- Aggression
02.- Kommunikation
03.- Kollaps
04.- Kontakt
05.- Kollektivitat
06.- Individualitat

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Amon Düül II - Yeti (1970) [Krautrock, Alemania]

2008-09-06T22:19:00.000-04:00

Un gran disco, con las aspereza propia del krautrock. Fue su segundo trabajo tras separarse del Amon Düül original, que no progresó mayormente en el área musical (por lo que muchos entregan a A.D. II el sitio de original y "verdadero"). La música del disco es bastante transgresora, no solo en su estética, sino también en su contenido dados los pensamientos políticos y sociales de sus integrantes. Un álbum muy recomendable y pieza importantísima dentro del krautrock.

LINE-UP
- Renate Knaup / vocals, tambourine
- Chris Karrer / violin, guitars, vocals
- John Weinzierl / guitars, vocals
- Falk Rogner / organ
- Peter Leopold / drums
- Dave Anderson / bass
- Shrat / bongos, vocals
- Rainer Bauers / guitar, vocals (10)
- Ulrich Leopold / bass (10)
- Thomas Keyserling / flute (10)

TRACKLIST
01.- Soap Shop Rock
- a. Burning Sister
- b. Halluzination Guillotine
- c. Gulp A Sonata
- d. Flesh-Coloured Anti-Aircraft Alarm
02.- She Came through the Chimney
03.- Archangels Thunderbird
04.- Cerberus
05.- The Return of Ruebezahl
06.- Eye-Shaking King
07.- Pale Gallery
08.- Yeti (Improvisation)
09.- Yeti Talks to Yogi (Improvisation)
10.- Sandoz in the Rain (Improvisation)

PARTE 1
PARTE 2
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Hoelderlin - Rare Birds (1977) [Prog Folk, Alemania]

2008-09-05T17:31:00.000-04:00

Hoelderlin, otra de las bandas alemanas que tomaron su rumbo por el progresivo en los años setenta, fue un feraz grupo que comenzó a publicar discos en el año 72 hasta el 81, retornando con un perfil más bien bajo el año pasado. "Rare Birds" es su cuarto disco, mínimamente distante de sus dos primeros trabajos de estudio pero igualmente sobrecogedor y notable. Sobretodo en el tema que da nombre al disco, el más progresivo de éste y de melódicas y sutiles notas acompañadas de voces suaves, "Rare Birds" nada tiene que envidiar a sus trabajos anteriores. Por otro lado encontramos gran fuerza en la interpretación de "Häktik Intergaläktik" y de "Necronomicon", que da el toque de agresividad necesaria para quitar cualquier eventual monotonía, ya que el resto de las piezas tiene más bien un aire folk muy apacible, principalmente en "Before You Lay Down" todos temas con gran inspiración y ejecución solidísima en los instrumentos.
Esta versión trae consigo dos bonus tracks inéditos de la banda: un acústico y muy corto "Blackbird" que nada tiene de progresivo, y un "You Are the One" compuesto en piano y cantado suavemente, ambas piezas que solo fueron demos y no fueron publicadas oficialmente. Luego de este disco y su correspondiente "gira", el grupo comenzaría a decaer poco a poco, siendo para mi gusto "Rare Birds" su último disco realmente interesante.

LINE-UP
- Hans Bäär / bass
- Michael Bruchmann / drums, percussion
- Christian Grumbkow / lyrics
- Joachim Grumbkow / keyboards, voc (4)
- Christoph Noppeney / viola, vocals
- Pablo Weeber / guitar, vocals (3)
- Manfred von Bohr / drums (5)

TRACKLIST
01.- Häktik Intergaläktik
02.- Sky-lift
03.- Before you lay down rough and thorny
04.- Rare bird
05.- Necronomicon
06.- Sun rays
07.- Blackbird (demo) [bonus]
08.- You Are the One (demo) [bonus]

PARTE 1
PARTE 2
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Harmonia - Musik von Harmonia (1974) [Progressive Electronic, Alemania]

2008-09-05T11:52:00.000-04:00

Los alemanes Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius, fundadores de Cluster, tuvieron pasados algunos años la idea de realizar un proyecto musical con menos influencias rockeras y mayores pasajes ambientales, con predominancia electrónica. Para ello se unieron con uno de los personajes más conocidos de la escena kraut, Michael Rother (de Neu!) quienes lanzaron en 1974 éste, su disco debut, cuyos sonidos hablan por sí solos de su calidad.
"Musick von" consiste, a grandes rasgos, en composiciones más bien oscuras de complejas piezas basadas en diferentes instrumentos electrónicos (órganos, percusiones, etc.) que dieron hipnóticas atmósferas a través de pulsos repetitivos y extraños, manifestados en temas como "Watussi", "Sonnenschein", "Dino" o "Veterano", piezas rítmicamente bastante digeribles pero cuyos efectos resultan bastante experimentales. Otros temas más oscuros como "Ohrwurm", bastante tenso y repleto de efectos que aumentan esta tensión del oyente o "Sehr Kosmisch", la pieza más prolongada del disco, matizan en gran medida el sonido de este trabajo, terminando con un muy experimental "Hausmusik", de ácidos sonidos de teclado electrónico.
Uno de los mejores discos realizados en la escena musical alemana en aquellos años, de una banda poco valorada a pesar de los nombres que la componían. Recomendado.

LINE-UP
- Roedelius / organ, piano, guitar, electronic percussion
- Dieter Moebius / synthesizer, guitar, electronic percussion
- Michael Rother / guitar, piano, organ, electronic percussion

TRACKLIST
01.- Watussi
02.- Sehr Kosmisch
03.- Sonnenschein
04.- Dino
05.- Ohrwurm
06.- Ahoi!
07.- Veterano
08.- Hausmusik

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Embryo - Father, Son and Holy Ghosts (1972) [Kraut-Fusion, Alemania]

2008-09-04T23:49:00.000-04:00

Una de las vías por las cuales llegué a poner más atención al jazz fue a través de Embryo, sin duda una de las tres bandas de jazz-fusion que más me gusta. Y la culpa de ello la tiene en buena medida este disco, el tercero de su discografía, que ocupa la elegancia del jazz, la acidez del krautrock y la energía del funk, entregando un trabajo muy, pero muy ameno y diverso.
Con un frenético comienzo dado en "The Special Trip", una de las mejores piezas del disco, se cambia rápidamente a un corto y acústico "Nightmares", tema de un minuto pero a pesar de lo cual logran construir rápidamente una atmósfera entre oriental y campestre. El bajo coloca la introducción en "King Insano", que logra momentos bien entretenidos a mediados del tema, encerrado por pasajes más calmos. El bajo predomina notoriamente en "Free", tema repleto de pequeños efectos instrumentales que dan una sensación de extrañeza, cerrando con un solo de batería bastante complejo. Un ácido "The Sun Song" que repite en algunos momentos la melodía hipnótica de "King Insano" mantiene la atención con timbres más orientales, pasando a "Marimbaroos", tema más bien experimental que juega con atmósferas tranquilas aunque encerrando una cierta tensión encubierta, siendo más bien de "relleno". Finalmente esta placa cierra con "Forgotten Sea", que basa su sonido exclusivamente en el tema "Dreaming Girls" del famoso Steig Aus, aunque sin su derroche de energía en la interpretación.
Trabajo bastante loable de las diversas percusiones, la guitarra y sobretodo el bajo, que casi en ningún momento pierde su protagonismo, dando una base melódica y rítmica sobresaliente.

LINE-UP
- Christian Burchard / drums, vibes, percussion, marimbaphone, vocals
- Edgar Hofmann / violin, soprano saxophone
- David King / bass, flute, alto marimba, vocals
- Sigi Schwab / acoustic & electric guitars, veena, tarang

TRACKLIST
01.- The Special Trip
02.- Nightmares
03.- King Insano
04.- Free
05.- The Sun Song
06.- Marimbaroos
07.- Forgotten Sea

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Hunka Munka - Dedicato a Giovanna G. (1972) [Symphonic Prog, Italia]

2008-09-04T01:07:00.000-04:00

Cuando uno es amante de la música, y sobretodo cuando esa música no es precisamente popular, tiende a encasillarse un poco, siendo muchas veces de manera arbitraria un melómano sin más intereses que la música difícil de escuchar. Pues bien, este disco para un melómano cualquiera puede resultar difícil de oír por eso mismo: Las melodías que expele este único trabajo en solitario del tecladista Roberto Carlotto (llamado artísticamente Hunka Munka) pueden resultar demasiado simples a primera vista, sobretodo por las letras y el aire del disco, de un progresivo sinfónico que juega mucho con ritmos más pop y de toques algo psicodélicos.
Sin embargo, cuando uno escucha el disco unas tres veces ya se da cuenta que la primera apreciación no era tan acertada. Pues si bien "Dedicato a Giovanna G." es un álbum relativamente simple en sus melodías, posee pasajes instrumentales bastante preciosistas en sus temas más largos, sobretodo cuando interviene con más fuerza la batería y los teclados. La voz de Carlotto, bastante melódica, pone el resto, para conseguir temas como "Ruote e Sogni" o "L'aeroplano D'argento" que logran cautivar sin más.
Reitero: este disco no es para melómanos cerrados, sino más bien para personas que disfrutan de la buena música, sea extremadamente compleja o no. A mí al menos me resultó simpático y bello, sin necesitar pretensiones de majestuosidad indiscriminada para lograr pasajes brillantes. Interesante trabajo, bueno para salir de la densidad que suelo poner en mis oídos.

LINE-UP
- Hunka Munka (Roberto Carlotto) / customized Hammond organ, effects, voice
- Ivan Graziani / bass, guitar, chorus
- Nunzio "Cucciolo" Favia / drums

TRACKLIST
01.- Nasce Un Giorno
02.- Ruote E Sogni
03.- L'Aeroplano D'Argento
04.- Cattedrali Di Bambù
05.- Anniversario
06.- Io Canterò Per Te
07. -Intermezzo N° 1
08.- Giovanna G.
09.- Intermezzo N° 2
10.- Il Canto Dell'Amore
11.- Muore Il Giorno Muore

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Rustichelli e Bordini - Opera Prima (1973) [Symphonic Prog, Italia]

2008-09-02T20:09:00.000-04:00

El pianista y tecladista Paolo Rustichelli se unió al percusionista Carlo Bordini en un proyecto musical de bajo perfil y que tuvo corta duración, y cuyo resultado fue este único disco, de regular producción pero de una inspiración y calidad exquisitas. Sin más sonidos que los sacados por sus propios instrumentos además de la voz de Rustichelli (en verdad hubiera ensuciado bastante la incorporación de bajos o guitarras) consiguen un sonido tan cálido como complejo, en un disco lleno de quiebres y matices, de timbres sinfónicos presentes en casi toda la obra.
El disco abre con "Nativita", tema instrumental de cuatro momentos que comienza con un aire frenético para pasar rápidamente a atmósferas calmas, jugando con múltiples melodías. "Icaro" muestra la áspera y particular voz de Rustichelli (una voz poco melódica, algo extraña pero de una pasión tremenda, por cierto) en una pieza de gran energía y fuerza, con ciertos toques de jazz al final. "Dolce Sorella" presenta los pasajes más suaves a mi parecer, con un protagonismo casi exclusivo de los teclados. "Un Cana", tema que abre y cierra con sonidos de piano, posee una presencia de sintetizadores de interpretación notable, en un estilo clásicamente italiano del progresivo. Las rupturas de "E Svegliarsi in un Giorno" y de "Camellandia" son para mi gusto los momentos más sobresalientes de esta obra, cuyos matices y cambios de ritmo las hacen bastante atractivas e innovadoras principalmente en este último tema, exclusivamente instrumental.
Disco de una intención y estética notables, una propuesta muy interesante y clásica por parte de estos dos músicos, consiguiendo un disco, para mí, absolutamente recomendado.

LINE-UP
- Paolo Rustichelli / Hammond C3 organ, ARP VCS3 synthesizer and vocals
- Carlo Bordini / percussion

TRACKLIST
01.- Nativita
02.- Icaro
03.- Dolce sorella
04.- Un cana
05.- E svegliarsi in un giorno
06.- Cammellandia

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Bo Hansson - Lord of the Rings (1972) [Symphonic Prog, Suecia]

2008-09-02T00:20:00.000-04:00

Bo Hansson fue un tecladista sueco de gran renombre en su país, y con cierta fama en su época dentro de Europa. Su calidad e innovación fueron tales, que incluso llegó a participar con Hendrix en sesiones y tours, mientras Hansson trabajaba con el baterista Jan Karlsson, hasta 1969.
Separado este dúo, Hansson se lanzó en la composición de lo que sería su obra primera y más elogiada: Sagan om Ringen, publicada en 1970 y re-lanzada en 1972 bajo el nombre de "Lord of the Rings" para el público de habla inglesa.
Efectivamente el disco se inspira en la obra de Tolkien, aunque en mi gusto no logra retratarla por completo. Fuera de ello, me resulta una obra muy impresionante en el ámbito estrictamente musical, con atmósferas realizadas en base a los teclados y al Moog usado por Hansson que resultan bastante "espaciales" y algo ácidas, sobretodo cuando se suman las percusiones (casi carentes de platillos, sonando más bien tribales) y la guitarra. El resultado es algo similar al Pink Floyd entre el 69 y el 71, aunque de un predominio mayor de timbres sinfónicos, agregando pequeños trazos de jazz y ambientes bien psicodélicos. Como decía arriba, si bien no es un disco para retratarse el viaje de Frodo y sus amigos con el anillo, sirve para disfrutarlo por sí mismo. Vale la pena tenerlo.

LINE-UP
- Bo Hansson / organ, guitar, Moog synthesizer, bass

Guest musicians:
- Sten Brgman / flute
- Gunnar Bergsten / saxophone
- Rune Carlsson / drums, congas

TRACKLIST
01.- Leaving shire
02.- The old forest / Tom Bombadil
03.- Fog on the barrow - Downs
04.- The black riders / Flight to the Ford
05.- At the house of Elrond / The ring goes South
06.- A journey in the dark
07.- Lothlórien
08.- Shadowfax
09.- The horns of Rohan / The battle of the Pelenmor fields
10.- Dreams in the houses of healing
11.- Homeward bound / The scouring of the shire
12.- The grey havens

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Moving Gelatine Plates - The World of Genius Hans (1972) [Canterbury, Francia]

2008-09-01T01:46:00.000-04:00

Moving Gelatine Plates fue una banda francesa que alcanzó relativo éxito en su contexto musical, aunque la falta de recursos económicos truncó en buena medida haber llegado a un nivel más alto (de hecho, el bajista no era dueño de su propio bajo, y según lo que he leído algunso miembros tuvieron que vender sus instrumentos luego de grabar este disco).
Ésta fue su segunda publicación, y la que los definió como una de las bandas más innovadoras de su época en el género progresivo. Las influencias jazzísticas y de avantgarde se dejan sentir en el tema homónimo, una suite de 14 minutos y que es en mi gusto lo mejor que muestran, con cambios constantes en el ritmo y la armonía y arreglos instrumentales poderosos donde la mayor atención se la lleva Maurice Hemlinger, un verdadero monstruo ejecutando saxos, flauta y trompeta. Las líneas de bajo, bastante notorias y marcadas, entregan también un respaldo musical de gran nivel.
Sin embargo, no sólo el disco tiene buenos momentos en este tema. Los compases dispares y extraños de "Funny Doll", las atmósferas impresionistas y crimsonianas reflejadas en "Moving Theme", los sonidos electrizantes y oscuros de "We Were Loving Her" o los progresivos tonos de "Un Jour..." hacen de esta placa algo excepcional para cualquier melómano.
A esto se añaden algunos bonus de temas más tardíos de MGP, que los muestran en una faceta algo menos arriesgada, pero de todos modos impresionante, como en "L'Alchimiste", que es quizá la más compleja de estos temas añadidos, y mostrando un sonido progresivo bastante interesante en "Ombres" y "Rire de Peine".
Un álbum de exquisitos sonidos y matices, para una desafortunada banda que merece elogios innegables. Recomendado!

LINE-UP
- Maurice Hemlinger / organ, trumpet, soprano and tenor saxophone, flute
- Gerard Bertram / electric guitar, vocals acoustic guitar
- Didier Thibault / bass, vocals, 12-string guitar
- Gerard Pons / drums, percussion

TRACKLIST
01.- The World of Genius Hans
02.- Funny Doll
03.- Astromonster
04.- Moving Theme
05.- Cauchemar
06.- We Were Loving Her
07.- Un Jour...
08.- Synthème [bonus]
09.- L'Alchimiste [bonus]
10.- Les êtres d'or [bonus]
11.- Ombres [bonus]
12.- Rire de peine [bonus]

PARTE 1
PARTE 2
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